OVERGROUND: PUNTO DE DESPEGUE ARTÍSTICO.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

La lluvia helada golpea incesante contra la ventana del balcón mientras yo me preparo para salir a enfrentar el crudo invierno que nos atraviesa por estos tiempos. Ola polar y lluvia no son la combinación que uno busca a la hora de ir a conocer un espacio creado e ideado por y para mejorar la cultura nacional. Pero tampoco es una excusa para no hacerlo, sino todo lo contrario.

Hace no mucho llego a nuestro país el concepto de «Co-Working» y las salas de espacio compartido para trabajar fueron ganando su lugar hasta convertirse en espacios de encuentros creativos que lxs emprendedores de este siglo han aprovechado para mejorar sus proyectos. Como todo en la vida parece conectado, el Co-Working también interpelo al Hip Hop argento o mejor dicho, el Hip Hop argentino interpelo esta nueva tendencia laboral desde «Overground» el nuevo proyecto de Nicolás «Tato» Germen y de Bruno «Phoenix» Barraza que llegó para en principio, cambiar las reglas del juego.

Así, entre bufanda y piloto, emprendí mi camino al Molina Ciudad, un hermoso edificio ubicado en la remodelada Fabrica de Alpargatas, justo en el límite entre Barracas y La Boca. Para quien no lo sabe, este edificio es relativamente nuevo y se trata de un conjunto de Lofts de gran nivel producto de la remodelación de esta fabrica abandonada. Ayer fabrica, hoy hogar de muchos y principalmente lugar de Overground. Así, me tome el 12 y patee por la calle Lamadrid por algún ratito para llegar a la puerta de este, de verdad, impactante lugar.

CONCEPTO «CO-WORKING»:

El cotrabajo o trabajo cooperativo nació en Estados Unidos a fines del siglo pasado. Se trata de una nueva forma de trabajo que permite a profesionales independientes, emprendedores, y pymes de diferentes sectores, compartir un mismo espacio de trabajo, tanto físico como virtual, para desarrollar sus proyectos profesionales de manera independiente, a la vez que fomentan proyectos conjuntos. Las nuevas tendencias y la globalización del Internet permitieron un rápido desarrollo de este tipo de trabajo que se vio incrementado con la pandemia y sus consecuencias.

Argentina siempre va un pasito atrás respecto de las tendencias del primer mundo, pero se podría decir que hace unos 5 años, el Co-Working va ganando fama entre aquellxs que necesitan una oficina y que prefieren que esta no sea en su casa. Un lugar compartido con todas las accesibilidades necesarias para desarrollar una tarea y la motivación de compartir con otrxs que nada tienen en común hacen de este concepto algo por demás interesante.

Si bien es cierto que existen hoy en día, diversos espacio a lo largo y ancho del país dónde uno puede alquilar un escritorio, llevar su compu y ponerse a laburar, todavía no termina de ser algo que haya explotado a nivel local. ¿Pero qué pasa con el Hip Hop y por qué Overground vino a patear el tablero? Nadie mejor que Bruno Barraza su co-fundador para contarlo.

«La idea central, el eje central de Overground es funcionar como un Co-Working pero netamente de artistas. Y nace el año pasado como una necesidad de generar un espacio donde los artistas sin importar la rama artística en la que te desarrolles, puedan convivir con otrxs artistas compartiendo un espacio y generar contenido audiovisual». Nadie mejor que uno de los responsables de la movida para aclararnos de que va todo esto y porque Overground llega para algo distinto. No solo en sentido espacio, sino también respecto a su concepto como tal. Un lugar de artistas para artistas, donde la cooperación y la buena onda son las únicas dos condiciones impuestas.

EL ESPACIO:

El edificio Molina Ciudad fue una apuesta (bastante segura) del grupo Dujovne que de la mano de Mauricio Macri remodelo, dejando la estructura histórica y refaccionando lo que era refaccionable de la vieja fabrica de Alpargatas, aquella que en su momento albergaba cerca de 5 mil trabajadores por turno. Hoy lo que hace algunos años era hierro oxidado y retorcido, es un complejo habitacional de lofts totalmente equipados y con espacio comunes dignos de los mejores sitios de Nueva York.

Hoy además de ser hogar de periodistas, modelos y algunos empresarios, es el sitio donde el Hip Hop dispone de un lugar diferente en pleno barrio arrabalero para desarrollar diversas actividades. La autogestión y el concepto de cooperación para laburar siempre han sido moneda corriente en la cultura nacional. «Es en equipo o no es».

Dentro de todo este contexto, se encuentra un Rooftop Loft con una vista hermosa a la Ciudad de Buenos Aires dónde Overground empezó a funcionar. «Nuestra intención es generar el espacio en común para apuntalar a aquellxs artistas que ya entendieron cual es su concepto de marca y que se supieron ver como un producto para desde allí trabajar en sus carreras» aclara Bruno. «Cuando digo producto me refiero a que hoy en día la industria Hip Hop también forma parte de la industria del entretenimiento y ahí es dónde nosotros mediante este concepto, bastante nuevo, de coworking podamos ayudar en ese crecimiento y en ese fortalecimiento de marca».

Así fue como después de pulir la idea, empezó la recorrida para encontrar la estructura física que pueda albergar esa idea completamente diagramada en la mente de las dos almas mater de Overground. «Después de mucho caminar, golpear puertas y analizar opciones, llegó este loft» dice Bruno. «Me acuerdo que era tarde y pleno 30 de diciembre y mi socio me llama y me dice «creo que encontré el lugar» así fue como acordamos una visita y los primeros días de enero ya estábamos desembarcando acá en La Boca. Ni bien entré acá sentí ese calorcito de «es acá» y bueno arrancamos»

DE PASEO POR EL LUGAR:

Overground es un proyecto que se encuentra en su proceso de armado, de a poco, el equipo se va gestando y los proyectos van tomando forma. El espacio en el que se encuentra es altamente aprovechable y pese a que Bruno insiste en que su intención no es ser un emprendimiento «piramidal», el ojo de uno de los mayores emprendedores dentro de la movida para quien les escribe, fue fundamental. Como a lo largo del recorrido, mis ojos no dejaron nunca de posarse en la magnífica terraza en forma de L que se encuentra acobijando todo el Loft. Hay lugar también para una terraza un poco más chica con la intención de ser el lugar del «asador» de turno. La parrilla y algunas sillas hacen de este mini descanso un lugar ideal para apreciar, no solo la belleza de Baires sino también de todo lo que suceda en la terraza de Overground.

Algunas oficinas, otros tantos spots para vídeos y fotos, y hasta espacio para hacer algún Croma (técnica audiovisual que se usa ampliamente tanto en cine y televisión como en fotografía para extraer un color de la imagen y reemplazar el área que ocupaba por otra imagen) hacen de este, un espacio listo para que lxs interesadxs puedan desarrollar su concepto no solo artístico sino de marca. Y es este último concepto dónde Bruno tiene las cosas claras.

«Yo creo que hay que entender que hoy por hoy la gente que quiere «pegarla» necesita de un equipo, necesita de un respaldo» dice, «todxs lxs que la han pegado o que tienen ese reconocimiento hoy, tienen un equipo detrás y eso es lo que buscamos acá como cimiento. Actualmente estamos gestando el equipo, pero justamente en ese concepto de coworking es que queremos laburar con gente que este en la misma sintonía. El trabajo en equipo funciona cuando todxs están haciendo, tal vez, cosas diferentes pero dentro de una misma química» aclara. Y es necesario saber esto, porque todo equipo de trabajo tiene sus diferentes posturas pero si todos tiran para el mismo lado el resultado tendrá otro sabor.

«Cualquiera puede venir con una propuesta y en conjunto la vamos a desarrollar pero las condiciones son buena onda y cooperación. Si podemos unirnos entre todos los que estamos en ese mismo proceso de querer crecer, de querer romper la barrera, estoy seguro de que funciona. La actitud al momento de laburar es fundamental. Por ejemplo acá yo soy uno más y cada uno de los que forma el equipo de Overground lo entienden así».

Si bien el concepto es nuevo, el laburo que hay detrás se percibe y es justamente, ese trabajo, el que uno quiere destacar, porque espacios como estos no hay o al menos no son comunes. Un espacio completamente de artistas laburando en equipo, no solo desarrollando su arte sino apuntalando al de al lado. «Nuestra intención en el futuro no muy lejano es llenar esto de artistas. Si uno trabaja con artistas emprendedores siempre vamos a estar actualizados. En este caso el concepto de compartir es fundamental y es algo que no es común en la cultura nacional. Acá en el país pasa eso de «no quiero que haya más raperos en Argentina» o al menos se percibe ese pensamiento y yo pienso y el concepto de Overground es diferente es que haya más raperos, que se comparta por todos lados, es romper esa barrera porque justamente quien entiende que en el compartir hay fortaleza ya tiene el camino iniciado».

 

Si bien como dijimos el proyecto es nuevo, la marcha avanza firme, «estamos trabajando mucho, armando el equipo pero mientras tanto laburando fuerte en diversos contenidos que nos ayuden a mostrar cual es la idea de Overground». Lo interesante del asunto radica en la posibilidad de Co-Producciones y también en la posibilidad de transformar el espacio en un lugar, dónde como enfatiza Bruno, «sea un lugar dónde la gente quiera venir a participar o a hacer algo. Por ahora arrancamos así, pero créeme que me han caído propuestas de todo tipo» cierra con una sonrisa que dice mucho en el rostro.

EL MUNDO EMPRENDEDOR DENTRO DEL HIP HOP:

Si yo tuviera que definir a Bruno, rápidamente la palabra «emprendedor» se me viene a la mente. «Yo me considero un laburante. Si me tuviese que definir por amor a la cultura diría B-Boy, ya que el break es el amor de mi vida en ese sentido, pero sí, emprendedor. Me considero un trabajador que intenta hacer girar la rueda, un poco de todo. La verdad que usar la palabra activista me parece demasiado, pero produzco y trabajo mucho por esta cultura que amo» Cierra.

Según Krs One (palabras mayores de nuestra cultura) la actitud emprendedora es uno de los elementos que componen la cultura Hip Hop. Así como el concepto de Co-Working, lxs emprendedores han ido aumentando con el correr de los años y esa apertura de mercado que fue posible gracias a la tecnología ha permitido el nacimiento de muchos proyectos de diversos emprendedores. Así fue como la cultura se lleno de micro y macro emprendimientos periféricos al Hip Hop que no hacen más que retroalimentar a la cultura en sí misma y aporta al crecimiento de la industria. «Somos lxs trabajadores silenciosos» dice Phoenix, «creo que los que emprendemos dentro del Hip Hop no somos más que esos laburadores que no se ven pero que están y somos como ese motorcito que ayuda a girar la rueda» afirma. «En este sentido mi socio, Nicolás Germen Aka Tato, quien es la real piedra fundacional de Overground fue clave. Tato fue quien instalo el concepto de Co-Living acá en Argentina y sin esa charla técnica que tuvimos, donde me abrió la mente, esto no sería una realidad». Es importante enteder este punto, porque el nacimiento de Overground es producto de un Co-Working mismo y me resulta muy interesante.

Hay una energía muy particular y voraz en el grupo de Overground y durante mi recorrida por cada uno de los rincones de este magnífico Rooftop loft, estuvo presente. Hay algo serio detrás de esto y esa seriedad es fundamental para el Hip Hop argentino por estos días. El horno va lento y la cocina ya esta funcionando para no parar de generar material. Overground llegó para patear el tablero, con el ADN lleno de conceptos claros y una visión de marca muy clara. Esperemos el efecto contagio de su llegada pueda, de una vez por todas, cimentar la, por ahora, no industria nacional de Hip Hop.

Apagué el grabador y mientras guardaba mi libreta y mi biróme, observe por última vez, la asombrosa Buenos Aires gris que me regalaba la terraza de este asombroso espacio. Así me fui, lleno de ideas y completamente cargado de buena onda, esa que sobra en Overground. La lluvia ya era llovizna, pero el frío seguía siendo frío. En la calle: mi piloto, mi bufanda, yo y mis 1,5 mts. de distancia.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

LOS HERMANOS JACKSON:

La historia reivindicada por el Hip Hop que el estado norteamericano pretendió borrar.

Por Marcos «Shakya Young Shakur» Raijer – @shakya.young.shakur
       Marcos “Shonin Cabral” Canteros – @shoninc87
       Martín “Sucre” Patric – @elartecombate

 

Esta nota pretende ir al grano, teniendo en cuenta que ya pusimos en contexto aspectos históricos del supremacismo blanco en Estados Unidos de Norteamérica, el trato hacia los negros, el desamparo y el odio político, social, económico y cultural. Teniendo en cuenta los análisis que venimos realizando en “El Hip Hop Como respuesta política” y en “Malcolm X: El Prometeo negro”, podemos afirmar que el sistema está estructurado para criminalizar y condenar a quienes mantiene en la línea de la pobreza, es decir a los negros y los latinos. 

Como consecuencia de esta situación, hoy más profundizada que nunca, en las cárceles de Estados Unidos existe un flujo muy importante de presos políticos, por ende, de grupos organizados de activistas y militantes que operan con lo que pueden desde las instituciones penitenciarias.

