#OTROMAMBO: LOS SUCESORES DE LA BESTIA

Por Javier «Chavo» Ruiz – @chavo.ruiz

A mediados de los 2000 iba a ver muy seguido a una banda llamada Cielo Razzo, que con el tiempo gano mas reconocimiento en la escena rockera argenta. Tenían una particularidad, casi siempre en sus shows que realizaban en Buenos. Airess., los teloneaban bandas de Rosario, su ciudad natal. En uno de esos conciertos se abrió el telón y salió una banda distinta, que quizás en otros tiempos de menos tolerancia hubieran recibido chiflidos, ya que el público en otras décadas era bastante más cerrado a cosas innovadoras, y lo que no entendía lo rechazaba. Me llamó la atención porque el cantante, de vestimenta muy pop, tenía al lado del pie de su micrófono unos sintetizadores, usaba talkbox y desde el primer tema que tocaron se fueron ganando al público con actitud, funk y fundamentalmente buenas canciones…

Cuando termino el show fui al puestito tradicional de merchandising y me compre dos Cds…

Los Sucesores de la Bestia es una banda que nació en el año 1996 en la ciudad de Rosario. Tienen 6 discos editados a lo largo de su carrera. El primero se llama Exotiquë del 2000. Un disco muy experimental donde la banda camina por varios géneros, como el funk, el pop, rock y un poco de rap hardcore. Sin lugar a dudas la banda estaba en ese momento de una búsqueda musical y en el camino iban navegando por los géneros que los influenciaban. El próximo hit del verano (2003) y Fantástico Bailable (2005) tienen algunos temas en común y la banda empieza a encontrar su estilo de un funk futurista, con un cantante (Dani Pérez) muy versátil que le brindaba a la banda, transitar por varios climas en una canción. Editan su primer vídeo «Pump up the jam», un cover de Technotronic en clave nu metal, donde demuestran que son una banda que puede tocar en una fiesta funk en un boliche de moda y pasar a un recital de hardcore en Cemento, sin despeinarse. De ese disco editan dos vídeos clips: «Pump up the Jam» y «Mimosa» este ultimo, un vídeo muy divertido donde la banda demuestra su sentido del
humor que venía desarrollando y que los acompañara en sus trabajos posteriores.

Promesas, Mentiras y café editado en el año 2007 es un disco con versiones más tranquilas de varios temas de su repertorio como «Mimosa» y  «Conduciendo en una noche de verano», más temas nuevos y un cover de la banda Nacha Pop Lucha de Gigantes donde Dani demuestra que es uno de los mejores cantantes de Argentina.

En el 2010 editaron un disco doble llamado Esto no es Funk Esto es Head Rock. Un gran trabajo en todo sentido, tanto musical como en el arte del disco, desde las dos portadas hasta el arte interno. En este disco la banda demuestra una maduración en su estilo. Sin dudas es un trabajo más pulido, y mucho más cancionero sin perder ese sentido del humor fanky que venían demostrando en discos anteriores. Creo que también es su disco más fácil de escuchar, que puede llegar a gustar desde el principio. Hay canciones muy buenas, algunas que podría destacar son «Ex Esto es Headrock», «La Navidad es en otro lugar» y Hacele el funk, no la guerra»

Después de sacar varios singles, en el 2018 la banda edita 4:59AM, último disco hasta el momento. Un trabajo que deja en claro que la banda encontró su madurez, y su camino musical es claro. Lindas canciones, muy bien producidas, y algo que es característico de los Sucesores de la Bestia a lo largo de su carrera, la búsqueda del mejor sonido. De este disco el tema que mas destaco, y a mi parecer, es el más demostrativo del concepto musical del mismo, es «Chicas, Pop, etc».

Los discos son editados por el sello independiente Audio Buro, así también se llama el estudio de grabación. La banda actualmente está formada por: Dani Pérez en voz, sintetizador, guitarra, talkbox; Fabricio Silvestri en guitarra; Federico Puccio en guitarra, Natalio Rangone en sintetizadores, Lucio Cumini Londero en bajo, sintetizador y Pablo Brun en batería, sampler.

Rosario siempre tuvo buenas bandas y lo viene demostrando desde los comienzos del rock argentino. Los Sucesores de la Bestia, hacen honor a esto, una gran banda para descubrir y escuchar en esta cuarentena. Mi humilde consejo es empezar cronológicamente por sus discos, es más lindo el viaje musical así…

JAI 314 – EL ROCK ESTÁ MUERTO (2020)

Por Gian Franco Lisanti – @itnasilnaig

En mayo del corriente año vio la luz “El rock está muerto” de Jai 314. El disco transpira laburo, creatividad y compromiso. Las letras cargan con la desilusión, la oscuridad y los dolores de la vida moderna. Una tinta muy oscura corre desde el plug-in al oído y gracias al obituario y la tapa, sabemos que vamos a transitar durante casi cuarenta minutos, los recovecos menos iluminados de la vida de este rapero de zona oeste.

El primer tema es “No puedo salvar a todxs” feat Nils. La voz resplandeciente de Spinetta nos ilumina hasta que la base comienza a sonar. Es realmente una base adictiva, de esas que resuenan hasta cuando no tenes nada en la cabeza, que si la buscas un segundo está… “Hace un año no me afeito, ni me par del sillón, esperando a que haga efecto la puta medicación, esto no era lo planeado, me cago en lo planeado, si miran para otro lado les prometo salvación”. Barras cortas y un flow que te eleva del suelo, te mantiene levitando durante las diez canciones. Nils en los coros profundiza la atmósfera turbia de la letra, la voz y la base, y en el estribillo nos quita de ahí para transportarnos con una voz angelical a ese lugar donde todo está bien, o al menos eso parecería.

Luego, “El rock está muerto” comienza con un sample de contenido bastante ilustrativo: Si das mierda, no esperes otra cosa que mierda en devolución. Y en eso, los primeros diez segundos de base con solo drums, cajas, sin melodía, que aparece con la voz de Jai, mínima pero sustancialmente. Los cambios en la instrumental, muy estructurados, con riffs que entran, salen, se superponen, me hacen acordar a “Seven Nation Army”. Una excelente referencia rockera en este disco de rap que nos anuncia la muerte del rock. La letra de corte pesimista, mezcla reflexiones sobre la sociedad con sus propias sensaciones sobre el contexto, una manera muy efectiva de decirnos lo que opina sin bajar línea.

El interludio, de vuelta, sin teoría, sin discursos, nos deja algo que pensar y llegamos a la cuarta canción. Base que comienza con drums, una voz dulce y un bajo. En cinco segundo se genera el groove que atraviesa toda esta canción, que tiene señales al funk, memorias de Illya Kuryaki y danza asegurada. “Aleluya” junto a Claudia Resnik es, para mi, el hit del disco. Es de esos temas que se tienen que pegar porque son excelentes, porque se lo pasas a todo el mundo, porque lo pones en juntadas y te preguntan quién es, y se goza. La base es adictiva pero esto ya no sorprende en este disco que destila producción musical.

En una línea muy similar, “Falcon verde” retoma todo ese sonido bien negro pero ahora en un ambiente más chill. Vetas de soul que suena y te rompe el corazón, junto a la letra, no solo por el mal de amores sino por todo el laburo instrumental que acompaña de manera excelente todo el ambiente que genera.

“Ya está” es el tema de NN aka Winz feat Jai 314. No, no me equivoqué. Este canción se la roba la rapera con flow, estructura y skills que te vuelan la cabeza. Argumentos de sobra muestra para encargarse de más de la mitad de la canción, y sin la matemática exacta, me arriesgaría a decir que 3/4 son de ella. La base incluye dubstep, hit hats de trap y sonidos souleros reminiscentes de la canción anterior. Es una locura leerlo y admito que no tiene sentido pero escuchandolo van a ver que lo hicieron no solo posible sino también magnifico.

Junto a Legar, “Aeroplane” es el séptimo tema del disco. Un comienzo muy noventoso y una base mínima que es lo necesario para hacer una canción equilibrada, entre lo que se dice, cómo se dice y junto a qué se dice. En el final vuelven a aparecer formas extrañas al rap más duro pero está tan bien hecho, tan bien insertado en el tema y en el disco como obra total, que hace a la genialidad de la producción.

Si, como les dije, el disco emana oscuridad, “Memento mori”, el anteúltimo tema, es la cúspide, el faro sin foco de todo este álbum. Recordá que vas a morir nos dice en latín Jai, con una base sombría, de mucha distorsión, pocos sonidos agudos y un flow permanente, como el constante movimiento de la aguja del reloj.

