#OTROMAMBO: REGGAE ROCKERS.

Por Javier «Chavo» Ruiz – @chav079

A mediados de la década del 2000 el Reggae Argentino tuvo una especie de furor, muchas bandas editando discos y participando en los festivales más importantes. Hasta alguno se animó a hacer una fecha solamente con bandas del género. Luego, se fue apagando de a poco ese momento y la industria musical empezó a buscar otros ritmos para sacarle jugo.

En esa época surgió una banda llamada Reggae Rockers, que tomo al reggae como base, para fusionarlo con diferentes ritmos como el rock, el ska y el soul. El liderazgo y la voz cantante la lleva Yael Rodriguez, una de las mejores cantantes de nuestro país, voz que le da a la banda un estilo único y la convierte en una banda para
descubrir y no parar de escucharla.

Tienen 3 discos de estudio editados de manera independiente: “Reggae Rockers” 2007, “Music is Music” 2010 y “Mundo Rockers” 2012. En su primer disco versionaron clásicos como “Perfidia”, “Uptown top ranking”, “Santeria” y el clásico rastafario de The Abyssinians, “Satta Massagana”. Este ultimo, sin lugar a dudas, en una versión tan conmovedora como la original. En su segundo disco, siguieron con las versiones, pero ya con algunos temas propios como “Regresa” y “Tell Me”, que ya son clásicos de la banda. En este segundo trabajo también versionaron clásicos como “I shot the sheriff”, “El Sol no Brilla” versión en español del clásico “I not sunshine” de Bill Whitters y otro cover del disco es el tema de Stevie Wonder “Master Blaster (Jamming)” una de las mejores versiones de este hit inoxidable, donde Yael demuestra porque es una de las mejores voces de estos lados del mundo.

En el 2012 editaron “Mundo Rockers”, un disco ya con mayoría de temas propios, pero que sigue por el mismo camino de los anteriores, donde se destacan “Si me quieres”, “Te Busque”, “Voy a estar bien” y “Días de Duelo”.

Sin duda alguna, Reggae Rockers es un banda para escuchar y descubrir dentro de un género, que a mí entender, perdió la frescura de años atrás. Una banda que se nutre de muchos géneros para crear su propia identidad. Porque muchos de sus integrantes vienen de diversos géneros como el soul, el blues y hasta el heavy metal, ya que el baterista Patito Dramer fue discípulo y trabajo con Gustavo Rowek (histórico baterista del heavy argentino). Y es una banda que tiene una búsqueda musical muy profunda para lograr un sonido fresco, con fuerza pero sin perder la finura, con arreglos de vientos muy delicados y certeros.

Han sido reconocidos y compartido escenario con grandes artistas como The Skatalites, Israel Vibration, Gondwana, Los Cafres, Fidel Nadal, Alika, Dancing Mood, entre otros. La formación actual de la banda tiene a Yael Rodríguez en voz, Patito Dramer en batería, Martin Lofi Nievas en bajo, Felipe de Vedia en guitarra y Mariano Chino González en piano.

En 2017 lanzaron el single «Sin tu Amor» y en breve lanzarán «Ilusión», un adelanto de su cuarta producción discográfica, que grabaron en Guadalupe Estudio, su propio estudio de grabación y productora recientemente inaugurados. El cuarto disco se titulará «El salto» y planean darlo a conocer en septiembre de este año, que además es el mes aniversario número 15 de la banda. Pueden buscar su música en Spotify y seguirlos en instagram (@reggaerockers_ar) les garantizo que no se van a arrepentir.

FARIAZ & DOMABEATS: «BOOMBAPERZ» (2020)

Por Gian Franco Lisanti – @itnasilnaig

El álbum homónimo al dúo Boombaperz, Fariaz y Domabeats apareció en YouTube el 9 de abril de este año. Mientras escribo, suenan,  y veo que ya cuentan 215 vistas, casi en un mes. Si tengo que ser sincero, son pocas reproducciones. En la época en la que se valoran los likes, las reproducciones, tiene sentido este número bajo cuando vemos que juntos no suman mil followers entre sus dos usuarios de instagram y en @boombaperz, hay sólo 131 personas atentas al contenido. Casi que me siento caer en esa tendencia del Hip Hop, que predomina la imagen en redes sociales antes que la música en sí, si no fuese por el tono de lamento que tiene toda esta reflexión. Boombaperz es un tremendo álbum, con laburos en consola, en las letras y en los arreglos que no te dejan de cebar ni a la décima reproducción.