En este contexto social surge la historia con George, el mayor de los hermanos Jackson, escritor y activista de los Panteras Negras: siendo encarcelado por supuesto robo a mano armada en 1970, con una condena insólitamente indefinida: literalmente, de 1 año a cadena perpetua. Jonathan Jackson, su hermano menor, experimentó en carne propia que el Estado le arrebate a una de sus mayores influencias, a sus cortos 7 años, y a transitar una distancia impuesta por rejas y visitas esporádicas, durante 10 años.

Durante el primer año del cumplimiento de la condena de George en la cárcel de Soledad, un grupo de prisioneros blancos tuvieron una breve pelea a golpes con otro grupo de negros; que se detuvo de manera abrupta cuando un guardia blanco procedió a disparar a los prisioneros negros, convenientemente reconocidos activistas políticos. Dos murieron al instante y a un tercero se le negó atención médica, y presenciaron su agonía hasta su muerte.

En poco tiempo corrió la noticia de que el oficial asesino O.G Miller fue absuelto, lo que provocó una revuelta donde varios prisioneros atacaron a otro guardia y lo tiraron desde uno de los balcones del 3er piso. George y otros 2 hombres, quienes eran considerados los líderes políticos de la prisión, fueron inculpados por el asesinato. George podría recibir la pena de muerte.

“Soledad Brothers” es un libro muy reconocido de George Jackson, una recopilación de su correspondencia con su hermano menor, el intento por criarlo, cuidarlo y transmitirle valores en papel. En una carta hacia Angela Davis, él transmitía su preocupación por su pequeño hermano: “Está en esa edad peligrosa en la que la confusión se impone y empuja a los negros a la tumba o a la cárcel”. En el afán de demostrar lo que es ser un hombre de valores al pequeño Jonathan, con el contraste de su propia imagen (un hombre encerrado y derrotado físicamente a pesar de sus convicciones), la visión del mundo se hace difusa cuando todos los Jonathans salen a la calle y ven “hombres” bien vestidos, armados, “respetados”  y enjoyados.

La lucha por los derechos civiles siempre fué y es por lejos, forzada a una extrema clandestinidad, mientras el contrabando y el narcotráfico se vuelven algo cotidiano y se lo minimiza tras los constantes bombardeos mediáticos, que vanaglorian la idea del narco peligroso como la versión exitosa del latino o del negro. Sin ir más lejos, desde el ámbito cultural, los jóvenes admiran mucho más a un personaje ficticio como Scarface antes que a Tupac Amarú II. Ya sabemos quién de los 2 tuvo “solo sus huevos y su palabra” en el plano de lo real. En otras palabras podemos decir que prepondera la ficción por sobre la historia, y la fantasía por sobre la realidad. El saber vulgar se apodera cada vez más de los distintos planos de nuestra cultura, y deja en segundo lugar al saber crítico que implementaba Tupac Shakur al citar en sus canciones a Latasha Perkins o Rodney King, Rakim al citar a Malcom X, o Immortal Technique al evocar la revolución cubana, por citar ejemplos que cada vez son menos frecuentes.

El 3 de agosto de 1970, George Jackson fue trasladado a la prisión de San Quentin, lo que fue interpretado como una terrible señal: la institución penitenciaria a la que estaba siendo transferido contaba con la infraestructura para ejecutarlo de manera legal.

4 días después fue cuando Jonathan ingresó al Palacio de Justicia del condado de Marin, donde juzgaban a un prisionero llamado John McClain (Si, como el icónico personaje de Bruce Willis, no sabemos si existe una conexión). 

Jonathan Jackson avanzó hacia los tribunales con un rifle y varias armas escondidas, y se sentó pacientemente. Con esa misma tranquilidad dijo “Bueno caballeros, desde ahora me encargo yo” levantándose de su silla.

Jackson ató con cinta adhesiva un arma a la cabeza del juez, se lo llevó de rehén con varios miembros del jurado, y se dirigió junto con McClain y otros 2 prisioneros  al estacionamiento del juzgado. Subieron todos a un auto y arrancaron. Segundos después, se desató una balacera que dejó como saldo a cuatro muertos: 2 prisioneros, el juez y Jackson. Tenía 17 años.

“Quiero que la gente se pregunte cuáles fueron las fuerzas que lo crearon: terrible, vengativo, frío, tranquilo, inmaduro, armado con su valentía por un lado, y su metralleta por el otro para aplastar a los injustos” Redactó George despidiendo a su pequeño hermano y lamentando su muerte.

2 CLÁSICOS QUE MANTUVIERON EN LA MEMORIA POPULAR A LOS JACKSON

No está de más aclarar que también se hace referencia a este caso en la primer parte de la canción “Get Down” de Nas y en la canción “George Jackson” de Bob Dylan.

Boyz N the Hood – N.W.A

Boyz n the Hood fue el icónico tema que llevó a N.W.A al reconocimiento masivo. Es esa canción la de la histórica anécdota donde Eazy E rapea por primera vez, luego de un altercado con un grupo de raperos conocidos en el estudio a quienes él había llevado para que graben sobre el beat que había armado  Dr. Dre y la letra que había escrito Ice Cube.

Dicho grupo se fue ofendido, ya habían pagado el tiempo de estudio, y la plata era de Eazy. Para Dre la solución era simple: Que rapee él. Fue allí donde descubrieron el timbre de voz característico que en conjunto con su personalidad explosiva sería una pieza fundamental para la crew. Después de titubear unos segundos, Eazy se metió en la cabina.

“En Boyz in the Hood”, las chicas solo existían para el goce de los chicos; los padres eran unos tontos, y los adictos un blanco perfecto. Era un mundo sórdido, exagerado e inexcusable”…”No obstante, el final de la canción era inesperado” Relata Jeff Chang, el escritor de Generación Hip Hop. 

La letra se trata sobre una clásica travesía por el barrio, donde Eazy se cruza con un par de Homies, entre ellos un adicto al crack que intenta robarle el estéreo del auto, a lo que Eazy lo asesina con una pistola calibre 22, y, como si nada, decide ir a visitar a su novia para tener sexo. Una vez con ella, escucha de su boca palabras que lo hacen enojar y decide pegarle, y en su intento por defenderla, su padre también recibe una paliza. Cuando vuelve a las calles, presencia como detenían a Kilo G, uno de sus amigos, que al ser encerrado sin derecho a fianza, inicia un levantamiento en la prisión. En el tribunal donde lo están juzgando, aparece en escena su novia con una ametralladora, y comienza un levantamiento armado en el juzgado, donde aparentemente a ella no le hacen nada las balas. Al final ambos terminan siendo juzgados juntos.

“Gracias a esta vuelta de tuerca, que aludía sagazmente al caso real de Jonathan Jackson, “Boyz N The Hood” se convirtió en un mito generacional” sigue Jeff Chang.

Con aires sumamente irónicos, bizarros, y exagerados, la letra de Ice Cube relataba un día normal de la vida de las clases bajas y la violencia cotidiana con la que conviven. Podríamos decir que en contraposición, su tema esta vez solista “It was a good day” relata justamente que todas esas situaciones que retratan la cotidianización de la violencia a la que son expuestos, desde el abuso policial, institucional, y racial, justamente ese “buen día” de suerte, no sucedían.

“Cause the boys in the hood are always hard

(Porque los chicos en el barrio siempre son duros)

You come talkin’ the trash, we’ll pull your card

(Venís hablando mierda y revelamos tus cartas)

Knowin’ nothin’ in life, but to be legit

(No sabemos otra cosa en la vida que ser auténticos)

Don’t quote me, boy, ‘cause I ain’t said shit”

(No me cites, chico, porque yo no dije una mierda)

Estribillo de Boyz N the Hood.

“Boyz n the Hood se transformó en un himno para los jóvenes urbanos de la Costa Oeste, sin padres, sin hermanos, acosados por el Estado, y armados hasta los dientes: Una generación a la imagen y semejanza de Jonathan Jackson”…” La repercusión del single estaba relacionada con su actitud desafiante, altiva, que parecía anunciar: “desde ahora nos encargamos nosotros” Concluye Jeff Chang sobre la canción. 

En palabras de George Jackson, Jonathan fue un soldado del pueblo.

Soulja´z Story – 2pac Shakur 

Con este clásico storytelling, Tupac nos muestra que, en una misma canción, es posible hacer ficción histórica, interpretar distintos personajes como en una obra de radioteatro, tocar temáticas sociales poco frecuentes, y dejar una moraleja de reflexión enfocada a un público menos consumidor, y que, en esa época, era menos destinatario del arte en general. Tupac jamás dejó de crear para los excluidos.

Shakur nos cuenta un suceso casi idéntico al de los Jacksons, en pos de transmitirnos el sentimiento de desesperación al queeran sometidos los negros en la década de los 60/70. El paralelismo es explícito: la historia de un hermano mayor que cae preso acusado de asesinato, y un hermano menor que toma rehenes para liberarlo de prisión, concluyendo en saldos mortales. Además se suma el pequeño detalle que nos confirma el pico de explicitud: el hermano menor de esta historia tiene la misma edad que Jonathan, 17.

Soulja es la deformación de la palabra Soldier (Soldado), y su consecuente resignificación. Un Soulja es un soldado de la calle, testimonio de una nueva era en la que los jóvenes no son enviados a Vietnam, si no militarizados en sus propias calles, enfrentados, destruyéndose, en una creciente campaña del Estado por llenar de crack los barrios marginales. 

Vamos a desarrollar un poco esta obra de Pac:

La primera parte de la canción está, a modo de personificar al primer personaje, con un efecto de pitch en la voz (estamos hablando de 1991). El personaje comienza quejándose:

“Crack done took a part of my family tree

 (El crack tomó una parte de mi árbol genealógico)

My mom is on the shit, my daddy’s splittin’, mom is steady blamin’ me

(Mi mama está en la mierda, mi papá se fué, mamá está quieta cargandome culpas)

Is it my fault, just cause I’m a young black male?

(¿Es mi culpa, solo porque soy un joven hombre negro?)

Cops sweat me as if my destiny is makin crack sales” 

(Los policías me persiguen como si mi destino fuese vender crack)

El protagonista se pregunta: “es mi culpa, solo por ser un joven hombre negro?”, y es nuestro deber alarmar al lector de que la pregunta del protagonista no es retórica sino que requiere una respuesta. El oprimido no siempre sabe que es víctima, sobretodo las veces en que el opresor es sistemático o social, con lo cual, el oprimido puede tener tendencia a sentir culpa y, muchas veces, rechazo de sí mismo (Eldridge Cleaver lo explica muy bien en Alma Encadenada, y el mismo Pac lo refuerza al decir “I’m seeing it clearer, hating the picture in the mirror, they claim we inferior” en ‘They don’t give a fuck about us’). 

 Luego de 2 versos donde relata brevemente el acoso policial constante, describe como finalmente la policía lo detiene:

They finally pull me over and I laugh

(Finalmente me agarran y me río)

«Remember Rodney King?» and I blast on his punk ass

(“¿Recordás a Rodney King?” y le disparé)

Now I got a murder case ?

(Ahora tengo un caso por homicidio)

you speak of heaven punk? I never heard of the place

(¿Hablas del cielo tonto? nunca escuché de ese lugar)

(acá podemos identificar que Pac no está aludiendo a la historia de los Jacksons de manera directa ya que el caso Rodney King, conocido por haber sido golpeado brutalmente por la policía, fue en 1991.)

 Lo que sigue en esta primera parte de la historia nos describe, con poética sofisticada y callejera, la crudeza de un humano con resentimientos: Perseguido por la policía, compró armas y joyas para él y sus “compañeros”. Su madre trató de apuñalarlo y se mudó. Vendió marihuana, se compró una casa.

Pero todas las cosas buenas no duran. Le cayeron las fuerzas de choque y lo apresaron. 

Now my little brother wants to follow in my footsteps a soulja”

(ahora mi hermano menor quiere seguirme los pasos de soldado)

Lo que acá nos dice el relator, nos deja un pie perfecto para la segunda parte que será contada en primera persona por el hermano menor (esta vez sin el efecto del pitch)

La entrada son dos disparos, amenazas, y la declaración del deseo implacable de morirse. 

El relato prosigue contando las formas en que, el menor de los hermanos, siguió y hasta empeoró el ejemplo del mayor.

De un verso a otro se comienza a avizorar el desenlace: le avisa a su hermano mayor que esté listo, que prepare sus cosas para cuando él dé el golpe. Al igual que con la historia de los hermanos Jackson, el Soulja menor tiene decidido sacar a su hermano mayor de la cárcel.

“I’m wearin’ double vest, so aim at my fuckin chest”…

(Estoy usando doble chaleco, así que apunta a mi maldito pecho)

…”I can still hear my mother shout, «Hit the pig nigga, break your bigger brother out»

(Todavía escucho a mi madre gritar ‘Da un golpe a la cárcel, negro, sacá a tu hermano de ahí’)

La importancia que tiene todo final, sumado a la perfección de la prosa, la descripción y la ejecución actoral propia de 2pac, nos obliga, a falta de la posibilidad de audios, a transcribir este tramo de la obra:

The fast life ain’t everything they told ya Never get much older, following the tracks of a soulja

(“La vida rápida no es como te lo cuentan, no vas a llegar a viejo siguiendo los pasos de un soulja”)

Último verso que antecede el estribillo final de la canción.