El anteúltimo tema feat Nils, “Solo encenderlo”, no es ni la excepción a las fusiones en este disco, volviendo los géneros que visitaron en canciones anteriores, ni tampoco al nivel general.

Lopivezinzuerte” es el ultimo tema. Un sonido mucho más chill en contraposición al que predomina en los temas anteriores. Estribillo pegadizo, buen manejo de los skilles que demuestra en todo el disco, dándoles una nueva vuelta y cerrar todo el proyecto de una manera superlativa. Las letras, de todas formas, mantienen esa mirada cansada, triste y resignada hasta el final.

En síntesis, calidad tanto en lo musical como en lo poético. Barras y flow que le dan identidad propia a Jai 314, que dentro de su talento está también la capacidad de dejarle espacio a las numerosas colaboraciones, cada una con lo suyo pero todas con gran nivel. El plan de unir al rap a otros géneros es ejecutado a la perfección en cada base. Este laburo en contenido, forma y fondo hacen que sean temas tanto como para escuchar con atención y auriculares como para disfrutar las bases y el flow con el volumen a mil en los parlantes.

Este es un disco que tiene muchos hits porque cuando se termina la última canción, continúan sonando todas en tu cabeza, y no simplemente por el marketing.

LIGA FEMENINA DE BREAKING Y FORMACIÓN.

Por Mana Randazzo – @mana.randazzo

Gracias a la iniciativa de la Asociación Breaking Argentina (ABA), durante el periodo comprendiendo entre el 6 de junio y el 8 de agosto se lleva a cabo la pretemporada de Big Girls un proyecto de Breaking femenino.

Este proyecto está orientado a fomentar el empoderamiento de niñas y mujeres, y potenciar sus habilidades, teniendo como base los valores de los Juegos Olímpicos y la cultura Hip Hop: excelencia, respeto, amistad, amor, paz, unión y diversión.

Tanto la competencia como los encuentros de formación están dirigidos a aspirantes, bgirls emergentes, principiantes y avanzadas; a niñas desde los 9 años (con supervisión adulta), jóvenes y adultas con nacionalidad o residencia argentina.

El objetivo de esta iniciativa es promocionar la equidad de género, la inclusión femenina, el fortalecimiento de las relaciones interpersonales entre las artistas/atletas, la presencia y la visibilidad de las mujeres dentro del breaking.

Lo interesante de esta propuesta virtual se centra en su modalidad cual permite ampliar el impacto, posibilitando que muchas más niñas y mujeres de otras ciudades y provincias de Argentina participen tanto de la formación como de la competencia. De esta forma, abarca a zonas del área metropolitana y de todo el país. Al mismo tiempo, presenta la posibilidad de convocar profesionales referentes nacionales e internacionales.

Para esta campaña ABA pone a disposición diferentes medios para poder interactuar entre participantes, organizaciones, convocados/as, y público: tutoriales por Youtube, talleres por Zoom, competencia por Instagram, comunicación con jueces y participantes a través de mails y grupos de Whatsapp, etc.

El proyecto Big Girls incluye un doble eje. Por un lado, el eje formativo que permite a los participantes contar con tres tutoriales introductorios a los contenidos que verán en los talleres de breaking, y tres días de encuentros de formación a través de Zoom, con referentes nacionales e internacionales. Por otro lado, el eje competitivo que se ejerce durante cuatro
semanas, mediante el Instagram de la asociación, en donde se buscará visibilizar a la mujer en su rol de competencia exponiendo sus estrategias, defendiendo su identidad, su cuerpo, su entrenamiento, creatividad y danza.

En cuanto al eje formativo cada encuentro está compuesto por dos talleres: el de breaking cual es guiado por un/a referente de la disciplina, y el taller especial de invitados/as donde se participan profesionales relacionados con aspectos deportivos, socio-culturales y aportes de la Asociación Breaking Argentina (ABA) que exponen sobre cuestiones de salud, sociales, de derecho y de educación.

Este proyecto es iniciativa de Natalia Figueredo y llevada adelante por ella y todos sus compañeros/as de la Asociación Breaking Argentina: Micaela Ciordia, Gastón Todini, Saturnino Lencina y Valeria Vieytes. El proyecto en ejecución es recibido con un fuerte apoyo por parte Fundación Proyecta Cultura, DG Lu Alvarenga (diseño gráfico), Urban Dance Health (Cuidado de la salud sostenible para bailarines), Subsecretaria de Deportes, Its Just Begun (streetwear), Break the Note (notebooks), Caro Composto (filmmaker), UFEDEM (Unión de Federaciones y Entidades Deportivas Metropolitanas), Proyecto FAU (Formación Académica de freestyle y estilos Urbanos), Break The Structure (proyecto de formación en Breaking) y Agencia de comunicación y relaciones públicas Smok Media.

A su vez se destaca la colaboración de diferentes tipos de artistas: formadores/jueces/bailarines referentes: Gastón Todini “Bboy Porteño”, Carolina González Rejano “Lil Mami”, Rodrigo Peysere “Bboy Space” y Marta López Sabán “Bgirl Movie”; formadores invitados/as: Romina Bianchini, Sophie Manuela Lindner (Austria); Djs y Beatmakers: Cristian Otero “Dj Cut Clan”, Valeria Vieytes “DJ Sista V”, Daniel Guillamondegui “Dj Black”, Marcelo Martinez “Keynfu”, César Vera “Rasec.” Los invitamos a seguir el perfil de Instagram de este proyecto (@biggirls.arg) para estar al tanto del avance del mismo, al igual que los perfiles de de la Asociación Breaking Argentina en todas las redes sociales.

NO HAY REVOLUCIÓN SIN INCLUSIÓN.

Por Lautaro «Lykao» Yanes – @yanes.lykao

Que la cultura Hip Hop forma parte de la agenda social, musical y cultural nacional es un hecho. Para comprender la importancia que fue tomando con él pasar del tiempo en nuestro país basta con ver la lista de las canciones más escuchadas en Spotify Argentina donde por semana al menos 2 temas de rap o trap entran en el top 10, o los distintos festivales que juntan miles de personas fecha tras fecha.

Según Kool Herc, el Dj a quién se le atribuye la creación de esta cultura a mediados de los años 70 en Nueva York, el HH “es un movimiento revolucionario en sí mismo”. El motivo del surgimiento de este radica en la lucha racial que atravesaban los afroamericanos en ese entonces ante una sociedad y un poder político excluyente. Sí traemos estos principios a nuestro espacio y tiempo probablemente la definición no cambiaría demasiado, pero sí los actores, o actrices. Si bien los afroargentinos conforman un colectivo que a lo largo de la historia sufrió la discriminación y la invisibilización, existe un grupo social mucho más numeroso que, a pesar del revuelo que su contienda por una mayor inclusión tomó en los últimos años, no logró (o no lo dejaron) tomar partido en este movimiento social ascendente; las mujeres y los y las artistas trans y no binarios.

Hoy por hoy son muy pocas las mujeres argentinas que triunfan haciendo rap, por lo menos mucho menos que los hombres. Esto, para quienes integran el movimiento y creen que hay aspectos que deberían cambiar, es un problema de base. “El lugar donde el machismo se ve más a flor de piel es en las plazas -primer lugar donde cualquier artista de un género urbano debe “ganarse el nombre” sí espera triunfar de alguna manera– ahí se celebran rimas homofóbicas, gordofobicas y se sexualiza a las mujeres”, asegura La Negra Buggiani, rapera marplatense que reside en La Plata. “Para nosotras es muy normal que en forma de halago nos digan “rapeas como hombre, muy bien” y eso es horrible” agrega Clipper, rapera y graffitera uruguaya instalada en Buenos Aires.

Siguiendo el hilo del planteo de que la exclusión de lo femenino y lo no binario es parte de un problema estructural en el Hip Hop nacional, Lx Kabronx, artista argentina de género no binario, asegura que existe cierta responsabilidad a asumir por parte del público. “Creo que es importante que nos empecemos a cuestionar como
espectadores, rol en el que sin darnos cuenta muchas veces terminamos reproduciendo o siendo cómplices de los mismos actos machistas que tanto cuestionamos”, explica. Clipper sostiene esta idea a partir de una experiencia personal nada agradable: “En una batalla de freestyle -disciplina en la que dos raperos se enfrentan en una pelea argumentativa a base de rimas- llegaron a decirme que iban a meterme un brazo adentro de mis genitales cuando me vieran en el colectivo y más de 200 personas festejaron la frase”, confiesa.