Su mismo nombre lo indica, las bases ya sabemos por dónde van a ir. Al apretar play por prim era vez uno piensa que no puede haber mucho que me sorprenda .“Eh loco, estos chicos quieren saber como se rima, vamos a enseñarle lo que es un buen beat y unas buenas rimas”, nos dice Fariaz y entra a la cancha como Riquelme entraba a La Bombonera, como Gallardo entra al Monumental. Nos tira historia, nos tira jerga y nos tira, como el nombre de la canción bien lo indica, skill a lo loco. Resuena en “Skillin” también una crítica a toda la generación reciente del rap/trap, acotando con la clase que sólo pueden tener unxs pocxs. En esta canción podemos escuchar unos cortes de Dj Tedos  y unos samples de My Name Is que hacen que volvamos a los ´90 en un segundo.

En continuidad con la base anterior, la de “Los nuevos 90’s” no es menos excelente. Entra Phoenix Flame  rapeando en inglés, y la realidad es que no entiendo nada, pero ceba. Dj Tedos vuelve con scratches y le da el pie a Fariaz, que de vuelta llega y rompe todo. Sí hay algo para destacar del disco en su totalidad, es la capacidad para meter skill en cada línea y esto sin disminuir la calidad de lo dicho. Forma y contenido son armonizadas a la perfección, y permanece aún después de la tercer parte de la canción, a cargo del Ortega Dogo, cuyo flow sobresale y deja el final de la canción bien arriba

“Boombaperz”, la tercer canción del álbum, no rompe ni con los altos niveles de letras ni con las bases que te mantienen ahí moviéndote, puro boombap clásico. Cambia la temática, dedicándoles un tema a sus mayores influencias, pasando por todo aspecto que se puede tener en cuenta a la hora de construir el propio estilo, sin caer en la ingenuidad de genios que salen en la nada, o puros innovadores. Como nadie nace sabiendo, todxs tenemos gente de la que constantemente intentamos aprender, y Fariaz lo deja en claro, y les aseguro que si alguna de las personas que menciona en esta canción la escuchara, se cebaría. Por eso, si estás buscando qué escuchar, “Boombaperz” es una de esas canciones que te tiran uno tras de otro hitos ineludibles en la historia, no sólo del rap, sino del hip hop. Los scratches que suenan son, por tercera y última vez en este álbum, de Dj Tedos.

Así como a las influencias artísticas, en la canción siguiente le habla a todas aquellas personas que lo ayudaron en su recorrido de vida y en el hip hop. “Va dedicado” tiene un laburo lírico que no le cabe ninguna palabra menor a hermoso y por eso me gustaría rescatar unas barras del estribillo para que lo vean: «this is dedicated… al que respeto sí respeta y es con quien comparto metas». Doma no baja el nivel en ningún track pero a mi gusto, en este tema es donde más desapercibido pasa, con bajos leves y predominancia de lo melódico.

En quinto lugar, algunos dirán -y pobres de ellos- que es apología a la droga. Mi humilde opinión es que “Perra” es una oda a la marihuana. Fariaz escribe como si estuviera hablándole a una novia, de esas que ves y no podés creer, que lo físico te fascina y se mezcla con todas las emociones que además tenés, generando un cóctel indescriptible. Debo decirles que toda la letra te propone un juego como de adivinanza, sin decirte hasta la última línea quién es esa figura femenina a la que le habla, y yo ya se los dije, pero les aseguro que la gracia de la canción no desaparece.