Si bien 2pac era hijo de panteras negras y abiertamente político en su enfoque, en la creación de esta obra él no había empezado a desarrollar el concepto de “Soulja”, como tampoco los otros tantos cambios que instaló desde el lenguaje. 

Su Storytelling, que forma parte de su primer disco “2pacalypse Now”,  deja una huella del desarrollo individual de su increíble capacidad de percepción social y potencial creativo.

Con el tiempo, Tupac empieza a convertir “Soulja” en una persona que está dispuesta a dar la vida por los derechos y las ideas por las cuales milita. Una modificación similar se da con la palabra “Thug” (lo pueden ver en el discurso que él da en la Indiana Black Expo que tradujimos al español para youtube: ver acá, o mismo cuando nombra a Mutulu Shakur, Geronimo Pratt, Mumia Abu Jamal, Sekou Odinga (todos miembros importantes de las Panteras Negras), a los que cataloga como “Real OG’s”. (esto lo podemos escuchar al final de la canción White Man’z World). Esta modificación en los significados la podremos ampliar más adelante en otra editorial, nos serviría saber si les interesa el tema. 

Tanto Boyz n’ da Hood como Souljaz Story se nutren de la historia de los hermanos Jackson para mostrar una cruda realidad pero, al contrario de lo que solía suceder con las historias que se contaban sobre los negros y los excluídos, esta vez fueron contadas desde la óptica de los protagonistas, y eso es algo que le debemos en gran parte al Hip Hop y los enormes artistas que éste nutre. 

 La ideología criminalizadora en la que se postran las grandes instituciones del mundo tiene, como primer objetivo, tergiversar las verdaderas raíces ideológicas de la cultura, luego, mantener a las verdaderas raíces ideológicas en la clandestinidad y, como último paso, ser tratadas de ilegítimas

Por eso es tan importante para nosotros la comprensión de la cultura Hip Hop, por dos grandes motivos:

El primero es que el Hip Hop es esencialmente social y político, ya que demostró a lo largo del tiempo ser coherente con la realidad, y su mensaje trasciende más allá de todas sus diversas expresiones artísticas; es una ideología basada en la comprensión pedagógica de la opresión, que batalla a todos los frentes culturales que imponen las estructuras hegemónicas. Por consiguiente es claramente estigmatizado y llevado al plano del mainstream amarillista, por un intento de tapar con la mano el segundo gran motivo, y es que la cultura Hip Hop es descendiente directa de todos los movimientos sociales y políticos que hicieron quiebres culturales a la estructura, desde Marcus Garvey y la cultura Reggae, hasta Malcolm X y los Panteras Negras, Líderes y pensadores que hicieron temblar los pisos de las casas de todos los Pro-Colonización a lo largo y ancho de América moderna, y se encargaron de desmitificar los relatos que nos mantuvieron desvalorizándonos a nosotrxs mismxs.

Todas las personas que sentimos la necesidad de aportar culturalmente tenemos que reflexionar acerca de esta “2da guerra fría” y las nuevas tácticas diplomáticas que estamos viviendo en el mundo, y entender por qué el Hip Hop tiene una magnitud tan esencialmente importante: Porque es el único movimiento cultural internacional que abiertamente comprende esta situación social, y nos plantea a nosotros, que en vez de ser históricamente convocados o forzados a ir a guerras como los jóvenes negros norteaméricanos que sufrieron Vietnam, o los jóvenes argentinos en Malvinas, que deberíamos ser otro tipo de souljas, dedicados a la guerra cultural, la prevalecencia de la inteligencia y la expresión, que convierte a todo este movimiento en eterno.

 

SIN MIEDO AL ÉXITO… PERRI.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

¿Es posible tenerle miedo al éxito? ¿Es realmente factible que podamos tenerle miedo a ser exitosos?. ¿Qué es el éxito, cómo se mide? y ¿El miedo es realmente a el o a los factores externos qué lo hacen tangible? Quien sabe. ¿Acaso Kurt Cobain se mató escapando de su propia nube o Messi juega no tan bien las finales apaleado por los nervios del fracaso?. Dudas, divagues mentales que me hago mientras pienso para escribir esta nota.

Son muchas preguntas y algunas (tal vez todas) no tienen una respuesta. Ni simple, ni compleja, simplemente no tienen respuesta. Escribo esta nota pensando una cosa pero se despertó a través de otra. Ni bien termino el partido frente a Brasil, no grité, no salté, no lloré, no me abrace a nadie, ni mire al cielo, Ni bien el arbitro decretó con su silbatazo la conquista de la Copa América luego de añares de fracasos, mi imagen (todo mi ser), se quedo con Messi. Ese Messi arrodillado en el Maracaná semi vacío con los ojos llenos de lagrimas y el cuerpo exhausto, pero no solo del partido. Un momento de pausa en el mundo dónde pude ver, a través de la pantalla y a miles de kilómetros, como una enorme mochila pesada se soltaba de la espalda de un tipo al que acababan de tapar una montaña de compañeros que entendieron esa liberación implícita en un campeonato. Revista Flow no tiene nada que ver con el fútbol o tal vez sí, pero no en su mayoría. Pero desde pequeño peco en ejemplificar orientado a un deporte que me parece magnífico.

Esta fue la copa de Messi. Por edad, por el contexto, por haber «fracasado» tanto otras veces y porque al fin y al cabo el enano se lo merecía, el mundo fútbol así lo quería. En Brasil y gastando uno de sus últimos cartuchos dentro del verde césped, Lio, toco la gloria (con su país porque la gloria la tocó hace rato) haciendo feliz a 50 y pico de millones de personas al mismo tiempo. Esa carga que no era propia, llevo al mejor del mundo a no ser reconocido en su nación por no «haber ganado nada» y lo inmiscuyo en una especie de crisis negativa, lo hizo vomitar en las finales y pasarla mal por errar un gol o un penal. ¿Messi le tenía miedo al éxito?

El 10 se sacó una mochila enorme de la espalada y hoy vive más libre, no lo conozco pero lo puedo asegurar. Y justamente el otro día, mientras preparaba el grabador para una entrevista, el entrevistado me dijo «hay que romper las barreras mentales, esto es sin miedo al éxito», y mi cabeza rebotó para re armar un par de conceptos que creía tener claros. Hay un término muy propio del Hip Hop y es ese famoso»real». Y durante este intercambio, mi interlocutor me dió a entender como, desde su visión, esa calificación de «reales» (que vaya a saber quien la inventó) atentaba contra el crecimiento no solo personal sino grupal también. Una etiqueta que a veces, perjudica a la (no) industria nacional.

Esa mochila se transforma entonces en «mantenerte real aún si eso te perjudica» y aquí el «enojo» de mi interlocutor por dicha circunstancia. Y creo que acá entra en juego no solo esa «presión por no defraudar» (que no es propia sino que le pertenece a los demás) y la propia esencia del artista o persona. Aquí se trazan dos caminos, pero antes de tomar cualquiera de ellos hay un trabajo personal para hacer. Durante esa charla, entendí que esos caminos tienen «repercusiones» inmanejables y que nada dependen de uno. Así como la carga de Messi que no era tan propia. ¿A quién tenía que demostrarle Messi que era capaz?. Durante la charla tocamos varios temas, pero este mini debate pre entrevista lleno mi cerebro de ideas para escribir esto. La cuarentena nos sirvió para eso, lo hayamos elegido o no, el aislamiento nos invito a una crisis introspectiva para renacer o seguir igual. Esa posibilidad de caminos se abrió para todos y los cambios de paradigmas estuvieron al alcance.

Para redondear en el eje central, creo que los artistas no deben encasillarse en nada en particular, mi concepto de «artista» puede ser completamente diferente al que puedas tener vos que estas leyendo esto ahora mismo, pero en esta discusión, el éxito y el fracaso tapan con su aura sombría todo intento genuino de hacer lo que nace de las entrañas. Para mi un artista es quien hace lo que lo llena, el que deja que sus sentimientos broten ya sea en una pintura o en un rap o en lo que sea que haga sin importar si se «pega» o se hace «viral». El artista debe respetarse a sí mismo por ante cualquier otra cosa. Vivir del «arte» a cualquier precio, para mi, es traicionar una parte muy intima de uno mismo, donde ese concepto de «artista» se quiebra. Un artista no puede hacer lo que los demás quieran solo por la simple razón de la plata o la fama, eso para quien escribe, es ser un títere de alguien más. Pero existe otra postura, otro lado de la barra, que siente que justamente entender «que llama la atención» es una autopista al crecimiento personal y colectivo. Esa visión intenta asentar que un artista debe reconocerse como un producto, para ser vendible, etiquetable, coleccionable y para llegar a la cartera de la dama y al bolsillo del caballero.

Son dos posturas muy marcadas y que en sus aristas pueden tener ciertos contactos. Hacer un arte puro sin la necesidad o la búsqueda de viralidad no es tenerle miedo al éxito. Es entender en esa crisis introspectiva cuales son los valores que se manejan y esa elección por el camino de la honestidad artística vale más que un par de seguidores, la fama y la estabilidad económica. Ahí se encuentra la cultura nacional hoy, en ese proceso de madurez, de introspección, de elecciones. Hay raperos que eligieron la autopista de la góndola vendible y que han trasmutado su contenido, su forma de rapear, su apariencia y que ha decidido también cambiar su público por uno más consumista. ¿Esta mal? Por supuesto que no. Y después hay otro equipo, ese donde lxs artistas siguen puros, escribiendo y rapeando por amor al arte, por que para esa gente rapear es como respirar y una tintura de más o de menos no le cambia la ecuación a lo que realmente es importante: Ser libre de complejos ajenos.

La autopista de la fama es muy jodida. La velocidad por la que allí se transita es inmedible y así como podes pasar un par de peajes de garrón, te podes comer un guardarrail y no volver a contarla. El camino sincero es dificil de soportar, vivir del arte es jodido, pero ser un producto de los demás, para mi, lo es más aún.

Es sin miedo al éxito papi… y todo dependerá de: ¿Qué es el éxito pra voce?.

 

LEGO EN UNICLUB

Por Lautaro «Lykao» Yanes – @lykao.sdc

El pasado 23 de julio Lego presentó por última vez su disco Cambalachhe en Uniclub, Almagro. Con la sala llena, dentro de los parámetros permitidos por la pandemia, el marplatense gestionó una despedida en honor a su primer trabajo de estudio acompañado por quienes transitaron su gestación y recorrido a su lado..

Podríamos definir a la primera etapa de Lego como artista al tiempo transcurrido entre la publicación de Papiroflexia y la de Cambalachhe. Este show tuvo todos los condimentos para ser considerado un cierre de esta fase: Shakya, quien lo acompañó desde su llegada casi sin recursos a la Capital, como host del evento. El Legado y El Moreno, con quienes acaba de conectar, como teloneros sorpresa. NGO, su hermano de mar del plata, y Mapris, otro de Buenos Aires y fiel compañero en muchos de sus shows, también junto a Lego en Uniclub. La gran ausencia de la fecha fue la de Punga, productor del EP. Aunque Esca, de La Fábrica Estudio, lo reemplazó y supo honrarlo.

A eso de las 20, el host se presentó ante un público que permanecía sentado y algo tímido. Un silencio incómodo fue la respuesta a la pregunta “¿Conocen al Legado y al Moreno?”. Acto seguido, sin mediar palabras, ambos saltaron al escenario con total decisión y altura. La claridad para rapear, los punchlines pesados llenos de información, su puesta en escena y la pistas en su mayoría hecha por N Muñoz, quien también rapeo un tema, descontracturaron a un público que escuchaba con una particular atención. Algunos, ya empezaban a pararse.

Tanto el show de Mapris como el de NGO contaron con la fuerza de no ser unos desconocidos absolutos para el público. Para este momento el hype era total, los olores del tabaco y la flores se mezclaban entre los primeros que se atrevían a acercarse al escenario. Aunque una tenue sensación de tensión daba vueltas. Esa timidez, era impensable en tiempos pre-pandemia. En Uniclub, la energía rondaba entre la felicidad y la nostalgia. Las ganas de volver a los shows.

Quizás, un aspecto positivo de los shows post-covid sea la obligatoriedad de cumplir con el horario pactado. Para quienes no lo sepan, esto nunca fue una constante en los eventos de hip-hop. Lego no tardó en subir al escenario. Ya nadie estaba sentado. El orden de los temas fue tal cual como figuran en el disco. Desde que sonó Nights, todos corearon barra por barra. Lo que siempre sorprende en los públicos de artistas que hacen tanto uso de las técnicas.

Después de Bada$$, junto a NGO, DRAMA, con Tian, y Camel, con Mapris, Lego invitó al escenario a los muchachos de Kamada. Durante los tres minutos que dura Parisiennes, se comieron el escenario. Esa mezcla entre conocimiento, recorrido y ambición hacen que La Tablada y Mar del Plata confeccionen un trío letal. Hermosa forma de cerrar esta etapa personal y artística para Lego. Antes de irse, como suele hacer, amagó con haber terminado. El público pidió un tema más y sonó Papiroflexia, el track que lo empezó todo. Cuando se despidió, la gente le agradecía a el. Hace mucho no veía eso.