Debido al auge que atravesó en los últimos años, el movimiento feminista ha sabido irrumpir en los rincones más conservadores y retrógrados de nuestra sociedad y por ende también lo hizo en el Hip Hop. “Últimamente por suerte se habla bastante de la inclusión de la mujer en la cultura” asegura Clipper. Un ejemplo de esto es la declaración de Brasita rapera porteña que afirma que “cada vez son más los organizadores de eventos que se auto-exigen, ya sea por presión social o determinación propia, la presencia de artistas mujeres en sus shows”. Sin embargo, esta es una actitud que genera discrepancia en algunos sectores de la cultura “no soy partícipe de que te llamen a tocar o a hacer algo solo por ser mujer y llenar ese cupo”, declara la artista uruguaya mencionada anteriormente.

Existen iniciativas como La Liga Feminista de Freestyle y eventos con esta temática relacionados al rap, graffiti y breakdance, donde solo se aceptan artistas mujeres, que intentan impulsar al movimiento hacia una realidad más inclusiva. Sin embargo, hay quienes creen que muchas veces esto termina siendo una traba para las artistas. “Por un lado estas fechas sirven para visibilizar a la mujeres, pero llevarlos a cabo en forma masiva genera que se siga haciendo diferencia entre hombres y mujeres, por lo cual termina siendo contraproducente.” explica Kreiluz, rapera de Posadas, Misiones.

En definitiva, el Hip Hop, al igual que la marea verde, se sigue abriendo camino en la coyuntura social argentina y así se mantendrá por, probablemente, mucho tiempo más. De lo que va a depender el desarrollo del movimiento en territorio nacional va a ser de la aceptación que obtenga en la población, sobre todo en los jóvenes. Sin dudas la inclusión y la diversidad son un camino a este objetivo, el cual de a poco se está logrando, pero aún le queda un largo camino por recorrer.

#LATINOAMERI»RAP»: ORIGINAL JUAN.

Por Emiliano Garcia – @emilianojgarcia

Dominicano radicado en España, Original Juan representa en su música a toda una generación rapera muy marcada por el rap de los 90´y principios de los 2000´. Nacido en Santo Domingo en 1980, a los 10 años fue junto a su familia a instalarse en Zaragoza, donde se acercaría al rap a través de su cuñado y se enamoraría de la cultura del hip-hop.

Su padre era miembro de una banda de salsa y merengue, y ya de niño se subía a los escenarios a cantar y bailar. La soltura de Juan frente al micro es algo que lo distingue, así como la actitud y el carisma cada vez que se sube a una tarima para dar un show. 

A pesar de haber pasado gran parte de su vida en España, este MC mantiene el acento caribeño intacto, que combinado con un flow noventero se vuelve adictivo al escuchar sus canciones. Su estilo fresco y old school, muy influenciado por el característico sonido del under neoyorquino de los años 90´, despierta admiración en quienes se resisten a que la industria musical termine con el rap de aquella generación. 

En 2013 presenta su primer disco “Rap & Roll”, compuesto por 11 canciones. En este trabajo, producido por el “Gordo del Funk”, el rapero demuestra su talento para fluir las pistas, dejando en claro cuales son sus influencias musicales, el mensaje que pretende dar, como así también que conozcan su historia. 

Dos años más tarde llegaría “Dominican Most Wanted”, su segundo álbum formado por 15 canciones. Expresando lo que piensa en cada una de sus letras, tan puras y reales que se jacta de ser “Uno de los tipos más raperos del mundo” como se titula un tema de este material y uno de los más reconocidos del artista. “Callejero music”, el sexto track, fue presentado con un videoclip filmado en las calles de Santo Domingo, dando un salto de calidad en cuanto a producciones audiovisuales. “No puedes pararme” cuenta con la participación de Kase. O, Presión, Erik Beeler, Hazhe y Sharif. Sin dudas que este disco lo consagraría en el plano internacional. Algunos temas también serían publicados con vídeos “one shot”, como se les dice a los de una sola toma, grabados en un departamento junto al Gordo del Funk, los cuales alcanzaron gran popularidad, demostrando su frescura para rapear frente al micro y frente a una cámara.

En diciembre de 2018,el rapero tuvo un paso por el estudio de “Casa Parlante” en Santiago de Chile, en el que rapea en vivo frente a un grupo reducido de personas, interpretando “Tipos listos” y “Uno de los tipos más raperos del mundo”. Este vídeo tiene más de 3 millones de reproducciones. El pasado 11 de octubre del 2019 se presentó junto al Gordo del Funk en Club Lucille, dejando en claro en nuestro país, porque es uno de los tipos más raperos del mundo. 

En sus letras se define como un “tiguere mujeriego”, fumador de marihuana, y ha confesado que en algún momento de su vida, tuvo que venderla para ganarse la vida. En “Dominican Gangster” lo deja en claro, “still hustlin por que eso me representa, still hustlin por que eso paga la renta”. “Hustle” se refiera a ganarse la vida, rebuscarsela. También se caracterizó siempre por rapear de su vida, ser 100% real y criticar a los raperos “fake”, raperos falsos, que cantan cosas que son mentiras o que no han vivido. En este tema lo expresa con esta barra: “Si tu no naciste en el barrio quítate ese disfraz.”

Sus últimos singles son “Vivo vigilao”, “23” y “Don Juan” con colaboración de “Piel Roja”, publicados entre febrero y marzo del 2020. La vieja escuela continúa pisando fuerte en la escena.

El rap callejero tiene vida para rato y con Original Juan podemos disfrutar su música con un flow tan noventero, que parece de otra época. Este artista es de los pocos que mantiene vigente este estilo, siendo así un gran referente del rap latinoamericano. Raperos hay miles, reales y con estilo propio, pocos, y este dominicano es uno de ellos, con los valores y esencia del hip-hop bien marcados en cada una de sus canciones.  

Fotos: Thiago Donato (@akathiago)

 

UN VIAJE AL CENTRO DE LAS RAÍCES: CONEXIÓN ORIGINARIA.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Esta tan de moda mirar para el norte… copiar el acento del caribe, vestirse con «Supreme» y todas esas cosas, que lo importante parece pasar inadvertido. Al menos para esos que aún creen como dijo mi colega Gian en una nota de hace unos días (te la dejo acá) que Colon descubrió América. Bueno allá ellos, nosotrxs, lxs pillxs, los que sabemos de que va todo esto, sí miramos lo importante. Y en este caso, no solo lo miramos, sino que lo escuchamos y por ende lo vamos a compartir. 

De lo que hablo es nada más y nada menos que de un proyecto que vale la pena ser compartido. Conexión Originaria es el nombre de este trabajo audiovisual, totalmente autogestivo, que sirve como conector de diferentes raperos y raperas de diversos pueblos del Abya Yala. Para aquellxs que desconocen, al igual que yo antes de enterarme gracias a Conexión Originaria, Abya Yala es el nombre del continente en el cual vivimos. Así fue bautizado por el pueblo Guna. Volviendo a este proyecto que vio la luz el pasado 19 de abril, cuando finalmente se estreno por la plataforma de YouTube el «Conexión Originaria. La unión de los pueblos originarios de Abya Yala al ritmo del rap Cap. 1», podemos afirmar que se trata de un LA BU RA ZO de Emiliano Rios (Bandur) y de Nicolás Hernandez Mejía (Mente Negra).

Emiliano recorrió durante tres meses el área andina desde Wallmapu (territorio mapuche) hasta tierras embera en la actual Colombia y de allí se trajo además de experiencias, mucho rap. Durante su periplo por el epicentro de nuestras raíces documentó 23 proyectos de rap mapuche, embera, bari, nasa, kichwa, quechua y aymara. Así su travesía por los actuales países de Chile, Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia y Argentina le dieron forma a los cuatro primeros capítulos del proyecto. ¿Primeros cuatro capítulos?. Sí, leíste bien, Conexión Originaria constará de 6 capítulos. Al día de la publicación de esta nota, ya se encuentran disponibles 2 de esos 6 capítulos.

La otra pata de este proyecto es Nicolás Hernandez Mejia, mexicano y antropólogo que aportó su labor en la coordinación, producción y elaboración de las instrumentales de todo el trabajo. Trabajo que resulto fundamental para integrar el rap mazateco, tutunaku, cuicateco, nahuatl y mazahua. Todo este material será producido por Mente Negra desde el corazón de la antigua Tenochtitlán, actual Ciudad de México y  se tratará de la quinta entrega.