Los últimos dos tracks son ex-ce-len-tes. “Paciencia y saliva”, la ante última canción, tiene skill, tiene flow, tiene barras que son lingotes de oro, un estribillo que se te pega y nos deja un mensaje que permanece a lo largo de todo el disco, mas esta vez no les voy a adelantar. El disco cierra con “Ruleta rusa”, un feat con Libarom, en donde los aprendizajes que Fari nos viene tirando a lo largo del disco se condensan con acotes y lo que, opino, es el mejor beat del disco, el les recomiendo que lo escuchen con auriculares porque los bajos son de otro planeta. La intervención de Libarom no pasa desapercibida y eleva el nivel de la canción.

En síntesis, el disco es sobresaliente. A mi gusto, algunos tracks se destacan más que otros pero es completamente normal que suceda en un full álbum. Siempre que vemos que unx artista decide sacar un álbum y no un EP o singles, vemos personas que laburaron meses con muchísimo constancia, porque, si hace falta recordarlo, la industria musical actual es cortoplacista, vive de éxitos, modas, mientras que gente, aquellas personas de verdad interesadas en la cultura, permanece y mantiene al Hip Hop a lo largo del tiempo. Ir a escucharlos, darles follow y demostrarles que tienen un público que queremos seguir escuchándolos no es caer en la dinámica de los virales, es darles respeto a esxs que perduran a pesar de no tener lo que verdaderamente merecen, porque son ellxs lxs que trascienden más allá de firmas y contratos.

DESCHAVANDO A LOS QUE DICEN DEVELAR SECRETOS DEL RAP ARGENTO.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter 

Sin lugar a dudas hoy podríamos afirmar que el momento que se está viviendo invita a mucha gente a la cultura Hip Hop. Sin importar y casi asegurando que la puerta de entrada para muchxs es el freestyle o el trap, algo con lo que personalmente, no estoy de acuerdo, seria de ciego y «come vidrio» decir que esto no es así. A las nuevas generaciones tal vez no les importa o no les llega la «data» de lo que sucedió o de donde viene la cultura Hip Hop. Lxs que amamos esta cultura y nos apasiona la simple razón de conocer, hemos leído libros, recortes, escuchamos a los que saben y sin dudas, intentamos por todos los medios seguir averiguando más y más de esta locura juvenil que nació en un barrio prendido fuego de Nueva York allá por los años 70.

Argentina está lejos del movimiento de la ciudad que nunca duerme, imaginense como serían las cosas hace 45 años y como llegaba la información de una cultura mainstream en el país del norte, pero totalmente virgen por estas tierras. Hoy a más de 4 décadas de aquella revolución artística, en Argentina, el Hip Hop está de moda. Le guste a quien le guste es así y gracias a las redes, la tecnología, hoy podemos disfrutar de una publicidad de juguitos en polvo que tiene tintes de la cultura Hip Hop. O al menos esos creen los que la hicieron y todxs los que se comen ese verso. Dios mio. Para quienes usan su tiempo para informarse sabrán que el Hip Hop lejos está de eso y menos que menos de lanzar billetes al aire en un país donde mucha gente no logra comer 4 veces al día. En fin esa es otra historia.

Volviendo a la que impulsó esta nota, el mainstream tiene sus dos caras, como casi todo en la vida. Hoy que ser rapero es cool y que el Hip Hop es un mercado para muchxs, parece ser que todxs son sabiondos y que ese incipiente mercado es una oportunidad. Dentro de esos sabiondos y de esas actitudes de rapiña aparece el periodismo. El rap como género y el Hip Hop como cultura, siempre fueron ninguneados por el excelso periodismo argentino. Para los programas de tevé, muchas radios y numerosos medios gráficos, todo lo relacionado a esta hermosa cultura era marginal, circense y hasta burlesco, pero hoy, vaya uno a saber por que (guiño guiño), el rap ocupa un lugar de tendencia e importancia en los medios masivos, esos que le daban la espalda hace unos años y cual bugs bunny dibujaron el signo $ en sus ojos. «Bien, Kevin, porque mierda decis esto, que finalidad tiene». Escribo esto porque estoy harto de los falsos amantes de la cultura, de los aprovechadores y de los que contaminan con su necesidad de plata.