Un Lego maduro y asentado empieza a mostrarse como artista importante de la escena nacional. En coincidencia, vuelven los shows en Buenos Aires. El resto del panorama hip-hop argentino también se sigue desarrollando y estableciendo conexiones. El rap local post-pandemia se va a poner lindo.

Muchas gracias a la gente de OVXL Media (@ovxlmedia) y al Ruso (@ruso.nlb) por tanta generosidad, buena onda y por dejarnos laburar con total libertad para hacer una gran cobertura de un gran espectáculo.

 

 

«SI UN DÍA ME LA CREO, LO MATO A SAJE»

Por Lautaro «Lykao» Yanes (@lykao.sdc) & Gian Franco Lisanti (@itnasil_)

¿En qué momento Kamada deja de ser una idea, un concepto sinónimo de underground en el sentido más positivo de la palabra, un adjetivo que denota el rap más complejo a través de su sencillez, para pasar a ser un grupo de artistas, mc’s, personas? 

Para el caso de Saje, cada lanzamiento parece esa salida de la cueva sobre la que tanto habla, y reaparece su imagen en el sonido. No como componente esencial del lanzamiento, que alimente views, oyentes y deseos ajenos, sino para recordarnos la presencia de un humano de carne, hueso y reflexiones detrás de cada decisión.  

Aura fue su último lanzamiento. Un ep conceptual que roza los diez minutos de duración. El adelanto audiovisual de «Tifon», subido el 15 de mayo, unas horas antes del lanzamiento de las tres canciones, nos marcó el sonido, los colores, los símbolos y las palabras que íbamos a poder ver en el resto de la producción. 

– ¿Cómo fue la recepción del disco? 

Re linda. Justo ese día estábamos grabando algo que todavía no puedo decir así que lo viví con amigos de la movida. Fue muy emocionante. Estábamos ya pensando en lo próximo pero pude vivirlo con cariño, con gente que lo está compartiendo. Muy místico. De parte de la gente re lindo, el público kamadero es hermoso. Está creciendo, me encanta ver eso. 

Después del estreno, metieron sold outs para próximos shows casi instantáneamente. ¿Cómo te estás preparando? ¿Pensaron algo especial para los que recién se suman a su público?

La gente explotó mal. Son tres: dos en el oeste, el 11 y el 18, y otro en el sur, en Temperley, el 25. Me encanta el show. Ahora yo estoy viviendo con Kelo y el hecho de que estemos juntos facilita y hace mucho más conveniente el tema de la preparación, del ensayo. Eso esta re bueno. Hay gente que le re ceba la parte vieja de Kamada, como el primer disco. Esos temas son de hace más de diez años. A veces ya ni sé qué estoy rapeando, qué estoy diciendo. Pero son canciones que tenemos que meter porque sino nos matan. Las disfrutamos obvio, pero éramos personas muy distintas. Yo tenía dieciocho años, ahora tengo treinta. A la vez, intentamos experimentar con cosas nuevas que sean digeribles para los que antes no nos escuchaban. Es difícil, y prácticamente imposible, contentar a todo el mundo. Pero intentamos ser leales a quienes lo fueron con nosotros.

Eso es algo que pasa cuando un artista  logra construir un clásico. 

Si, te persigue hasta el último día. 

¿Con qué ideas te pasa esto de «qué estoy rapeando»?

La letra de «Nirvana verbal» (Kamada Tres Cuatro, 2013), por ejemplo. Me acuerdo que yo estaba re flashando con las métricas, era algo muy incipiente. Era lo primero que hacíamos en este estilo. Era muy nuevo todo. Si bien ya venía rapeando hace tiempo era el primer proyecto serio. En ese tema en particular, siento que se me fue la mano con la poesía, es tan metafórica, es tan abstracta, que por ahí lo puede entender uno solo. En ese momento estaba más concentrado en los flows. Hoy en día me gusta bajar data más concisa. En aquel momento no tenía drama con que me cierre a mí y listo porque yo sabía por qué lo escribía y hoy lo escucho y digo «che me re pintaba». Hoy las letras pasan por muchos más filtros y me voy exigiendo más también. 

En comparación con esos discos y los últimos, Aura y Sajelodonte, ¿el tiempo de elaboración cambió mucho? 

En los primeros temas yo era otra persona. Invocaba más mi lado artista, en el sentido personaje o presencia. Ahora es mucho más esculpido. En el último tema, que todavía no salió, digo “acá más que escribir se cincela”. Desde hace cinco, seis años atrás cada vez me fui poniendo más estricto conmigo mismo y nunca lo vi como algo negativo. Hubo días que estuve con un beat mientras laburaba, iba, venía, y por ahí estuve doce horas y escribí solo cuatro barras pero son cuatro barras que las pongo ahora y me siguen gustando. En cambio si yo iba y me casaba con lo primero, eso no me pasaba. Creo que un poco lo que dicen de Kamada es eso. Kamada para mi es un ratito mas sentado. Después la mística la inyectamos nosotros, le ponemos nuestro cariño personal. Lo siento así, es apoyar el culo y escribir. 

¿En qué momento sentís que apareció Kamada? 

Tenía una banda con Fakir, éramos Perpetua Inmadurez. Lasta y Kelo eran Literalmentes. Todo empezó por juntar Literalmente con Perpetua Inmadurez. Después el Facu empezó a tener otras movidas. Quedamos Lasta, Kelo y yo. El momento en el que nace Kamada trescuatro es ese. Después, renació cuando se fue Lasta. Ese momento de redefinir, de decidir qué íbamos a hacer. Imagínate que la impronta de ser tres se transforma si son dos voces. Yo me frustré, me puse mal. Pensaba en qué le íbamos a decir a la gente que nos quería escuchar a los tres. La realidad es que el tiempo pasa, y más allá de que sea otra mística, seguimos haciendo lo que nos gusta. Con Lasta tenemos la mejor. Hoy el proyecto se llama Kamada e involucra más que nada a Kelo y a mi. 

«Yo cazaba a pie y con arco. Flechas de piedra buscaba en la piel del guanaco. Con su cuero me cubro las piernas cuando nieva cruel y el terraplen pareciera blanco» (Tribal, Aura, 2021)

En Aura hay una constante referencia a una vuelta al origen, al homo sapiens. ¿De dónde viene esa conexión con lo natural?

Creo que del folklore que consumí últimamente. Es algo que me empezó a transmitir mucho mi compañera, de compartirme autores muy piolas. Hugo Gimenez Agüero, Marcelo Berbel, Cafrune, Atahualpa. Ellos tenían esa cosa de la simpleza o de encontrar la profundidad en lo natural, en lo que nos es dado. Después todo eso lo adaptamos a nosotros. Me terminó apasionando también la historia  de nuestras culturas originarias y este proceso de ramificación de la especie a través de todos los continentes. Nosotros podemos saber lo que pasó hace quince mil años, por lo que vemos en las cuevas. Pero también me apasiona saber que hace treinta mil estaban los cherokees en América del norte. Me apasiona como concepto científico y también como eso que nos hace lo que somos. 

«No soy un artista igual a los de la escena actual, yo no te la puedo actuar. No hay bitches. Para mi la habitual comunidad es matriarcal, cosmogonía de ritual, ¿cuál hay? Soy wichi» (El cesar, Sajelodonte, 2018)

Hay muchas veces que en tus letras aparece esta cuestión de la relación entre el origen humano y los pueblos originarios pero haciendo referencia a vos en particular. Además de este amor por el conocimiento, ¿hay algo que sientas que a vos te une con este tema?

Muchas cosas. De chico sentí eso, me miraba al espejo y me preguntaba de dónde vienen estas facciones, a qué corresponden y de más grande empecé a entender que pertenecen a un mestizaje de años que me atraviesa. Mi mama era correntina y ella me contaba que su abuela o bisabuela era una comadrona guaraní, una aborigen autóctona. Desde este punto de vista me interpela. Sin romantizarlo, naturalizandolo. Es algo que siempre me sucedió y me gusta contarlo porque me gustó aprenderlo, y si lo puedo transmitir, buenísimo. 

Claramente preferís visibilizar que reivindicar a estas comunidades, ¿Por qué?

Porque en la reivindicación hay una aceptación de la derrota, de la inferioridad, que para mi no existe. Cada uno hace su peli, estamos intervenidos por un montón de cuestiones culturales, sanguíneas, instintivas y haces lo que podes con eso. A mi me emociona. En el folklore nacional, con estos autores que decía, hay un montón de eso, de reivindicar al aborigen pero no desde la lástima y la compasión sino desde la cuestión histórica que forjó y forja lo que pasa ahora, sin negarla ni rechazarla, solamente apreciándola. Una especie de meditación. 

En definitiva, sos mucho más de la resiliencia que de la reivindicación.

Resiliencia es una palabra que me mueve, me identifica. Me apasiona eso en el sentido filosófico a partir de la cuestión de Nietzsche del amor fati o de los autores estoicos que en vez de plantear a las adversidades que vivieron como simples momentos de mierda, las describen como maestros. No sabes todo lo que me costó sacar esa piedra del camino pero al día siguiente sabes que la persona que sos, sin esa piedra no hubiese existido. Renegar de lo malo me parece también que es una cuestión juvenil, porque me ha pasado mucho tiempo eso de estar mal, mirar todo desde lo negativo, ahora lo abrazo. Pienso en a donde me llevó, de qué manera me ayudó a pensar como pienso ahora. Es un poco feo decirlo, pero a veces miras para el costado y por ahí hay gente que no tuvo esa suerte de que le pasen las cosas malas y los ves ahí sin poder desarrollar eso que para mi te trae el obstáculo. Es romper el músculo y que crezca más grande. El dolor me parece muy interesante desde ese lado.

¿Cuál es tu relación con el dolor?

Tuve una buena crianza pero a la vez me tocaron vivir situaciones que a mis compañeritos no. Hoy justo pensaba en eso. Siempre me decían que era muy maduro pero eso a mi no me sirvió. Cuando un chico es muy maduro es porque le pasan muchas cosas que no están buenas. Es una ambivalencia. Tardé mucho en percibir a los golpes como maestros. Hoy en día, a esta edad, tengo otras herramientas. A esta altura, gracias a esos sufrimientos puedo darme cuenta de que tengo que frenar. Hacer una meditación. Antes también lo hacía, pero esa meditación era de salvataje, era abrir la válvula porque explotaba todo. Entonces, lo fundamental es usar las herramientas, saber la importancia de la salud mental, de meditar, de toda la información que hay disponible, sin excederse, porque hay tanta que después terminas sin saber. Todo lo que tenemos y necesitamos, lo tenemos en el cuerpo. Para mi lo básico es eso. El dolor hoy en día lo vivo a través de la ansiedad. Es algo que le pasa a mucha gente. Nos iguala la ansiedad y creo que tiene que ver con el miedo.

¿Reconoces personas que te hayan abierto el camino de la meditación o sos más del autoaprendizaje?

Me inspiraron personas y circunstancias. Leyendo Siddharta, investigando sobre budismo, preguntándome. Después me llegó una data, un chabon que se llama Wim Hof. El loco activa sus magias con la respiración. Últimamente me volví a acercar a esa cuestión. Uno no se rescata y entras en una vorágine y cuando te querés dar cuenta estás actuando automáticamente y no estás viviendo nada. Creo que eso también nos diferenció a nivel Kamada. En momentos en los que podríamos haber salido a tocar, a mostrarnos, a hacer mil videos, nos dedicamos a crecer nosotros. Eso fue fundamental. Hoy en día el perfil artístico que tenemos lo compartimos, lo cuidamos y lo respetamos. Podemos vivir juntos y tener una relación madura. Si tenes una banda pasan mil cosas y podes tener otros miles de desacuerdos pero creo que con Kelo tuvimos esa cuestión de decir: primero crezcamos nosotros,  estemos seguros de quiénes somos y qué queremos hacer. Ahora tenemos un enfoque super maduro que, para mi, a Kamada le re aporta. Me encanta esta etapa.

«Yo que fui flor sin tallo hasta que un rayo de sol nos miro de soslayo. Ahora mas mayor y mucho menos fashion. Todo consteló y si tocó con Kelon, ni ensayo.» (Tifon, Aura, 2021)

¿Cómo es eso de la flor sin tallo?

La flor sin tallo es la persona sin recursos desde el punto de vista de no nacer en cuna de oro. Yo tampoco vengo de un barrio marginal pero creo que Kamada es eso. No nos apadrinó nadie. La fuerza de la voluntad para escribir y hacer música. Un día te reconocen y me quedé con eso. Fui flor sin tallo hasta que un rayo de sol nos miró, hasta que llegó la suerte, que es eso, el reconocimiento. Fama nunca quisimos pero el reconocimiento es algo que gratifica de otra manera. Somos jóvenes y todavía tenemos mucho para dar y que ya, en este momento, te lleguen comentarios, te digan tu banda es referencia, cosas que no dejan de ser palabras o percepciones personales, a uno lo envalentona y te da ganas de seguir.