Para el final, el episodio 6, Bandur recopilará material de otros viajes a diversas partes del continente y de esa manera, Conexión Originaria cerrará con raperos kuna, guaraní (kaiowa y mbya), mixteco, maya y otras expresiones de distintos lugares del continente.

Un proyecto magnífico, el cual te recomendamos. No solo por el contenido del mismo, algo invaluable, sino por el fin. Es importante darle lugar a nuestras raíces, hacer visible lo que quieren hacer invisible. Mostrar y compartir eso que no se comparte. El Hip Hop está ahí también, el rap está acá y Conexión Originaria es la respuesta. Por obvias razones, seguiremos hablando de este rapcumental en otras notas. Una oportunidad para escuchar, conocer y valorar las voces de jóvenes indígenas de nuestro continente, que recurren al rap como herramienta para recuperar sus lenguas y su identidad, re-significar su cultura con elementos actuales, denunciar los históricos atropellos que han sufrido sus poblaciones y reivindicar la tierra y la naturaleza como elementos centrales para el buen vivir.

Mira los dos primeros capítulos acá:

 

EMCIKRE – PANGEA (2020)

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Hace un par de meses largos ya, mi teléfono vibró con una notificación de Instagram. El mensaje provenía de una de las bandas que mas me mueve el piso cuando suena, El Mundo de Cien Kilometros a la Redonda, Emcikre, quienes me comunicaban la inminente llegada de «Pangea» su próximo álbum, el segundo de su historia. Todavía recuerdo el impacto que tuve al escuchar su primer disco, «El Mundo de Cien Kilómetros a la Redonda». Desde ese instante percibí esa frescura entre rap jovial y sonidos clásicos. Una perfecta combineta que llamo mi atención desde el segundo uno.

Hoy me despierto con la noticia de que Pangea, el disco del que vamos a hablar en esta reseña, ya vio la luz en formato de «lista de reproducción para YouTube». Si su primer disco es muy bueno, este es excelente. Es un todo, un concepto que te va llevando a lo largo de 12 tracks. Pangea fue el supercontinente de la era Paleozoica que agrupaba la mayor cantidad de tierras emergidas del planeta. Y en este caso Pangea es un enorme trabajo de la banda oriunda de San Martín, Provincia de Buenos Aires.

La primera recomendación que debo hacerte es que para escuchar Emcikre tenes que abrir los oídos y la cabeza. No basta con solo escuchar, porque no son tan solo buenas barras acompañadas por unas instrumentales de la hostia. Demak y Markus tienen las ideas claras, las exponen, las plasman en esas líricas que decoran de una manera sutil y voraz, las pistas bien laburadas de Darchuan y Dj Cosecha.

Si entramos de lleno en Pangea, es para aplaudir la gráfica del disco. La misma esta realizada por Darchuan y contó con la participación de varios artistas que dejaron sus bocetos para formar parte de la portada. En tonos blancos y negros y resaltando «Emcikre» en todos los tipos de tags posibles, Pangea es una bomba de rap. Desde la cajita, la tapa, la gráfica y los colores, ver la tapa es viajar al Nueva York de los 70/80`.

Si pasamos al disco, es de por si destacable el orden de los temas. No están puestos porque sí, sino que tiene un fin, un concepto, como todo gran trabajo discográfico. Emcikre se destaca por el laburo, por la garra y el corazón para seguir adelante ante cualquier dificultad que se presenta. El primer tema, ese que rompe el hielo se llama «Cien» y contiene un sample de Vox Dei que le da una presencia imponente. «Cien» es un relato a la banda, un autoregalo para dejar en claro que es Emcikre y cual es su razón de ser.

Luego de esta apertura con personalidad, llega «Donde vaya», sonido clásico, unos scratchs y un paseo por San Martín. El típico tema para que suene en tu auricular donde sea que vayas. Pegadito a «Donde Vaya» llega «Haciendo Esto» uno de los mejores temas de Pangea y que tiene esa base que te hace mover aunque no quieras. «No existen ataduras si hay ganas de escribir, lo importante es fluir, acapella o en el beat» dice Markus. Lo que destaca a estos pibes de San Martín es el sacrificio con esa cuota de amor por el buen rap, por la cultura.

Y el sacrificio ve la luz en el siguiente tema que es «Constancia» un manifiesto de poco menos de 2 minutos, con un sonido claro consistente, «Hay que sentirse alegre, déjalo que celebre, logre sentirse libre para que el flow despegue…» certifican Markus y Demak. El disco no para, es una metralleta de barras, de mensajes y de rap. Ese rap underground que emerge desde el conurbano y que hace que el Hip Hop argentino se llene de esencia. Al toque de terminar «Constancia» arranca «Allá Volando» que sigue con la temática del bombo y la caja predominante. Un sonido clásico de los más noventas del disco. «… que siempre te compara quien mejor, quien peor, quien ganador, quien perdedor, quien se queda afuera, pero esa no es la manera, de convivir no es la manera…» dice el Demak y la pucha si tiene razón. «Allá volando no bajo nunca…». A mi entender, el tema que le sigue parte el disco a la mitad. «El Don» es un manifiesto de apenitas más de un minuto, una especie de freestyle de Markus, hablando «ni campeón, ni copión, solo por pasión, es acción, envión fuerza y corazón, estilo que le pega en la pera al caretón», dice para terminar con un «… larga vida a la amistad y que viva el bombo clap». Perfecto.

Como dije para mi «El Don» es el track que parte a la mitad del disco y que nos introduce en un estupendo viaje como lo es «Solo Quiero», uno de los puntos más altos del disco. Un teclado que te invita a volar y un Demak que te bombardea de rimas, transforman este tema en un himno de lucha y amor por el rap. En la segunda parte, las barras de Markus, te terminan de trasladar a un mundo donde el bombo y la caja mandan y el Hip Hop es la panacea. Pangea tiene eso, a lo largo de los 12 tracks paseas sin rumbo ni horario por San Martín y te das una vuelta por los senderos más musicales de estos 4 guerreros del Hip Hop que no paran de transpirar la camiseta por el proyecto.

Si «Solo Quiero» es un gran tema, «Todo eso fue así», el que le sigue, es un Hit. Una base impresionante, narcótica. Y esas barras que podríamos compartir todo el día. Si hay algo que tiene Emcikre es buena lírica. Un sonido fresco y no a la vez que combinan a la perfección con el estilo de los dos Mc´s. «Ahora me vienen con ideas locas, quieren convencerme que la onda es otra (skere), esperan que cambie, por dios se equivocan, solo buen Hip Hop saldrá de mi boca… no busco joder, por favor no me jodan…» Y hay muchos que piensan que los punchlines se dan solo en esas famosas batallitas de gallos. Si eso es cierto Emcikre ganó por Knock Out antes de empezar la pelea. «Todo eso fue así» es brillante y casi por decantación te transporta hasta «Si me voy por ahí» una belleza de canción que no da ganas de que el disco termine jamás. Ojo, así como digo una cosa digo la otra y en mi opinión, Pangea es un disco para escuchar más de una vez, un disco para analizar y compartir sin ninguna duda. Una instrumental distinta, lenta, con un punteo de guitarra decorando un ritmo de reggae que te invita a bailar agitando a pleno.

Así como «El Don» separa el disco, «Comensal» es la puerta de entrada al desenlace del mismo. Demak parte una base moderna con tintes de trap y un sonido amplificado. Tranquilamente podría ser el sonido de un vídeo juego, «…pensamiento es la fuente de vitalidad, no me agache la frente ante la autoridad… no sigo la miga del pan chico, pre predico libertad» reza Demak y cierra con un brutal «… buscando el sueño no material» algo que describe la esencia de este cuarteto de San Martín. «Comensal» nos deposita de lleno y al momento de escribir esto, me pongo de pie, en el mejor tema del disco para quien les escribe. «Máximo Respeto», una bomba molotov de dos minutos y pico, con unos scratchs de Dj Cosecha y Dj Darcho que elevan el beat de Elbeats. «Máximo Respeto» es EL tema de Pangea, es un manifiesto, una clara muestra de valores, de ideas y conceptos. Los ideales de Markus, Demak y todo Emcikre están puestos acá. Es un track de los más raperos que escuche en la historia y a modo personal recomiendo prestarle mucha, muchísima atención. En tiempos de música de plástico Emcikre se pone la camiseta de la lucha por no perder la esencia.