Hace muy poquito, en una de las revistas de mayor renombre en materia música, editada en nuestro país por el diario más conservador y asqueroso de Argentina salio una nota hablando de, lean esto, «LA HISTORIA SECRETA DEL RAP EN ARGENTINA»… Eh!, ¿Quién vino James Bond a desclasificar archivos secretos?. Bueno un titulo gancho no se le niega a nadie y es un recurso periodístico, el problema está en que a mi criterio profesional, cuanto más llegada tenes, mayor responsabilidad. ¿Alguien le puede avisar esto al diario de Mitre? Porque al parecer aun no se dieron cuenta. La intención es buenisima y me alegra que la cultura llegue lejos, pero «si la vas a hacer hacela bien» dice la canción y es así. La nota, extensa y con una escritura bárbara, está cargada, repleta de horrores. Errores no, horrores. Imperdonables, porque estamos en el 2020 y chequear la info es cuestión de segundos gracias al mágico Internet.

La historia del rap en Argentina es rica, es digna de ser contada, pero bien, con responsabilidad. Tan acostumbrados estan los grandes medios al consumo y a querer «vender» noticias, notas y contenido, que se olvidan del ABC del periodismo: Chequear la info. Durante el escrito, aparecen muchxos protagonistas de aquella época, lo que marca que hubo trabajo de campo, se nota que el periodista le dedico tiempo e intento detallar cosas durante el relato. Como dije, la historia del rap argento es amplia y a modo de defensa, es muy dificil plasmar en una nota para una revista a «la historia del rap». Ya lo contará Martín Biaggini en su libro Rap de Acá y su primer volumen. Ya lo hizo Juan Data durante años poniéndose el periodismo que si sabe de Hip Hop al hombro durante los primeros años y más también con su magnífico Fanzine «Moshpit Posse», llegando a ser un ejemplo para todxs los que vinimos después. El Hip Hop es pasión y el periodismo para algunxs locxs como yo, también, por eso enojan los grandes medios cuando entrometen sus narices con ese poderío económico y esa llegada que «marca agenda».

Pero volviendo a la nota y sus deficiencias, algunas de ellas muy groseras a mi criterio. Si hablamos de un relato cronológico o con saltos temporales, no podemos errar en los años y en la información. En la nota se dice que Nación Hip Hop Vol 1, Slim Shady y el asesinato de Biggie suceden en 1998 y ¡NO!. Nación Hip Hop Vol 1 es de 1997, al igual que el asesinato del Rey de Brooklyn. Mientras que Slim Shady fue editado en 1999. Por otro lado, el tema la que se hace mención en la nota perteneciente al Sindicato ¡no se llama «Agite en el Oeste»!, se llama «Agite» y forma parte del primer álbum del Sindicato Argentino del Hip Hop llamado «Un paso a la eternidad» y no «A un paso de la eternidad» como lo mencionan en la nota. Errores, para algunxs tontos y sin importancia, para otrxs groseros y totalmente chequeables. Para culminar con esto, Jazzy Mel se bautizó de esa forma por Jazzy Jaz y Melle Mel, y no por Grandmaster Melle Mel.

No intento con esto ponerme en el rol de hater, capaz lo toman así, pero creanme como diria Martin Garabal «no es por ahí». Quiero demostrar que hay un periodismo independiente que vale la pena, que demuestra que el poderio económico y el buen periodismo no van de la mano. Así como hay musicos underground que son más profesionales que muchos «mainstream». La cultura Hip Hop siempre fue underground, siempre estuvo en el barrio, haciendo y diciendo las cosas que los de arriba no hacen o no quieren hacer y/o decir. Es irresponsable el periodismo que ahora ve en el Hip Hop la movida juvenil y consumista, es irresponsable porque, lamentablemente, tiene más llegada y repercusión que cualquier medio independiente y a modo repetitivo «a mayor llegada, mayor responsabilidad».

Hay una historia rica, digna de ser contada, explorada y puesta en conocimiento. El rap en Argentina esta en pleno crecimiento y hay un periodismo que se hace desde el epicentro mismo que vale la pena… vale la pena de verdad.

 

 

 

#PERFILES: TORTU AKA DON MIGUEL.