«Aún puedo escaparme de esta cárcel de piel si estoy al margen pero se que Saje también» (Tifon, Aura, 2021)

Tanto en Sajelodonte como en Aura hay momentos en los que se separa Patricio Daniel, tu nombre real, de Saje. ¿Son dos personas que tienen diferencias entre sí?, ¿Cómo conviven?

Eso se lo robé a Borges, en el buen sentido. Hay un escrito que se llama «Borges y yo». El chabón lo hace de la manera en que solo lo puede hacer el maestro, lo baja de una forma tan linda. El va relatando le llegan cartas sobre Borges, se entera de Borges por una cátedra de la universidad o se entera de Borges porque lo ve en la TV pero no es el. Porque vos sos un yo, una primera persona. Saje siempre termina siendo otro y yo lo vivo desde ahí. Yo siento que Saje y Dani son dos personas distintas. Dani está haciendo esta entrevista, si saco un tema voy a ser Saje. Por ahí la gente que lea esto puede pensar que conoce a Dani y me encantaría. No estoy peleado con eso pero sí identifico que hay un yo y una imagen que se forma de mi, que quizás no tiene que ver conmigo

¿Reconoces cosas de Saje en el día a día Patricio y viceversa?

Donde más se juntan uno con el otro es en los vivos. Arriba del escenario ya no existe esa máscara que te separa, que uno arma, porque estás persona a persona, compartiendo energía, me estas viendo moverme y ahí se infiltra mucho Dani y el encanto pasa a ser todo de Dani. Saje es la placa que la gente recuerda pero en ese momento están con Dani. Al revés, Saje escribe porque Daniel Patricio se instruye, se informa. Si algo moviliza a Daniel Patricio, Saje lo va a rapear. 

¿Vivís en tu día a día con esa separación?

Para mi soy mas Dani que Saje. Saje es la máscara, eso que pongo entre  la gente y yo, como concepto artístico, como nombre, y nada mas. El otro día estaba pidiendo unas empanadas con barbijo. El loco me reconoció y me regaló su barbijo que tenía la impreso el logo de Kamada. Eso a mi me re voló. Ni siquiera me vió la cara. Nos estábamos mirando a los ojos nada más. Ahí el que se llevó el viaje fue Dani. Dani la flipa. Siempre tuve de estandarte la humildad en el sentido mas ético de la palabra, la humildad de la simpleza. Cuando me reconocen en la calle,  vuelvo a tener 15 años. Durante un ratito el hype es total. Le digo: «¿te gusta lo que hago?», «¿no lo puedo creer?». El tema es el siguiente: si un día me la creo, ahí lo mato a Saje. Lo veo en muchos MCs. Se apachorrean. Querían ser ese nombre que se pusieron al principio y cuando ya lo reconocen por este nombre, la quedan. Yo no quiero que me pase eso. Quiero que siempre sea un camino para arriba. 

«En este prado ni rey ni soldado. Ni ley ni legado, nadie responde al eco de los hombres, ergo, no siguen ordenes son hermanos empoderados, en pos de ver todo el orbe desde el norte hasta el monte congelado. Enorme el don que esconde el hombre noble y pobre el que no obre con amor» (Yo, Hidroluno, Sajelodonte, 2018)

¿En esa ecuación, donde entra Hydroluno?

Hydroluno es un nombre, un seudónimo que se me había ocurrido y me encantó. Surge de mezclar la cuestión del agua con la luna y en el momento que lo pensé era porque me gustaba la metafísica de la astrología, o la poesía. Me gustó más que nada el nombre. Si hubiese sido escritor por ahí firmaba los poemas como Hydroluno. 

En “Yo, Hydroluno” (Sajelodonte) aparece toda la cuestión de la horizontalidad, el anarquismo. ¿Te ves metiendo más contenido relacionado a la política en el futuro?

Nunca me quedo quieto en el sentido ideológico. Siempre me gusta aprender cosas o estar absorbiendo algo y últimamente estuve absorbiendo mucha teoría anarquista. Eso me transforma a mí como persona y eso que se desprende de mí ya es involuntario, es inherente. Por más que no quiera, si me pones un beat voy a bajar lo que tenga en la cabeza en ese momento, las ideas que esté amasando y ahora tienen que ver con eso. Se va a ver reflejado, no sé qué tan directamente porque entiendo que es un tema que hay que tratarlo con suavidad porque decir anarquismo hoy en día es un montón para un montón de gente. Me gusta la teoría, me gustaría desarrollarla, transmitir cosas que me despertaron curiosidad. Pero no me gusta venderle una idea a la gente como verdad absoluta. Yo lo que hago es decir: «che vi esto y me gustó». Lo comparto.

¿Cómo se dio tu acercamiento a esta corriente ideológica?

Principalmente las adversidades del día a día. La semana pasada viví un ejemplo muy claro: mi hermana tiene un problema de salud y tuve que pelearme contra la burocracia de la obra social y del Estado para ayudar a un integrante de mi familia. En esas circunstancias te das cuenta de lo mucho que podés aprender cuando los organismos que te deberían ayudar te dan la espalda o te empujan para que vos no te puedas desarrollar. La vida me dio vuelta el tablero muchas veces. El propio poder es el que me lleva a hablar de anarquismo. Lo hago en forma de respuesta a lo que yo mismo vivo, no porque me parezca que es un mensaje fácil de vender. Todo lo que esté en manos de 3 o 4 me parece mal. La solución es que haya distribución. Si sobra algo lo repartimos. El humano es solidario por naturaleza, pero el sistema nos convenció de lo contrario. Borges decía que probablemente no lleguemos a ver una sociedad completamente libre, pero en mi opinión vamos hacia ese lado.  

Más cerca de la pólvora que de la incómoda vos moral” (Oval, Aura, 2021))

¿Tiene más fuerza la muerte que la sociedad?

En realidad no es la sociedad, sino la moral impuesta. Según Nietzche, la alta sociedad griega inventó este concepto para poder hacer más dóciles a las clases más bajas. Inventaron la moral y la pusieron como pieza fundamental para alcanzar metas como el desarrollo económico. El objetivo, convertir a quienes consideraban brutos en individuos mansos, borregos, plegarios. Pero a la vez, esta frase se relaciona mucho con mi vida, como crecí y mi relación con las instituciones.  

«No te rebajes pa’ ganar bien pa, a mi el rap me enseñó que hacerlo bien no es para que te entiendan, que uno recoje lo que siembra y si tanto te importa la imagen, es que tu mensaje es una mierda» (Metaforismos, Sajelodonte, 2018)

Cualquiera que te haya escuchado hablar o haya leído tus entrevistas sabe que no te interesa priorizar tu imagen sobre lo artístico, ¿Es el reconocimiento musical un objetivo en tu carrera? 

El reconocimiento está bueno pero para mi es algo que llega de rebote, no sé si lo voy a buscar. Uno lo hace porque le gusta y obviamente, porque querés que te escuchen, porque por eso lo grabas, y lo distribuís y lo subis a una plataforma, pero no se si esa es la sed, la necesidad. La búsqueda tiene que ver con el profesionalismo, con que me guste a mi, porque a mi me deja de gustar muy fácil. Esa es una realidad. Uno todo el tiempo está subiendose la vara. Es la pasión que elegí y en este sentido soy competitivo, pasional, porque me gusta. Me encanta escuchar un tema y decir «mirá lo que hizo, lo que dijo». Es lo que me gustó desde el primer día con el rap, y quiero que la gente que me escuche haga lo mismo pero esa no es la búsqueda. De hecho, un montón de tiempo eso no paso, ni de cerca…

No te vas a poner a buscarlo ahora.

Olvidate. En ese momento tampoco, me chupó un huevo. Un buen ejemplo es el de Bum exploté; cuando yo la grabé teníamos una luca de visitas. Tenía 18, 19 años y para mi era un temazo y me re gustaba. Diez años después la gente me empezó a decir «che es un temazo» pero no me desesperé en ningún momento porque el tema a mi siempre me cerró, esa es la cuestión. 

«Somos chicos amigos de la espontaneidad. ¿Con qué me di? Bro, con varios libros en realidad (…) Perfecto, hoy vuelo mis penas en el pelpa y mas que el mambo de la pepa viajo en un tango maldito» (Alunisaje, Kamada Clásicos, 2018)

¿Cuál es tu relación con la droga?

Primero que nada, las drogas tendrían que ser legales. La humanidad utiliza distintos tipos de estímulos o drogas que alteran su comportamiento desde siempre. En lo personal, sí hago cierta diferenciación. Con las que más simpatizo son las de origen natural. Igual, lo más puro es tratar de usar lo menos posible todo tipo de drogas, legal y no legal. Mi relación es esa. Reconozco su importancia en el desarrollo del hombre, así como su características destructivas. Alguien que me inspiró mucho en este sentido es Aldous Huxley. El tipo se murió tomando LSD. Le pidió a la mujer que se lo suministrara hasta último momento y se murió en ese viaje, andá a saber qué estaba entendiendo en ese umbral. Digo entender porque, así como puede matarte, también te abre mucho la cabeza.Para mi una cosa es el lsd, otra la cocaína, otra la marihuana. En ese sentido hay cosas que me caben más que otras pero desde ya que hay un curro en la ilegalidad de la droga.

En Tribal (Aura, 2021) hablas de un viaje de Huachuma en el que se te aparece un mono sin dios y te dice “dejá el cel”. Ese mono sos vos. ¿Cómo llegás a esa división entre tu parte humana y tu parte animal? ¿Qué importancia tiene en tu cabeza lograr establecer esa diferencia?

Principalmente, me ayuda a entender la realidad. Para mi todas esas cosas están relacionadas, inclusive la huachuma. Hasta ahora la teoría relacionada a la evolución que más me cierra es la de la selección natural; que un día un simio se diferenció de los demás y empezó a desarrollar herramientas y capacidades que nos trajeron a donde hoy estamos. En ese simio intento contar lo trascendental, como en un momento era una cosa y ahora soy otra pero sigo siendo la misma persona. Lo del celular va por el lado de cómo impactó en la cotidianidad el uso de dispositivos móviles. No puede ser que un aparato te esté provocando ansiedad, no te deje dormir tranquilo o modifique tus hábitos. La vida no es la misma que hace 30 años. Todas esas cosas están relacionadas y me apasionan mucho. Pensar en cómo el humano se fue desarrollando y esparciendo por el mundo para convertirse en lo que hoy definimos como «hombre moderno». Pensá en los Selknam (tribu fueguina), hay vídeos de ellos con un tendón de guanaco haciendo una flecha. Estamos hablando de alguien que se manejaba en un entorno natural. Hoy en día, nosotros no tenemos nada que ver con ese chabón, no nos relacionamos con el mundo natural. Por eso, sin romantizarlo, ese proceso entre uno y otro está bueno pero a la vez hay algo de lo simple que se perdió. Que te pegue el sol tres horas al día y te de vitamina D, que trabajes con la tierra en tus manos y liberes estrés a través de eso son cosas que solían ser nuestras costumbres. En ese sentido soy como Thoreau que en un momento dejó de pagar impuestos y se fue a la concha de su madre. Quizás sin ser tan drástico pero priorizando tu independencia; tener tu huerta, tu casa y etc. Por ejemplo, yo tengo un trabajo burocrático que no sirve para un carajo y cuando tengo los huevos hinchados quiero ser autónomo realmente. De verdad me pregunto porque no puedo serlo, estamos haciendo casas hace 3000 años. Si me tiras en el bosque lo primero que voy a hacer va a ser armar un refugio. 

¿Has hecho algún viaje al sur o al norte para conectar con todo esto?

Voy solo a Córdoba, pero este año planeo ir al sur porque los pibes me viven diciendo que cuando vaya me voy a volver loco. Inclusive mucha gente de allá me dice que parezco del sur por como rapeo. Es algo que tengo pendiente. Cada vez que tengo la posibilidad, viajo. Es algo que te cambia el termómetro emocional.

¿De donde sale la idea de la historia en Tribal?

Además de lo que mencioné antes, resaltaría una película que se llama «El hombre de la tierra», del 2007. Toda la peli sucede en un living, osea es la película con menos presupuesto del mundo. Trata sobre un maestro que decide irse del pueblo donde trabaja hace 10 años y que ante las constantes preguntas del porqué de su partida termina confesando que está vivo hace 14.000 años y que no se puede morir. La verdad que hay que verla, porque el guión es muy poderoso como para poder explicarlo. Otra persona que me inspiró a hacerlo es Ozelot, un rapero español que descubrí hace poco y me ayudó a entender la importancia de escribir sobre uno mismo. Más allá de la calle y lo que escriban todos.

Para que las rimas rebuscadas, el contenido de culto y la exploración del artista a través del rapeo fueran redituables, el rap en español tuvo que atravesar un proceso mainstream en que, al menos por unos años, los únicos que podían generar ingresos eran los que hablaban sobre la calle, las drogas y las mujeres. Mientras esto pasaba, vos ya rapeabas hace un tiempo. ¿Siempre buscaste alejarte de lo simplista?