Creo que no había mejor manera de finalizar un disco que con un tema como «Trenes». Un homenaje al graffiti con una base tremendamente noventera, que te transporta. «Trenes» es un viaje, una dedicación a los graffiteros, un tema que hace culto a este elemento tan fundamental de la cultura Hip Hop. El beat es de Cosecha y es una joya del segundo 1 al final. Demak y Markus se desenvuelven de manera perfecta tirando barras que lxs graffiterxs van a amar. «Trenes» te deja con ganas de más y eso está bien, termina tan arriba este disco que no entendes como ese es el final y te quedas esperando la siguiente bomba. Bueno para eso abra que esperar, porque hasta acá llega Pangea, este discazo Made In San Martín.

Fue un proyecto largo y adaptado a estas épocas. Los temas vienen sonando y los podes disfrutar desde enero del 2019 cuando se estreno «El Don». Todos los tracks fueron saliendo de a poco, algunos con vídeos, otros solos, pero Emcikre trajo la modernidad para presentar un material imperdible. Pangea es un todo, un rejunte de ese arduo trabajo que arranco hace más de un año y medio y que culmina con el armado final de esta lista para disfrutar de un buen rap por casi 30 minutos. Un material que sin lugar a dudas sigue poniendo en alza el rap argentino y que demuestra que el rap del bueno se encuentra en el underground, ahí, lejos de los flashes, los vips y más cerca del barrio, de los amigos, más próximo al Hip Hop.

Pangea es un hermoso periplo por el rap, por San Martín, por la cultura y el respeto por la música. Lo dije, pero lo quiero afirmar: Este disco debe escucharse, si es posible más de una vez y al que se le debe prestar atención . Un gran laburo que afirma el presente de una de las bandas más raperas del país.

Escuchalo acá:

«LA IDEA ES MANTENER VIVA Y UNIDA LA CULTURA».

Por Juan Ignacio Guzmán Dotto – @juanguzmandotto

Matias Tejeda tiene 22 años, nació en Tierra del Fuego y ahora vive en La Plata, donde estudia el profesorado de Educación Inicial. Pero es más conocido por su apodo Baskito. Un beatmaker el cual tiene una gran producción de beats, entre la cual hay 2 discos de hip hop instrumental. En enero lanzó su tercer beat tape Quiet Process; quien tuvo el logro de llegar al medio millón de reproducciones en Spotify. Desde Revista Flow tuvimos la oportunidad de charlar un poco sobre ese disco, su música y proyectos futuros que está craneando.

¿Cuándo empezaste a producir?

Empecé a producir hace 5 años mas o menos, al principio en Fl Studio y luego de dos años me pase a Ableton, porque me gustaba la interfaz, las herramientas de ese daw y además me parece muy completo e intuitivo.

¿Cuáles son tus influencias musicales?

Mis influencias vienen desde jazz, soul, rnb, funk, beatmusic, desde lo más antiguo hasta lo mas actual, soy de escuchar mucha música, y también me gusta lo nacional, e Internacional del rock, música melódica, flamenco, etc.

¿Qué usas para producir?

Para producir utilizo solo mi Akai Apc20 para la construcción del track, luego una vez terminado eso, solo con mouse, teclado y oído empiezo a pulir todos los detalles de cada sonido en el proyecto, pero estoy con ganas de sumar maquinas análogas a mi setup.

Noto una diferencia entre tus dos primeros tapes. En el primero, lo veo tirando mas para un lado electrónico y experimental. En el segundo ya es más lofi hip hop ¿Qué diferencias sentís de este con respecto a tu último tape “Quiet Process”?

Mis primeras producciones estaban muy arraigadas a mis influencias más electrónicas de ese momento, con respecto al footwork, modular music, etc. siempre siguiendo el camino del Hip Hop pero también manteniendo esa parte ambiental, armoniosa, y reflexiva que caracteriza a mis producciones. En el segundo tape ya mi sonido se encuentra más sólido, mis producciones también, el mensaje es claro, creo que mi último material fue la consecuencia de varios años de búsqueda, la ansiedad de querer decir algo, y sabiendo como hacer para lograr dar ese mensaje.

Me dijiste que te tomó un año y medio hacer este disco. En tu instagram decís que este disco es la “convivencia entre la tranquilidad y el caos” como algo que te define constantemente ¿Podes ahondar un poco en ello?

El disco tomó muchas formas, tuvo muchos nombres, un solo track sobrevivió de los primeros que estaban incluidos, ya que durante ese tiempo fui encontrando el camino correcto de lo que quería decir y de cómo hacerlo. Considero que cuando vas a hacer un álbum, tiene que tener un concepto muy sólido, y se debe trabajar arduamente en traducir eso a lo sonoro, y ya que no es nada fácil, mejor tomarse su tiempo. La convivencia entre la tranquilidad y el caos, tiene que ver con mis vivencias personales durante ese tiempo, y gran parte de mi vida, lo que logre ganar en medio de esa dualidad, que si bien algunos la vemos con mucha lejanía, es algo con lo que convivimos cotidianamente, es una aventura encontrar ese equilibrio con uno mismo cuando predominan esas dos cosas, y lo que logré fue traducir la necesidad que sentía de encontrar un momento para introspección, para reflexión, en este ultimo tape, donde tiene un mensaje profundo sobre esa búsqueda y creo que te invita a estar inmerso en ese mensaje durante esa media hora. También lo cree pensando en mis deseos de que sea un álbum para cualquier freestyler, un mismo álbum para todos los que les gustan las rimas, y obtuve muchas buenas críticas con respecto a eso. Así que estoy contento con todo mi trabajo. El arte de tapa le corresponde a SPENCER ©️ (@trill.spenz) a quien admiro mucho, es un diseñador y también productor con el trabajamos en conjunto en muchos proyectos que verán la luz muy pronto.

Estás trabajando en otro tape que va a ser para un sello de Europa y otro en paralelo ¿Qué podes adelantarnos sobre esto?

El próximo tape va a salir bajo un sello de Alemania llamado Dezi-Belle Records, se va a llamar “BIG MOOD” y estoy muy feliz porque no solo va a ser lanzado en formato digital sino también en Vinilo, la tapa también le pertenece a SPENCER ©️ (@trill.spenz) y no tiene una fecha de lanzamiento todavía pero ya esta todo en marcha, así que seguro muy pronto. En cuanto al otro tape que vengo trabajando, esta vez es en conjunto con otro productor muy bueno a quien admiro también como persona, y nada, estamos trabajando mucho en eso, así que estén atentos a mis redes que siempre comunico todos los releases que se vienen.

También organizas “bit tapes” un ciclo de hip hop con otros beatmakers en La Plata. ¿Cómo ves a la movida beatmaker ahí y cuales son tus planes a futuro para este ciclo?

Bit Tapes (@bit.tapes) es un ciclo de HipHop que funcionaba en California Bar (@californiabar.lp) pero durante la cuarentena lamentablemente como le a pasado a otros bares, este tambien cerro, así que estamos en busca de propuestas para llevar esto a cabo. Mi equipo de trabajo está conformado por Extreinsh (@extreinsh), Simon (si.monnnn), Spencer (@trill.spenz) y Nicolás Gianelli (@nicolasgianelli) e intentamos generar un espacio, un lugar de encuentro para beatmakers, artistas del rap, y bboys, donde se puedan participar en cada edición, y tanto el público como los artistas, nos conozcamos y disfrutemos de ese lugar. La movida beatmaker en La Plata es algo que le falta mas visibilidad pero estamos trabajando para que eso cambie, hay mucho talento no solamente en La Plata, Buenos Aires, si no también en toda la Argentina. Con nuestros amigos de Bit Master (@bit_master) pensábamos en hacer algo en conjunto antes de la pandemia, creemos que las conexiones hacen que todo sea más fluido y se llegue a buen puerto. Para un futuro con Bit Tapes esperamos que muchos lugares nos abran las puertas para poder llevar nuestro trabajo a más personas, que se acerquen nuevos artistas, beatmakers, bboys, y que esto se replique en muchos asi podemos volver con todo al ciclo. La idea es mantener viva y unida a la cultura.

Otro proyecto que me dijiste es que para el próximo disco es que te interesaría hacer un vídeo documental como Dano, pero no hablado, solo con imágenes. ¿Ya empezaste a trabajar en esto?