Siempre tuve una predilección por lo esotérico o lo que no puedo entender y una necesidad de contestarme preguntas que yo mismo me hago. Es imposible no hablar de cosas superficiales, la cuestión está en todos los años ir adquiriendo cosas nuevas e intentar no ser repetitivo. Poder mirar para atrás y encontrarte con el proceso que fuiste haciendo, es vital. Cambio drásticamente y no tengo pudor a cambiar. A veces los raperos buscan una imagen de sí mismos y eligen quedarse con ella para siempre, yo me encuentro con opiniones mías que se cruzan todo el tiempo. De eso se trata la formación. Para eso hay que tener la  honestidad intelectual de hacerse cargo de lo que defendes y porqué. 

«El artista y el héroe, como pocos, muchas veces. Sacrifican el bien personal en virtud del bien común y en eso se parecen y se complementan. El artista tiene de héroe, la abnegación hacia un bien colectivo y el héroe tiene de artista la proeza y el esplendor de sus acciones. Otras veces su móvil es pura vanidad y egocentrismo y se sacrifican en función de la recompensa y no de la acción en sí misma, en estos casos el móvil es la competencia y «el deseo de sobresalir y no el mero altruismo» (Metaforismos, Sajelodonte, 2018)

En Metaforismos estableces una relación entre el artista y el héroe, ¿Por qué?

Eso lo escribió mi hermana, la persona que me metió en la poesía. Nuestra mamá era profesora de Literatura, por lo que siempre estuvimos ligados a esas cosas y se lo agradezco. Ella me despertó la chispa por el poder de la palabra. De hecho soy fanático de los escritores y periodistas, pero no me considero uno. Por eso soy rapero. Toda la filosofía que hay detrás de ese verso está inspirada en Kamada. El párrafo que aparece en Hydroluno sobre los seguidores también lo escribió ella. Mi hermana es mi mentora. Si bien es escritora por afición, los textos que hace me interpelan siempre. Me gusta ponerlo en los temas porque ya se está volviendo como una marca personal.  Lo que si, ella  siempre me pide que no la nombre ni ponga sus iniciales. Mi hermana no solo me acercó a la escritura sino que también al hip hop. Cuando yo tenía doce o trece años, ella iba a clases de danza árabe en frente de mi casa. Un día me preguntó si quería acompañarla, y como no hacía más que ver dibujitos me mandé. Apenas crucé ví unos pibes haciendo breakdance y me voló la cabeza. De a poco fui empezando a bailar. Un día cayó un rapero, le tiraron un beat y se mandó a improvisar. Yo no sabía bien lo que estaba haciendo porque nadie me había explicado, pensaba que el pibe se hacía el canchero por saberse sus letras de memoria. Cuando se mandó a rapear sobre las cosas que tenía alrededor me cayó la ficha de que todo lo pensaba en el momento. Eso me voló la peluca. Después empecé a escribir y hasta competí. Nunca más volví a hacer break.

–  ¿Cuál es tu relación con la literatura? ¿Cómo vivís la relación entre el tiempo de lectura y el de las redes sociales, de inmediatez y estrategias?

Mi vieja compraba mucho Felix Luna o las bibliotecas de Billiken. Recuerdo haber leído mucha historia argentina al principio y me encantaba. Hay cosas que cambiaron mucho en ese sentido, antes leer era un hábito. Cuando tenía 15 ó 16 años los pibes recién empezaban a tener celular y ahora lo tienen cada vez más pibes. Eso genera muchos cambios en la conducta de la masa. El tema es que estamos en plena transición y los efectos los vamos a ver dentro de 20 años. Mis amigos venían a la puerta de mi casa a tocarme el timbre para ver si estaba, hoy eso es impensable. La espontaneidad se está perdiendo. El cambio de los 90 a los 2000 fue muy groso y muy brusco. Los niños, que son en definitiva los futuros artistas, tienen cada vez más ansiedad. La era digital es la causa. Estamos inmersos en un mundo de super-exposición, super-información y no somos super-hombres.

¿Cómo combatís la era digital entonces?

La clave para eso es incentivarme a mi mismo constantemente, podés leerlo en mis letras: yo me estoy diciendo «dejá el cel», yo me estoy diciendo «lee», yo me estoy diciendo «meditá», yo me estoy diciendo «valorá el momento». Asimismo, no todo es tan fácil. La cabeza también nos juega en contra. Yo también soy el que se está diciendo «destruite». El punto está en lograr un balance y para eso hay que conocerse.

Ese dios que a veces se manifiesta como sol en las letras del integrante de Kamada. Esa fuerza que invita al oriundo de La Tablada a abrazarse con el dolor. Aquel ente que le propone autodesarrollarse a través de la resiliencia después de comprender a los golpes de la vida como maestros. Esa misma voluntad divina que le propone adquirir conocimientos varios en forma constante para compartirlos con sus seguidores, es él mismo. La voluntad propia, que a veces se manifiesta como Saje y otras como Daniel Patricio, es el estandarte tanto de su vida íntima como de su personalidad artística.

Poco sentido tiene destacar sus cualidades en cuanto a barras o flows si se puede encontrar en plataformas digitales, entrevistas o reseñas explicativas hechas inclusive por nosotros. Lo más valorable en el mensaje de Daniel Patricio es su comprensión sobre sí mismo y las ganas inquebrantables que tiene de colaborar con quienes se acercan a él a tomar ese camino, si les es necesario.

“No tengo dioses ni ídolos

El profe que sigo yo, es el cofre de mi dolor” 

(Saje, canción aún no publicada)

FIANRU – «VICIO» (2021)

Por Julián Falaschi – @falaschi.juli

Juan Pablo Peruchena A.K.A. Fianru sacó el pasado 4 de junio el disco Vicio, el cual realizó casi en su totalidad luego del comienzo de la pandemia. Desde que sacó a luz «Que la cuenten» a fines de diciembre de 2019, fue lanzando los demás temas entre el año pasado y este hasta llegar al último, una colaboración con Neo Pistea llamada «Fresh» que salió junto al álbum. Luego de la salida de AVAL en 2018, uno de los raperos más importantes del panorama nacional (y por qué no, hispano) volvió a demostrar su versatilidad para fluir pistas clásicas con su inconfundible flow, su capacidad para reinventarse y su experiencia para contar el mundo y el barrio entrelazando barras tan pesadas como reales.

Este laburo está grabado, mixeado y masterizado en su mayoría en El Triángulo Estudio y cuenta con cinco beats de NIGMA, dos de PELA y dos de FRANE, que se lucen a la par del que rapea con pistas clásicas de Hip-Hop. Por otro lado, hay un video que acompaña a siete de los nueve sencillos desde el momento en que estos salieron.

Dicho esto quiero profundizar en la letra de algunas canciones ya que para mí es por lejos lo más destacado del disco y del artista en general.

Empezando con el primer tema “El que rompe, paga” en donde cuenta sobre su pasado y sus vivencias, el camino que hay detrás de “pegarse” y como mantener los pies en la tierra al pesar de todo. La idea general del tema para mí la resume a la perfección cuando suelta “me ofrecieron un contrato y un billete y dije si, vi cómo era la movie y una vez que aprendí, abrí mi propio sello y nos fuimos de ahí” mostrando como tuvo que entender en primera persona lo que significaba la industria musical para así poder darse cuenta que estaba lejos de lo que lo representaba.

En «Ready», la primera colaboración del disco aparece junto a T&K haciendo una combinación tremenda en donde los dos demuestran rapeando la cantidad de años que tienen encima y se unen para un estribillo que es ideal para saltar y gozarlo con amigos en un show de rap ni bien termine la pandemia.

Por otro lado, en «Hijo de Inmigrante» se lo ve más combativo con los haters, y aprovecha para diferenciarse y criticar a los “raperos” de hoy que se muestran ajenos a la cultura. “Esto no es por reproducciones, es para los que quieran escuchar al papi de todos estos clones, que se toman un clona y se me hacen los campeones, yo ya hice bermuda los pantalones” me parece una tremenda barra y que expresa perfecto lo que quiere marcar Fianru. Como frutilla del postre, mientras va terminando el tema suena de fondo los scratchs de DJ Destroy Arms.

La joya del disco para mi es “Que la Cuenten”, un tema que hace junto a Ronpe99 y Zica de Rapstinencia, en la que este dúo aporta las variedades de técnicas que están acostumbrados a hacer en sus temas mientras cuentan historias de su barrio y de su infancia y adolescencia que se vio marcada por muchos problemas que el rap opacó. Fianru aparece en el medio de los dos para hacer presente a la vieja escuela en las letras y mostrándose orgulloso de pertenecer a la añeja “Conección Real”.

Para terminar este disco de nueve entregas, el autor eligió “Cerrá la Puerta”, un tema en el que se lo ve en una vibra distinta de los anteriores temas del disco. Bajo un beat nostálgico reflexiona un poco de todas las temáticas que aborda en el disco y en su carrera en general, como si fuera un abuelo dando consejos de vida. Ideal para escucharlo en una tarde de lluvia o solo en tu cuarto con los ojos cerrados mientras dejas que tu nuca se mueva sola.

Si ya terminaste de leer la nota es un momento perfecto para hacerme caso y ponerte a escuchar esta bomba de uno de los mejores raperos de argentina, y si ya lo escuchaste, ponelo igual, que nunca está de más.

KALA: «MANIFIESTO» (2020)

Por Gastón Piriz Aldana – @gaston.gpa

“Manifiesto” es el primer álbum hecho y derecho de KALA. La rapera argentina aprovechó su oportunidad de lleno; no le quedó ni una palabra en la punta de la lengua, soltó todo (como siempre).

Igualmente, Kala ya nos había demostrado la fuerza y la manera tan imponente que tiene para transmitir su mensaje. Feminismo, anti-sistema y anti-policías corruptos son temas que repasa a lo largo de su canciones. Por cierto, dio un gran paso en su carrera; sacó su primer álbum e hizo sonar su rap protesta… y bien alto.

La rapera de Buenos Aires comenzó en la movida cuando iba a las plazas. Rapeaba, pero sobre todo tiraba beat box. Actualmente se encuentra llena de proyectos, escalando en calidad de material y dando talleres de rap en barrios populares. Siempre se encuentra con un boom bap de fondo, por lo tanto, te imaginarás que en su álbum no suena otro tipo de base.

Su postura frente a las problemáticas de la sociedad (y el mundo) planteadas en las barras dan de qué hablar. Kala tiene el objetivo de rapear con la cabeza, expresar lo que siente y piensa e imponer un mensaje fuerte y claro.

En todo momento sus ideales están a flor de piel. En “Nos Matan”, tema que comparte con SKAN, le regala un apercibimiento al estado: “Educación sexual, es primordial, fundamental si queremos cambiar esta realidad. Wacho paren de matarnos, cosificarnos, respétennos y sino… Nos hacemos respetar en cada barra que rompe mi voz”. Rap puro y crudo, con un mensaje protestante que no tiene tapujos.

Para dar más contexto si aún no escucharon los temas, el álbum “Manifiesto” es un Manifiesto al %100, logra de lleno su objetivo. Tan así, que el primer tema, de los seis (“1312”, “Eternos”, “Suave”, “Nos matan”, “Justicia”) que integran el disco, se llama “1312”.Un boombap con un comienzo explosivo de N. Muñoz. Se puede rescatar frases como “Cerdos con las manos sucias, llamar trabajo al maltrato. Esta es la policía que te cuida, la que a los vendedores ambulantes le tira la comida”. Como anteriormente se dio a entender: Kala no tiene pelos en la lengua para expresar las injusticias que la (y nos) rodean.

No son solo insultos, y acá está lo importante. En este tema, 1312, la artista se mete con temas tan delicados como pueden ser; las desapariciones en democracia y la represión a los trabajadores. Sin embargo, no se olvida de los bastardcops, aquellos que le dan (y le dieron) la espalda al pueblo: “Defendiendo el interés de unos pocos ¿No lo ves? seguridad pal burgués, violador o juez, por un sueldo a fin de mes”

Pero no, el álbum no empieza con el primer tema. Sino que comienza con una introducción que queda excelente. Junto a sonidos que dan a entender que se está prendiendo fuego algo, Kala habla y transmite, no rapea en este primer minuto: “Quemaron mi cuerpo, cortaron mis brazos, mis piernas, saquearon mi vientre, robaron mis ojos, rompieron mis dientes. Tu tierra se quema, tu tierra se vende, si no sos vos el que la defiende”, así lo comienza.

Como dato de color, analizando una y otra vez esta curiosa y atractiva intro, se llega a notar algo en el cierre: “No hay hombre, ni mujer, ni empresario, ni rey que merezca poseerme ni que tenga el derecho de pasar sobre mí con sus camiones, para deforestarme, quemarme, matarme y construir sobre mí una y otra vez. Granjas asesinas, edificios calles y esquinas, déjenme tranquila”, pareciera que hasta se mete con la deforestación ambiental, dando dos mensajes al mismo tiempo.