Mi próximo tape “BIG MOOD”, es un tanto callejero, bastante classic, se vuelve un tanto agresivo con respecto al sonido, pero siempre manteniendo las texturas lofi que me representan, también hay mucho groove, mucha armonía de jazz, flips de samples muy trabajados, y cosas que me inspiraron luego a querer hacer un vídeo documental del álbum, me gusto mucho la . Van a participar animadores digitales también, va a ser un trabajo visual muy grande y muy importante para mi. Para enterarse de todo esto, pueden seguirme en mi instagram (@baskitoprod) o pueden entrar a https://www.fanlink.to/baskitoprod donde pueden entrar a cualquier plataforma para escuchar y comprar mi música. También les dejo otros artistas con los que nos solo estamos trabajando en varios proyectos, si no que también me encanta su música: @extreinsh / @octavioaga / @con.fusion_ / @insanosuc / @kaizen.92 / @keth_prod / @monowario / @lasarte.ksp / @clima.shinen / @gvbitou / @gianydorazio / @ignaciolopez.lileme

RAP Y RACISMO.

Por Gian Franco Lisanti – @itnasilnaig

¿Que pasa en Estados Unidos que no pase en Argentina? Demócratas, republicanos, peronistas vs radicales y esa grieta insoslayable de estas épocas: Kirchneristas vs Macristas . El problema es uno solo y es global.

Vimos durante la semana riots en EEUU que a quienes conocemos la historia del hip hop allí, ni nos tienen que explicar las razones, ¿o acaso dónde nació? ¿en un estudio de Broadway? ¿en Beverly Hill’s, Los Angeles? No. En las villas -ghettos, para ser más exacto- en donde la alta sociedad neoyorquina decidió esconder a los negros y negras que hacían los trabajos que un siglo antes realizaban sus antecesores pero en calidad de esclavos o sirvientes.  Había también familias que vivían de la ayuda estatal e infancias que crecieron encerradas, en prejuicios que hacia ellas proyectaba la sociedad, asimilando todos esas nociones que se les adjudicaba. Vas a pensar esto es muy zurdo, muy comunista y muy etcétera, decir que es culpa de la sociedad lo que hacen los pobres, pero cuánta gente conocemos que se rompe la espalda trabajando, que viven estresadas porque la plata no alcanza, que no dejan de pensar cómo llegar a fin de mes, y después van y repiten que de la pobreza se sale LA BU RAN DO. La secuencia de argumentos sigue con que «sos pobre porque querés», y así hacemos de la víctima, el victimario: nada que deba generar sorpresa en esta sociedad individualista.

Nació, en un primer momento, de negros, que encontraron en el hip hop un código cultural propio de los barrios. Cada grupo tenía sus rimas, sus pasos, sus ropas, sus gestos. Se apropiaron de músicas ajenas -ni el jazz ni el soul no era para los y las negrxs de los ghettos- y en ese gesto de poder, crecieron los djs, el primer elemento. Fiestas, breakdance y mc’s se desarrollan sobre aquellos seres mitológicos que creaban desde las consolas. No fue Rapper’s delight (1979), el primer tema de rap del que tenemos idea, el que nos comentó sobre la realidad de lxs negrxs en Estados Unidos. Sí fue The message (1982) el primer rap que nos cuenta cómo se vive en los ghettos y cómo la gente que vive allí perciben lo que los de afuera piensan sobre ellos. En este punto vale hacer una aclaración: en Harlem había tanto negros y negras como personas latinas, que llegaban a NY con la esperanza de conseguir trabajo, cumplir el sueño americano y terminaban recluidxs, lejos de la familia que se quedó en las Islas y explotadxs.

Volviendo a la fantástica composición adjudicada al histórico grupo Grandmaster Flash and The Furious Five, aunque en realidad son sólo Duke Bootie y Melle Mel, nos habla de gente fuerte, que mantiene su estabilidad en un espacio que «a veces es como una jungla». Nos cuenta también escenas cotidianas, vidrios rotos, las calles meadas, prostitutas, drogas, pibes y pibas creciendo en este entorno, de violencia física hacía y entre ellxs, en un ambiente de competencia por la supervivencia, de pelear, de hacer lo necesario para sobrevivir, que traducido al lenguaje de la realidad, es hacer lo necesario por generar ingresos y así conseguir la “miel y la leche”.

Cuando nos ponemos a pensar sobre la veracidad de la opinión de las personas, ¿quién nos va a decir de una manera más fiable cómo se vive en el campo, un campesino o el sojero que va y vuelve de su estancia al country en el mismo día?, ¿en quien vamos a confiar más para saber los gastos de un auto, en quien tiene uno o en quien usa la bici?, ¿a quién le vamos a consultar sobre cómo es vivir en un ghetto, en una villa, a alcalde de la ciudad o a la gente de ahí? Poner este filtro muchas veces nos permite considerar un poco mejor a quiénes y cómo les escuchamos. Por esta razon, The Message abre la puerta de lo que conocemos como rap conciencia: porque quienes escribieron esas potentes letras, estuvieron ahí y nos cuentan su realidad, cómo se vive y cómo crecieron. Hay un párrafo que quiero remarcar que resume la totalidad del argumento al que voy. Es el quinto verso y comienza con una de las líneas más potentes que jamás haya escuchado: a child is born with no state of mind, blind to the ways of mankind… Traducido, sería algo así como un/x niñx nace vacíx, sin opiniones, sin ideología, podría decirse, ciego a las maneras y formas de la humanidad. La máxima de la humildad, nadie nace sabiendo; también hay una implicación política en este punto, porque en última instancia, ninguna persona viene determinada hacía ninguna opinión, y es dónde creces, cómo creces y con quiénes creces lo que determina tu conciencia (en el contexto argentino, me hace acordar al ningún pibe nace chorro). Si fuese por mi copiaría todas las barras de esta parte de la canción porque es una síntesis excelente de poesía y realidad pero voy a hacer un resumencito mil veces más insípido para poder darle sentido a las líneas que antes mencione, con la esperanza de que vayan a escuchar el tema prestando atención a la letra y, para quien lo necesite, el traductor al lado. Melle Mel nos cuenta cómo es crecer en un barrio en el que cada calle, en vez de parecer una linda avenida, es un “alleyway”, una calle sucia, fea, peligrosa; que de crecer ahí viendo a los que tienen plata, los terminas envidiando, terminan siendo tus ídolos, queres ser un estafador, un apostador, tener autos grandes, ser chorro. Hacer lo que sea para ser como ellos. Y claramente no queres ser un boludo, vos queres ser uno de los pillos, y dejas la escuela (“You say I’m cool, huh, I’m no fool but then you wind up droppin’ outta high school”) y empezás en las movidas, desempleado y sin educación pero andás distinto y lo haces notar. Empezás asaltando en las calles, matás a alguien, vas preso, te violan, terminas siendo el punto fijo de los gedes en la cárcel y te terminas ahorcando en tu celda, tal como hacía la mayoría de los presos en aquella época, pero vivís piola, tal como la canción y estilo de vida al que adheriste lo indicaba: live fast, die young. Crudísimo pero si no entendemos la realidad, desde la realidad, desde las personas que la viven, y no desde estadísticas, vivimos en una burbuja.

El rap conciencia aparece como una voz de los y las negrxs para decir cómo vivían. Lo fuerte de este tipo de rap no está en decir “vamos a matar policías, vamos a hacer la revolución, vamos a tomar la casa rosada”. Lo duro del rap conciencia está en mostrarnos desde una perspectiva humana, es decir, desde una mirada que nosotrxs mismxs podríamos tener, cómo se vive ahí. Pienso ahora en “CANción de la prisión”, de Canserbero, y reafirmo lo que digo: el rap conciencia denuncia situaciones de injusticia y desde la empatía, vos, oyente, percibís la injusticia.

Diez años después a The Message, suceden riots en California, como consecuencia al asesinato de Rodney King, que se habría resistido a ser detenido y en la paliza que le propinaron para reducirlo, murió. En 1988 la misma ciudad y el mismo sector se había visto revolucionado por el lanzamiento del disco “Straight Outta Compton”, que mostraba y criticaba la violencia racial de la policía y así como la vida de estos niggaz. Con N.W.A parece haberse inaugurado el g-funk, que por esa denominación parecía  la promoción del estilo de vida gangster, significando un insulto a los valores estadounidenses, de clase media, blanca y católica. Hasta sufrieron persecución legal por incitar al crimen y otras boludeces por el estilo. Lo que nadie vio, o en realidad no quisieron o pudieron ver por el racismo inherente a esos valores, es que “Fuck tha police” o “Gangsta gangsta”, nos estaban diciendo casi lo mismo que “The Message”: describían la realidad de la minoría negra segregada, discriminada. Que se hayan identificado lxs negrxs con esos temas, definitivamente no quiere decir que todxs lxs negrxs eran criminales, asesinos, como lo que las letras de N.W.A. mostraban; sí quieren decir, y como en The Message, que ser gangster representaba un valor positivo en una sociedad en la que por ser negrxs tenías que trabajar el doble, el triple, mil veces para lograr un nivel de vida que no era el equivalente al que recibiría un blanco. El 29 de abril de 1992, el primer día de disturbios por la muerte de Rodney King, “Fuck tha police” representó un himno justamente por ser una forma local y propia de denunciar lo que estaba pasando.