A la rapera la define la protesta, la queja, el expresar las injusticias. Pero sorprendió con un tema más oscuro, más lento (como el beat). En el segundo tema,“Eternos”, el enfoque va por otro lado. “Apagá la tele, salí a pintar paredes”, nos aconseja y ya entendemos por donde va la mano. Un tema con un mensaje más abarcativo, sobre nuestro paso por la vida. Un tema más profundo que corta con tanta protesta.

Violeta Kala ya nos había acostumbrado a su rap político, aunque es su primer disco ya nos había regalado barras de protesta, enojo y sentimientos puros. Si les gusta “Manifiesto”, les gustará Kala, ya que el resultado final la representa.

Y atentos, porque hablando con flow dijo que ya está «craneando su próximo laburo», aparentemente de nuevo con N Muñoz.

Ill J y Yanto Rules presentan Memory Lane «un trabajo de creadores para creadores»

Por Nicolás Romero – @nico_rxmero

Todo aquel que este inmerso en esta cultura desea 12bits. Casi como un principal aspecto de quién elige este amor, tanto en aquella persona que produce, como quien se despliega sobre ella, o tan solo en quién desea disfrutarla, está y sin duda, intrínsecamente conectada al sonido del Hip Hop.

Desde este lugar, hace apenas unas semanas, Flow se puso en contacto a través de una rica charla, con los responsables de que nos encontremos disfrutando tal característica. Mas precisamente estamos hablando del dúo que forman juntos, los compas Yanto Rules e Ill’ j.

El día 12 de mayo fue la fecha. Los artistas, quienes ya se habían visto implicados en trabajos en lo que ambos participaron, soltaron a la red un nuevo EP titulado Memory Lane. Dicho material fue producido en su totalidad por ambos, a excepción del track cinco (To’ Mi Keep It Real), cuya autoría instrumental nos remite FatiQue. Comprendemos así, un álbum cuya gestión es mera creación de los dos artistas, una autogestión que tiene como tinte motivacional las inspiradoras calles de Lima. Lo que nos permite entender el contexto de su país a través del rap, el sentido de sus barras, y que más allá de algún análisis en composición, el cual no es necesario para dar cuenta del material, estas nos permiten en un cerrar de ojos, sentir los olores y percibir los movimientos vivos de la capital peruana.

El EP y los pasos que le dieron forma.

Acerca de cómo comenzó este trabajo, ILL J nos cuenta que, «el bajó a mi casa y me dijo si le podía grabar un tema», y continúa, «primero sacamos un feat, que es el mismo que salió con el vídeo, llamado To Keep it Real, lo trabajamos, escribimos y grabamos ahí mismo, ese trabajo le dio paso al EP». Yanto, por su parte nos agrega, «yo recién estaba conociendo a ILL J, venía de trabajar un ep con dos amigos, desde donde sacamos dos remix, en los que trabajaron un amigo del sur, Canceroso beats, y otro colega más, para ese entonces no conocía mucho a ILL J. Desde ahí y más adelante surgió que bajara a su casa, planeamos preparar un tema, escuchar sus pistas, así se inició Memory Lane».

Al raíz de esto, ILL expresó, «comenzamos a hacer un beat (Feel My Funk), armé el loop, escribimos y Yanto dejó su parte grabada, y a mi parte la grabé después». Agrega además que, «como ya teníamos dos temas, el vuelve a venir otra vez a mi casa y grabamos ‘Temple’. Entonces teníamos ya un feat trabajado en vídeo, más esos dos temas guardados, por eso me surgió la idea de hacer un Ep, se lo dije a Yanto, y coordinamos sumarle dos temas más».

«Luego, mientras planeábamos agregar más temas, no pudimos juntarnos más por la pandemia, justo cuando estábamos terminando de cuadrar el Ep, se paralizó todo, y cada uno estaba en sus cosas y proyectos. Entonces recién este año nos pusimos para cerrar el trabajo, es decir, el intro y el outro se hace uno o dos meses», deatalla ILL J.

Con respecto a este tema, Yanto nos cuenta como con la parálisis de la pandemia siguieron trabajando, «tuvimos la opción de empezar con las fotos, la portada, conseguir el espacio y terminar el aspecto visual. Eso fue sentir que, habíamos soltado algo que hace bastante queríamos hacer. Por mi parte me quedaba aún terminar de grabar algo, y durante la pandemia esperé para comprarme las cosas del estudio y grabar las voces».

Desde donde el artista nos cuenta que, «La creación fue sobre la marcha, fuimos trabajando feats y ya luego decidimos unirlo y crear el Ep, pero no nos sentamos a crear una idea previa, se fue dando, teníamos temas y decidimos juntarlos».

Respecto al sentido y gusto de este nuevo Ep, los artistas nos cuentan que, «si tiene un sabor especial, sobre todo porque a ambos nos conocen en la faceta de beatmakers, yo pienso (Ill j), que es más como un, ‘vamos, hacemos beats pero también rapeamos’. Nosotros hemos hecho toda la gestión del Ep a excepción del bonus, se puede decir que es un trabajo de creadores para creadores».

La pandemia en este trabajo 

«Yo creo que el hecho de haber esperado y que el Ep salga después de un año fue positivo, durante ese año hemos estado aprendiendo técnicas de mezcla, Yanto puliendo los beats, por eso tal vez, el sonido se escucha mejor, acercándonos a lo profesional, es parte de la evolución, quizás de haberlo sacado el año pasado, no se hubiera escuchado como suena ahora, aclara ILL J».

Desde este punto agrega, «Yanto fue quien pensó las locaciones y consiguió quien diseñe y saque las fotos, estuvo a cargo del aspecto gráfico», a lo que Yanto agrega, «lo que buscábamos en el diseño era traer la imagen del beat, que sea vea a lo que suena, con ciertas texturas vintage que lo representen; creo que eso es importante, quién pueda captar tu visión y tus ideas».

Acerca de esto, ambos coinciden «el álbum fue muy bien recibido, tiene un poco de todo, en tanto beats y barras, algunos beats se diferencian en el mood que cargan, pero terminan englobando un concepto final»

A su vez, ambos artistas están actualmente trabajando sus proyectos de siempre y que en algún punto se conectan. Tanto Yanto como Ill J, se encuentran en la elaboración de Eps, ya sea en conjunto con demás personas, o incluso de manera personal. Lo cual, nos predispone a continuar esperando más trabajos, que son y sin duda, from heads to heads.

 

DERBY, ROCI Y LULA: POR AMOR AL ARTE.

Por Rocío Lombardo – @fleko.foto_

La Plata no es solo la ciudad de las diagonales, es también, un enorme lienzo de concreto dónde descansan y resaltan innumerables graffitis de muchxs artistas. Hace algún tiempo vengo trabajando en la realización de un documental dedicado integramente a mostrar el laburo artístico de las mujeres, que a pesar de expandirse mucho en el mundo del graffiti, siguen siendo «poco visibles» para la cultura. En este caso y con motivo de completar un poco dicho material, me junté con 3 hermanas graffiteras para charlar sobre todo un poco.

 

Yo te pregunto, porque vos en un momento hablas del underground y de la escena artística en La Plata que es muy autogestiva para todos los ambientes, al principio cuesta bastante. ¿No crees que si hubiese una política, sacando el partido político, pero si hubiese una buena política de la municipalidad estaría mucho mejor, estaría bueno sacar la parte de la autogestividad y que la municipalidad te baje una plata por mes para hacer lo que vos haces y puedas vivir de eso? Si crees que hubiese una herramienta política social un poco más fuerte, ¿no sería mejor que ser autogestivo?

Roci: Yo creo que también igual, la autogestión es una elección más allá que haya políticas o no o si hay lugares. Me parece que la autogestión es una elección más allá de lo que te puedan llegar a dar o lo que pueda llegar a rascar de algo.

Lula: Igual que Ro, coincido que es una elección pero que también, por lo menos a mí me pasa que haber transitado tantos años junto a tanta gente que está en otro tipo de situaciones o que hizo las cosas de otra manera, está bueno que esas personas puedan hacer algo con la guita que entra en el Estado, estaría re piola.  A mí me pasa que personalmente no me ceba laburar así, nunca lo hice, nunca me interesó y parte de la autogestión, es algo que me paso de muy chica, de no estudiar algo que no me gusta, tampoco tengo guita, no tengo muchas opciones, me voy a tirar por esto que más o menos sabía que dibujar o cantar por ahí iba y listo y me dio un montón de fuerza. Pero no está mal, estaría re bueno que haya políticas más piolas porque de todos modos ese dinero que ingresa se puede utilizar para otras cosas, entonces estaría re piola que se utilice para lo cultural, el tema es que siempre está manoseado entonces se usa lo cultural para hacer propaganda y tampoco va por ahí, me parece que cada uno se expresa como quiere con esa guita, entonces siempre tenes que estar mediando, es bastante difícil.

Derby: Por ahí te garantiza un ingreso fijo pero tenes que andar negociando que hacer y que no, y tenes que elegir, por lo menos a mí me tira más poder hacer lo que yo quiero y no lo que otro quiere porque me da un poco de plata.

Lula: Y bueno nada, aprovecho a mencionar Al tramo que es un colectivo, que cuando iniciamos éramos siete y la segunda vez éramos quince y es un grupo que se armó donde debatimos sobre estas cuestiones políticas y culturales como accionar en grupo para poder obtener los beneficios que nos corresponden como trabajadores de la cultura platense. Yo hace unos meses que no estoy activa, activé un montón  y frene un poco porque la verdad es que tenes que estar cuando te comprometes pero bueno, los invito a que recorran lo que es un poco Al tramo y nada, están logrando cosas zarpadas. Somos un grupo que un momento pretendimos ser una especie de sindicato, después no, había mucha gente que con el sindicato sí y o no. Yo soy de las que no, pero también me abre un montón y si es necesario tienen mi apoyo, hay cosas que son necesarias para llegar a otros lugares, no por eso vas a cambiar tus ideales o tu manera de ser o de pensar, son cosas que estuve pensando mucho para mí.

 

¿Y en Tramo están las tres? ¿O vos nomás?

 Lula: Somos trabajadores muralistas, organizados de La Plata de Berisso y Ensenada. Una organización, somos muralistas que nos organizamos con un montón de ideas distintas, hay grafiteros, hay muralistas de todo tipo, charlamos sobre precios, debatimos sobre precios mínimos, cliente A, B, C y D. Como armar un contrato para que no nos pase por encima ninguna empresa, creo que si tenemos información podemos ir para adelante elijamoslo que elijamos. De manera autogestiva o no, pero tenemos que informarnos y hablar de dinero y romper tabúes desde lo más under, porque no por ser under no es un laburo, o sea es eso, como algo un poco más horizontal entre todos.

 ¿Y vos Lula vivís de esto?

 Lula: Sí, hace 8 o 9 años.

Y Derby y Roci, ¿Ustedes también viven del graffiti?

 Roci: Creo que ahí está nuestra diferencia que para mí el graffiti no es un laburo o ir a hacer un mural, pero porque yo hago lo que quiero cuando quiero, yo no podría hacer lo que hace Lu, de agarrar laburos, igual creo que Lu tiene una identidad y la llaman porque es ella, pero laburar para otra persona, no chicos. Para mí el graffiti es hacerlo donde quiera, cuando yo quiera porque sí, pero nunca cobré.

Derby: Yo igual, a veces te levantas con ganas de pintar, a veces no. Tenes que salir a buscar la pared, tenes que tener la pintura o no tenes. Pero es eso, como más independiente, eso es lo que está bueno del graffiti, que para mí es como algo diferente al muralismo y todo eso, como que es una expresión pero otra cosa, es como mas, no sé cómo decirlo pero viste que la gente pasa por la calle y dice “Ah mira que lindo mural” pero si ve un graffiti como que le rompe más las bolas, como que es otra cosa diferente. Esta bueno eso que por ahí no se, te invitan a pintar a algún evento. Antes se usaba un recital y que alguien pinte en vivo, esta bueno y también te llevabas la pintura pero eso es lo máximo que hice como «laburar».

Me parece como re interesante que aparezcan estas distintas opiniones en ese sentido porque no deja de ser un gran aporte cultural al menos como lo vemos nosotros, y sí, yo tengo unos libros de graffitis que dice que el graffiti real empezó desde lo ilegal pero me parece súper válido que también puedas dedicarte a tu trabajo y dedicarte full time a lo que realmente te gusta.

 Lula: También para serles sincera, nunca pensé que iba a terminar pintando muros, empecé a hacer grafittis y en un momento gustó, como que fue así y me empezaron a llamar para hacerlo en un local o adentro y creo que ahí fue como de una, si puedo laburar de esto, voy a laburar de esto. Como que paso así. Pero yo le saque ese provecho, bueno, si me están llamando para esto y hay un estilo que puedo seguir laburando, lo voy a seguir estudiando hasta hacerlo mejor y ya está. Y también me pongo seria, si hay algo que no hago, llevo a la gente a que consuma eso que hago porque es donde me destaco más. No es lo mismo salir a pintar paredes porque sí y tener esa libertad de dejar algo en el barrio, no se siente igual, pero bueno si le puedo sacar provecho a eso, lo hago.

¿Vos te acordás el momento o por ahí la secuencia donde dijiste “che puedo pagar mis cuentas y vivir de esto”? ¿Te acordas de si hiciste un click o fue un momento que fue pasando?