Siempre tenemos, de un lado, a los defensores de la moral y valores, que en realidad son solo de ellos mismos y pretenden universalizarlos desde su pacifismo egocéntrico, que dicen que está bien manifestarse pero hay límites, y del otro lado, a los grupos perjudicados, cansados ya de decir lo que estaba pasando, de decirlo bien y que los maten (Martín Luther King), de decirlo mal y que los maten o les criminalicen (Las Panteras Negras), y que cuando salen a romper todo por la bronca histórica acumulada, “deberían buscar otras maneras”. Siempre es necesario hacer historia para entender un poco más: en Estados Unidos hubo esclavitud hasta 1863 -¡ni doscientos años!- pero las mismas personas que la abolieron y estuvieron en contra, tenían esclavos o sirvientes; a esto se opusieron, no unos pocos intelectuales malos, sino toda una Confederación de estados que defendía la supremacía blanca, y no es que desaparecieron cuando la esclavitud se prohibió. Mantuvieron esclavos y empeoraron las condiciones laborales. Se mantuvieron un poco más en las sombras. Durante la lucha de lxs negrxs por los derechos civiles durante la década del ‘60 el Ku Klux Klan hace su aparición más publica. Ojo, porque esto no significa que por no ser del Ku Klux Klan no seas racista. Sorprendería a muchas personas pensar en el racismo de gran parte de los votantes de Obama; es una boludez como decir que porque votaste a Cristina no sos machista. El principal problema hoy, si la existencia de personas que saldrían a matar negrxs fuese algo reducible a un segundo plano, es que existe Trump y una serie de personas que lo apoyan. En Estados Unidos se pasean grupos de hombres blancos armados, proclamando la supremacía blanca para apoyar a Trump pero las manifestaciones que reprimen son las de #BlackLivesMatters. La última noticia que llegué a escuchar es que iba a incluir en la lista de terroristas a la organización internacional Antifa mientras que los discursos de la derecha xenófoba son publicitados por el mismísmo presidente. La policía como institución, y no cada agente como individuo, reafirma el racismo inherente a la historia estadounidense. El “Fuck tha police” se refiere a eso, a la institución que genera y defiende el racismo mediante la acción de sus representantes, los agentes. Por eso también el ACAB está más en boga que nunca: All Cops Are Bastards. Y no caigamos en pensar que porque la policía acepte negros deja de ser racista, o Ice Cube en la misma canción no nos dice que son los policías negros los peores, porque golpean más fuerte si los policías blancos están mirando

El rap estadounidense siempre fue una herramienta antirracista, sea rap conciencia o no. En sus comienzos fue el lenguaje musical de lxs negrxs, tomando la historia musical hecha por elloxs mismxs, jazz, soul, rock, sonidos latinos, y readaptándolos mediante consolas. Que la industria musical haya generado un circuito en donde el rap no tiene contenido social, es otro tema; pero el rap como parte del hip hop siempre tuvo un mensaje étnico.

¿Y en Argentina? En Argentina no hay negros así que no hay racismo. Bien, eso es lo que dice la gente idiota o también la que no tuvo la oportunidad de aprender. En primer lugar, la simple liberación de culpa que resulta esa frase termina siendo un argumento a favor de la neutralidad: los apolíticos dicen eso. Es un gran argumento en realidad, debo admitir, porque negar un problema es no buscar una solución. Negar el machismo, porque yo tengo mamá, abuela, y tía, porque yo lavo los platos, porque ayudo en la casa, nos sirve a los hombres a no tener que admitir lo mierda que somos. Negar el racismo, porque yo tengo amigos negros, porque le digo negro cariñosamente, porque no le digo negro de piel le digo negro de alma, es no admitir el rol fundamental que jugó y juega la población blanca en la historia mundial. En Argentina, podemos precisar aún más el racismo hacia la población blanca, “descendiente de los barcos”, de apellidos europeos, que dice levantando el mentón que sus bisabuelos son italianos, o que se jacta de tener la ciudadanía europea por su abuela española. En Argentina, el racismo existe desde el momento en el que decimos que no hay negros, porque, para sorpresa de muchos, hay negros. Increíble pero cierto. Hubo negros y negras esclavizadxs durante la colonia, hubo negrxs en las casas de nuestros próceres atendiéndolos, y significaron un gran porcentaje de la población porteña durante una parte importante de nuestra historia. Hubo negros en las expediciones de San Martín. Hubo negrxs hasta que el sector europeizante de la élite política argentina “blanqueó” la historia, así como la “masculinizó”: quienes nos dieron la tan preciada Independencia fueron todos hombres, todos blancos, y, por cierto, todos educados de acuerdo a los valores europeos y franceses. ¿De qué sirve negar algo tan evidente? Sirve para perpetuar el racismo, antes en la esclavitud, hoy invisibilizandolxs. Cortar el flujo de injusticias y desigualdades es nuestra responsabilidad, nombrándonos, en primer lugar, antirracistas y antimachistas/feministas. La acción en el siguiente paso.

Junto a las negras y negros que existían, hubo también sectores indígenas, poblaciones locales que existieron casi desde que existe el Homo Sapiens en la tierra. Vivían en organizaciones políticas autóctonas del continente hasta 1492, el año inicial de la conquista (para las únicas personas que América fue un descubrimiento, fue para los intelectuales europeos del siglo XV; hoy, cinco siglos después, sabemos que lo que sucedió en América fue un genocidio), sobrevivieron física e ideológicamente los momentos de mayor reducción demográfica y lograron estabilizarse durante la colonia. Quedaron tan pocos, que hasta hay gente que dice que “los indios se extinguieron”. Entonces, tenemos negrxs, indixs y conquistadores en un primer momento en América. Ya sabemos igual, que hubo cruces, hombres europeos violando a mujeres indias o negras teniendo hijxs, u hombres indios dando a sus hijas para casarse con españoles y ganar prestigio, hijxs de indixs y negrxs, y posibilidades otras. Desde el momento en el que las tan diferenciadas ”razas” (en comillas porque biológicamente tampoco las razas existen) comienzan a mezclarse, desaparecería el racismo. Pero no sucedió así, y el poder continuaba en quienes mejor detentaban su europeidad. El racismo no se sustenta en bases biológicas: es absolutamente político. La historia argentina se desenvuelve así, entre los blancos, quienes más resaltan su europeidad, siendo el porteño el epítome de esa pretendida superioridad por el hecho de sacar pecho al vivir en “la Paris latinoamericana”, y el resto, gente de segunda, ´”del interior´” -¿C.A.B.A es afuera, el extranjero, o  qué?-.

Toda comunidad no europeizada, y no importa el color de la piel para adquirir esos valores, en Argentina, ha sido racializada. Seas negrx de piel o no, no ser blanco, porteño, de raíces evidentes europeas, te hace ser de segunda. Hay insultos racistas para personas “marrones” -que así se reivindican- y hay insultos racistas que superan el hecho de la piel: negro de mierda, negro de alma, cabecita negra, boliviano, villero, etc. En Argentina, y en especial, en Buenos Aires se vive como si viviésemos en el norte europeo, donde todxs seriamos blancxs, rubixs, y de ojos claros. Y ahí está el racismo, en la negación sistemática en el presente, de poblaciones no blancas, no europeas, al mismo tiempo que su estigmatización; en todo lo que sucede y perjudica a esas poblaciones por el simple hecho de su color de piel y empeora la situación de vida de esas personas. El racismo es todo lo que sucede entre la esclavitud y el negrx de mierda, sea como insulto a personas negras, sea como insulto a el/la villerx. El racismo, en nuestro caso se mezcla con el clasicismo y con el porteñocentrismo europeizante de la Argentina que niega estar enraizada en costumbres latinoamericanas. El racismo nos hace parecer un país blanco al mundo, cuando son los núcleos urbanos existentes desde la colonia los que irradian esa imagen; el racismo impulsa una imagen porteña al resto del país; el racismo blanquea todo lo interior a la General Paz, lo “primermundiza”, siendo las villas fenómenos marginales -que hasta si lo vemos geográficamente, no hay asentamientos grandes en el centro de la ciudad porque esos son más integrados a la trama urbana que los que no, y aún así siguen aisladas-.