 Lula: No, fue pasando, como que al principio, como que en el momento en que caí yo ya estaba en esa y fue pasando porque calculo que no tuve tiempo ni para pensar un segundo, para parar, no tuve tiempo, entre eso y el tatuaje y las historietas que en ese momento que las imprimía y las vendía y estaba re manija, no había un tiempo para parar porque si paraba no cobraba. Siempre estaba justa pero no podía ni pensar, era como todo el tiempo ir e ir, y no podía pensar en ningún momento en que podía fallar porque tenía 30 días para llegar a fin de mes, entonces nada podía fallar. Inventaba algo, un tattoo, salía a pintar una vez, no sé, como que buscaba maneras, y hace como uno o dos años me volví consciente de que es algo difícil llevarlo de esta manera. Voy si tengo deseos y solo voy, entonces me parece que eso me pasó, ahora estoy contenta y con ganas de hacer música.

Yo quería, ya que lo mencionaste, preguntarle a las otras chicas, hablaste del tatuaje, ¿Derby vos también tatúas, Roci no sé si vos también? pero preguntarles eso, porque me pasó mucho de ver gente que hace graffitis y también tatúa ¿Tiene alguna relación o simplemente se dio y les gusta? 

Derby: Yo creo que hay un par de personas que estoy viendo que pintaba y ahora tatúa. Pero creo que es porque es bastante parecido al hecho de sentarse a dibujar, como de ponerse ahí con una hoja, a mi me llevo a eso el graffiti, sentarme a dibujar, ponerme a hacer cosas y después ves que eso, también la piel en cierta forma termina siendo otro lienzo donde podes dejar algo que es tuyo, como lo haces en la pared, en la calle, lo haces también en la piel. Eso está bueno, como dejar algo plasmado. Yo creo que empecé a pintar porque le sacaba fotos a los graffitis, mis amigos pintaban, entonces en vez de pintar, salía a sacar fotos y me fue llevando a querer pintar yo.

Roci: Creo que todos quieren lo mismo, del registro, de dejar, de dejar marca, algo, en la piel o en la pared. Todo tiene que ver con el momento me parece, yo porque estuve muchos años con el tatuaje, hasta que bueno, no era para mí sino ya lo hubiese hecho. Es que no tengo constancia. Obviamente me parece que se vincula bastante con esto de dejar marca, de diseñar, de dibujar.

¿Les pasa, hablando de esto de que uno mira sus trabajos pasados, les pasa que pasan por una calle y miran y dicen “ah esto lo hice yo” o ni te acordás, o esas cosas no se dan? ¿Se sorprenden de un trabajo propio que hayan hecho ustedes?

 Roci: A veces sí, a veces no, me gusta, como el correr del tiempo, ver como va quedando o si quedó algo, si hubo alguna intervención.

Ya que salieron con esto de las tribus, ¿ustedes tuvieron alguna tribu o tuvieron o siempre fueron Roci, Lula y Derby por separadas?

 Lula: Yo tengo mi tribu, Ritual Anfibia Tribu, somos varios de distintos lugares, de Salta, Olavarría, La Pampa, La Plata y tatuamos y viajamos, hacemos eventos.

Derby: Yo ahora no tengo tribu, pero está bueno eso de cuando tenes una tribu, cuando son de varios lugares porque vas a pintar y hay graffitis por todos lados. Eso esta re bueno.

Roci: Cuando empecé a pintar, empecé por mi hermano menor, él pintaba y entonces con él decidimos hacer una pose, que es un grupo de tribus de todo zona sur y se llamaba La Experimental, y bueno quedamos todos muy amigos. Esa agrupación fue cambiando de gente y muchos de mis amigos, hasta mi hermano dejaron de pintar, mi hermana empezó a pintar, entonces hay 3 o 4 personas, amigos que ponemos por los recuerdos pero digamos que yo sola quedé pintando. Los grupos son muy importantes, para mí fue esencial, fue de contención, los mejores recuerdos del graffiti los tengo de esas épocas y es como salir todos con bolsas, con latas, que nos corra la policía, boludear, es muy lindo.

Lula: Va surgiendo, no lo elegís, a mi me paso que en un momento era gente con la que explotas y la energía va por ahí y que uno maniquea al otro, y vas y se arma el grupo solo, es un grupo de manijas que quieren hacer cosas y nos retroalimentamos y aprendemos, siempre hay uno más vago que otro, nos retroalimentamos. Compartir en grupo te alimenta una banda, se crece en conjunto.

Yo quería preguntar, ¿En algún momento se dio o se daba la cuestión de “yo por ser hombre pinto primero” una cuestión así pero si existía desde algún lado de que los hombres hacían algo más o algo primero, o en reconocimiento, si era un mundillo de hombres y ustedes se metieron?

Roci: Retomando lo que hablaba con Rocío, yo hablaba de la diversión puntualmente y me parece que hablando con amigos varones, claramente para mi estas preguntas son válidas porque esta bueno charlarlo siempre y las dudas siempre pueden aparecer. Puntualmente esto se dio hablando el otro día con unos amigos, y es como que ¿saben lo que pasa? ustedes tiene permitido divertirse y nosotras no, nosotras no tanto, ahora más que antes, siempre un poquito más, pero la diversión es algo que es para varones, como que bueno, vos tenes que ser mamá, vos maduras antes porque sí, haces cosas más delicadas y nosotros podemos hinchar más los huevos, todo diversión. Entonces yo tengo como esa palabra, porque claramente las cosas divertidas nos han sido como privadas a las mujeres, entre otras cosas, pero la diversión como motor de juego no tanto. Yo siento que siempre tuve que ir a las cosas divertidas. Gracias a la crianza que tuve y la bajada de línea, yo siempre fui por las cosas que me gustaban, pero entiendo que para las minas sea más complicado, para muchos varones es complicado, pero para las minas es un laburo, y por eso yo creo que seguimos siendo minoría en todas las cosas que son divertidas que son «para hombres». En la música, en los tatuajes, en el graffiti, en el arte, en un montón de cosas somos minoría y en este caso yo siempre fui por lo que quería hacer, pero si veo que a muchas minas les puede interesar pero no se animan, como más apichonadas pero es mucha actitud la que se tiene que tener para conseguir lo que una quiere, en este caso pintar en la calle, son esos permisos sociales y culturales que nosotras tenemos que seguir derribando.

Derby: Incluso ahora cuando nos reunieron a nosotras tres, para hacer esta entrevista, la estoy haciendo porque me gustan las mujeres que pintan, si fuese una entrevista de chabones ni siquiera es que voy a entrevistar a estos tres tipos. Sigue pasando así.

¿Cómo llegaron más o menos al estilo o figura que hace cada una o significan algo o es una flasheada que salió de gusto?

 Derby: Siempre que miro mis pinturas como que nunca me gustan pero yo soy así. Pero miro mis letrasy no sé como surgieron. Yo miro una pintada mía y me di cuenta que tiene mi estilo propio digamos, eso está bueno. A veces pasa que no sé como rellenar las letras, con algún graffiti pienso «Uhh, ¿Qué le puedo poner?» pero es algo que vas adquiriendo. Es pintar un montón y a veces te quedas cómoda pintando siempre lo mismo y bueno llega un tiempo en que tenes que pintar otra cosa, ya me aburrí de hacer siempre lo mismo, de hacer lo seguro, eso.

Lula: Yo encuentro el estilo en lo que decía Derby recién, es la práctica y el hacer del día a día, a mi me gusta dibujar, siempre me gustó, desde los 4 años que dibujo. Ahí sale el estilo, de dibujar y dibujar. Hoy en día en un momento entendí, que nunca fui por buscar el estilo, nunca me interesaba, a mí me interesaba hacer lo que hacía y disfrutarlo y en un momento cuando empezó eso a tomar una forma. Yo soy bastante sentimental, así que siempre pinto con mucho sentimiento y seguramente piensen que es una tragedia romántica enorme, calculo que siempre quise informarme y aprender más para poder expresar mejor lo que quiero decir, ahora estoy contenta porque siento que llegue a algo piola que por lo menos puedo expresar, lo que no me sale con palabras lo puedo decir con dibujos y aprender los colores, la luz y un montón de cosas me ayuda a generar esa sensación que con palabras no se genera, ese es mi punto de vista, el estilo se fue formando solo y puede ir mutando. Ahora miro los dibujos que voy haciendo y están en una, en una cosa rara, no sé de donde están saliendo, que sigan cambiando y ahí se va formando un estilo, podes quedarte con eso y que sea reconocible o podes dejar que fluya, yo prefiero que fluya y siga trasmutando, que sea lo que sea.

Roci: Mi hermano hacía un estilo muy característico, y yo venía de otro palo y decía voy a hacer lo que se me cante y bueno, dije voy a empezar a hacer 3D, era un desafío constante. Pero después dije, esto es medio forzado voy a meterle más mi impronta, entonces empecé con los dibujos tradicionales, el tatuaje tradicional fue para mí una referencia en cuanto a los trazos gruesos, mucha calavera, hasta que conocí algo que me enamore que es el pixacao, es un tipo de tipografía que es brasilera, puntualmente nace en Brasil que son líneas muy delgadas, con letras muy estiradas y se hacen edificios en las alturas, son una locura. Ahí yo dije que esto me ha robado el corazón, entonces empecé a hacer el pixacao, pero como es una línea o un trazo, comúnmente se hace en edificios. Bueno, dije que esto lo tenía que hacer. Ahí empecé a hacer letras así pero con un carácter más de pieza, con relleno con líneas, con brillos, entonces letras estiradas que tengan los elementos que tiene un graffiti o sea un grafiyo. Y bueno, desde ese momento mis letras tienen esa impronta, hoy creo que las deforme un montón pero creo que mi momento de empezar a planear mi estilo empezó por el pixacao.

 

CLÁSICOS DE NUESTRO RAP: «ILUMINATE» DE ILUMINATE.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Si hablamos de historia dentro del rap nacional hay artistas o bandas que se vienen a la mente y a los tímpanos de un soplido. Iluminate es una de ellas, formada entre 2004 y 2005, la agrupación cuenta con una gran trayectoria avalada por enormes discos que han alimentado nuestro rap argentino y que sin dudas fueron banda sonora de los días de muchxs amantes del erre a pe.

En este caso y para continuar con esta sección dedicada y que intenta homenajear a esos discos gloriosos que tiene el rap local en su haber, le vamos a dedicar un espacio al impresionante debut de Iluminate en materia discográfica. «Iluminate» (sí así se llama el disco) fue editado por el sello independiente ArteDark en el año 2005 y al instante capto la atención de muchxs, incluso de varixs que no son amantes del rap. Y los entiendo. Personalmente es un disco que escuche cuando Iluminate ya tenía como 4 discos editados, como siempre digo llegue al rap argentino un poco tarde, bah en realidad, llegué cuando tenía que llegar y punto. En fin, este magnífico disco que cuenta con grandes colaboraciones (como lo marca gran parte de la historia de Iluminate) entre las que se encuentran la de Los Cafres y la de Cesar Andino (vocalista de Cabezones) y fue el puntapíe inicial de una gran historia que tiene a esta banda como gran protagonista de la movida nacional.

Un disco completo en todo sentido y que suena de una manera limpia. Además fue elegido por la Rolling Stone como uno de los mejores 50 discos del año 2006, un hito que para un disco de rap y en esa época era digno de compartir. Iluminate de Iluminate tiene buenas barras, buenos beats y un rap puramente disfrutable. Se puede decir que esta agrupación generó desde aquel entonces un estilo muy propio, los temas de Iluminate son de Iluminate y nada más, acompañados siempre por ese estilo tan marcado de flows particulares. Si bien han cambiado de integrantes desde aquel 2005 a la fecha, su impronta y su clarísimo mensaje siguen ahí vigentes, intactos…

Este viaje dura casi una hora (que lindos recuerdos) y está plagado de un intercambio de frases, de energía, de ritmo. Podría decir hoy más grande y con una escucha diferente que es un disco que cuadra de principio a fin. Una intro bien intro que le da inicio a la primera parte del álbum, dónde «500 años atrás» da el puntapíe de un modo totalmente a lo que imaginabas a ojos cerrados durante el intro. Es interesante volver a escuchar este disco que no escuchaba hace bastante y que pensando en esta sección desempolve. Entender cosas nuevas, escuchar otras cosas y valorar tantas otras, hacen que visualices el concepto desde otro plano.

Personalmente me quedo con algunos puntos altos, porque luego de «500 años atrás» hay una seguidilla que para mi es magnífica. Un pequeño paseo de 3 canciones en el medio del viajazo que es Iluminate de Iluminate. Lo que sucede desde «Sueños» con Cesar Andino, hasta «Ventanas al Mañana» junto a Los Cafres, pasando por «La Gran Ciudad» hacen a este disco… algo diferente.

En fin un material de culto para mi y me la juego que para varios. Un álbum impresionante de una enorme banda made in Argentina. Si no lo escuchaste, te lo aconsejo, no te vas a defraudar en ningún momento. Si ya lo hiciste contame que te pareció… Y compartime también ¿cuáles son esos discos de culto en nuestro amado rap nacional?