Todo fenómeno cultural de grupos sociales discriminados y explotados, si no es reivindicado el contenido político étnico por sectores que lo utilizan que no son ellos mismos, podría ser considerado apropiación cultural. La cultura de masas lo hace de a toneladas, y los géneros musicales que ya mencioné son los grandes ejemplos. El rap, ni hablar. Las industrias culturales “lavan” los mensajes que puedan resultar problemáticos, para que lleguen de una manera simple, casi ya digeridos, y entren sin problema por los oídos, por los ojos. El rap comercial entra en esa categoría y el trap es la manifestación más actual de esa rama. Podemos discutir de si el trap es rap, de si entra al hip hop, pero no hay tópico menos interesante para los sellos musicales multinacionales que ese. Lo útil, para ellos, es sí vende o no, y el rap vendió y vende mucho: Run DMC y “My Adidas”, MC Hammer, Dr. Dre desde N.W.A a ser uno de los empresarios musicales de los más importantes del mundo, son algunos de los ejemplos. De todas formas, tampoco tenemos que pensar que todo lo masivo está vacío o hueco. Siempre saber más de quien escribe, canta, rapea, da nuevos niveles de significación a la música y esto es especialmente interesante cuando la persona está viva.

En Argentina, el rap mainstream sufrió una revitalización desde la intervención de Red Bull en el mundo del freestyle, generando una gran plataforma para carreras musicales. Duki es la gran estrella de todo este fenómeno llevando el trap argentino de gira por el mercado europeo, Paulo Londra aparece también con un rap más pop y hay productores de raperos con gran renombre (Bizarrap). ¿Alguno de estos raperos/traperos hiper comerciales hizo alguna declaración posterior a la muerte de George Floyd? No. Pero tampoco podemos señalar con el dedo y decirles racistas, porque la lucha no se resuelve midiendo quien tiene la moral más grande . Lo que sí podemos decir es que no se pararon del lado antirracista de la vida. Y no me refiero solamente a los dos que mencioné: hoy en el plano internacional del rap argentino tenemos además a Wos, a Trueno, Dtoke, etc. Personalmente, me molesta más que alguien no se sitúe políticamente cuando construye su popularidad tanto en su carisma como en lo popular de los ingredientes políticos en sus letras; no creo que sea hipocresía sino que es la liviandad del progresismo militante, que dice lo que está bien cuando está de moda teniendo en mente ventas y pérdidas. Así, vemos que el rap comercial en Argentina no es antirracista.

En el under no tiene sentido señalar quiénes sí y quiénes no. No tiene sentido en primer lugar, por lo que dije antes: no es una cuestión moral. No se trata de perseguir al racista o al apolítico, se trata de hacer que las personas perciban las injusticias, no de señalarselas, porque sino caemos el progresismo. En este punto en el que nos paramos ya superamos la dicotomía que representa el lado colectivo, el de la igualdad, y el lado restrictivo, el de las injusticias y jerarquías. En en este sector, la igualdad es la premisa, y desde ahí discutimos de si política o falsa política. Indicarle a otrxs personas las injusticias sin decirles por qué, para que las reconozcan y marchen bajo mi bandera contra este modelo de conducta es falsa política, es progresismo. La verdadera igualdad está en el colectivo compartiendo todxs la libertad, no en el grupo amorfo detrás de una/s persona/s. En segundo lugar, porque el under es infinito, tal vez menciono a uno que lo hizo de Santa Fé, pero otro de Tierra del Fuego, con más gente que lo escucha, lo hizo y ni lo mencioné por desconocerlo.

Creo que puede llegar a tener sentido que no haya una movida importante unificada políticamente del under porque hoy en día no contamos con un rap político notorio, que genere lemas de lucha, que represente sectores desplazados de la sociedad. Cuando hago memoria, se me ocurre Fuerte Apache simbolizando a nivel local algo como lo que generó Straight Outta Compton, un lenguaje y un relato de la vida del barrio desde la perspectiva de uno de los grupos que lo habita. Como no quiero ser malinterpretado, lo aclaro: no estoy diciendo que no haya rap con contenido, que de hecho lo hay y de gran calidad. Lo que digo es que no hay referentes que sean aglutinantes de luchas, que ponga la cara como hoy está haciendo Ice Cube y mil raperos, raperas, cantantes negrxs. Ahí esta mi pregunta, ¿por qué no podemos, como integrantes de una movida con tanta carga política como es el hip hop, que resulta politizante también porque lleva consignas a sectores donde el hip hop no hace presencia cotidiana, reivindicar personas que carguen con nuestro mensaje? No me estoy refiriendo a que aparezca un rapero, una rapera, por ejemplo, peronista y hable de justicia social, en absoluto -admito que sería interesante un rap peronista-. Me refiero a un colectivo de artistas del hip hop que reivindiquen activamente el antirracismo, el antimachismo y el anticlasismo, a nivel internacional pero principalmente a nivel local, representando un pivote ideológico para aquellxs pibxs que quieren hacer algo más que lo que está de moda, para apagar el sonido del silencio que parece dominar en el under y organizar el bullicio de lxs verdaderamente inquietxs.

el racismo es todo lo que está entre la esclavitud y el «negro de mierda»,  no solo estos extremos.

SIAK – MANDALE (2020)

Por Juan Ignacio Guzman Dotto – @juanguzmandotto

“Te invito a prender fuego, a caminar mi suelo / a ver el pasado, lo bueno y lo malo y si no es demasiado vamos a cambiar el juego” así arranca Juan Amarita aka Siak su primer disco solista “Mandale”. Siak forma parte de Iluminate Crew, formada en el 2005, integrada por Manuel Delgado aka Manuu Thin (productor y MC), Gabriel Homsi (MC), Mariano Sora (músico), Robsteady (DJ)  y Pablo Marrone aka Dsg (VJ) quienes tienen el mérito de haber publicado 5 discos y trabajado con artistas conocidos de otros géneros como el Pity Alvarez, Andres Gimenez, Los Cafres, etc.

El grupo está ligado mucho a la escena de reggae nacional. Y ya esto se puede notar en la tapa de este disco (Hecha por Vj Dsg), con una estética similar a la de esos géneros jamaiquinos.

Este trabajo presenta 11 composiciones que cuentan con la participación de varios beatmakers, productores y raperos y fue grabado y mezclado durante 2018 y 2019 en Confesionario Rap Estudio por Manuu Thin.

Mandale es una mezcla de jazz y boom bap, en los cuales se le agregan otros géneros en canciones particulares. La mayoría de la música está hecha por miembros de la crew (Manuu Thin y Mariano Sora)

Lo que comparten la mayoría de los tracks es que suelen haber samples de pianos jazzeros, con algunos sintes y guitarras (en algunos es difícil distinguir si es un sampleo o un instrumento grabado posta). acompañadas por batas y fxs bien de los 90s.

Todo eso hace que el disco tenga una sonoridad muy variada: Por ejemplo “Intro” y “Café” comparten un sonido más electrónico, donde priman los sintes creando atmosféricos. Después hay cosas que suenan como A Tribe Called Quest, con tracks como “Algo distinto” y “Sueña”. Y otros tirando a un boom bap más clásico con “Cash” y “Mandale”

Las letras de Siak nos dan para pensar. Por mencionar algunas: “Libre” es una reflexión sobre el tiempo, la libertad, las circunstancias y la sociedad capitalista. Cerrando con un audio de un discurso de Pepe Mujica. “Café” es un golpe de realidad: Habla sobre la autenticidad en la escena y de la vida del día a día, donde el rapero viene a despertarnos con esta canción, como si se tratara justamente de un café amargo. “Pie izquierdo” retrata la transformación de una persona que es llevada al cinismo por la realidad cotidiana. Siak es consciente de ello y utiliza ese pensamiento para contraatacar: actuar en consecuencia para mejorar.

“Quien sos?” es uno de los temas que más diferente suena del resto. Tal vez porque tiene un sample latino y una onda trapera, sumado a que se rapea a doble tiempo. Y habla de la reivindicación del yo.

“Cash” es otra canción que destaca por su sonoridad: Es un boom bap clásico, con un sample de cuerdas pero con un rap violento y vocalizaciones de reggae que manifiesta la sobre importancia del dinero y el consumismo.

Un gran disco de un gran artista que lanza su carrera solista con un trabajo más que solido. Poquito mas de media hora de buen sonido, buenas barras y una compañía musical más que destacable. Si estas con tiempo, dale play a Mandale y disfruta del buen rap de Siak.

 

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