Por Estructura Pura – @estructurapur4 (Redactores Invitados)

Ya pasaron las seis de la tarde en un caluroso día de verano y Tortu avisa: “Estoy yendo para allá, perdón, me demoré porque no encontraba las llaves de mi casa”, había tardado 15 minutos más, pero el problema era que el Jardín Botánico – lugar en el que nos citó – cerraba a las seis y media y la gente ya se estaba retirando.

“Nooo, me olvidé que cerraba tan temprano, pero no se preocupen vamos a otra plaza o a mi local”, nos ofrece Don Miguel Lemes Vazquez, más conocido como Tortu AKA Don Miguel, rapero que integra el mítico grupo “La Conección Real”, también fue parte de las primeras batallas de freestyle virales del país y hoy cuenta con cuatro discos editados. El apodo Tortu se lo apropió después de ponerse una remera infantil que tenía tortugas. Sus amigos de la adolescencia lo descansaron y él lo padeció hasta que no le quedó otra opción.

“Estuve como dos años renegando con ese apodo, no me cabía nada que me dijeran ‘Tortuga’ hasta que un día me resigné. Yo me quería apodar ‘Nacho’ pero nada que ver porque no me llamo Ignacio”, nos revela en el primer piso de Baires Point, su local en Palermo, en donde funciona una barbería, un growshop, hacen tatuajes, venden indumentaria y hay un estudio musical. Lo inauguró a fines del año pasado después de regresar de México, donde se exilió y estuvo viviendo durante un largo tiempo porque necesitaba reconectar con él mismo y con su familia.

En sus canciones siempre se destacó el flow con entonaciones variadas, las estructuras formadas con las palabras y las temáticas de sus letras, que fueron desde problemáticas sociales hasta descargos de vivencias personales.

Tortu conoció el Hip Hop en 1998 a través de sus amigos con los que andaba en skate: “Los chabones escuchaban Control Machete, House Of Pain, Cypress Hill y toda esa movida. Un día me dieron un disco y flasheé, ahí fue cuando empecé a averiguar todo”. Cinco años después, en el 2003, comenzó a bailar break dance y dio sus primeros pasos en la cultura Hip Hop hasta que en 2010 sacó su primer disco como solista y empezó a competir en batallas de freestyle.

Algunos años atrás, aproximadamente en el 2004, conoció al Nucleo AKA TintaSucia, con quien creó la Basta Revelión -escrito a propósito con falta de ortografía, al igual que La Conección Real-. Ambos se encargaron de llevar la cultura a muchos barrios precarios de zona sur: “Fue re divertido, porque íbamos descubriendo sectores y plantando semillas o compartiendo el mensaje cual mormón. Estábamos con la idea de ir por todos lados a enfermarle la cabeza a los pibes. Cada uno hace las cosas por motus propio, no te digo que fue por nosotros, pero fue re loco, lo hicimos inconscientemente y cuando nos dimos cuenta lo que generamos fue increíble”, recordó.

En ese momento, se dio cuenta de su misión en este mundo: ser un constructor de puentes. Poner a disposición toda su información y contactos para todos sus conocidos y así lograr una unión en el movimiento.

En 2010 lanzó su primer disco titulado “Las Flores del Edén” en donde empezó a pulir su reconocido flow y sus mensajes en las letras. Dos años más tarde, “Free Way”, su segundo disco, lo hizo despegar en su carrera musical. “Fue un flash para mí, en esas rimas me saqué todo de adentro. Después de ese disco se me abrieron bocha de puertas. Encima lo que más me gusta es que todo fue 100% real, si lo escucho hoy me hace viajar a esa época y recuerdo todas esas secuencias. Fue mi obra maestra”.

Dentro de ese material, se encuentra el tema “Ese Lugar”, que fue la primera canción de rap argentino en llegar a 1 millón de reproducciones: “En esa época yo me curtía mucho en la villa. La gente que nombro es con la que yo rancheaba. Lo que pasó fue que murió uno de los pibes en una situación re triste y a los pocos días mataron a su hermano. Se armó una masacre y siempre perdía un conocido. Todos nos preguntábamos cuándo iba a terminar la bronca”, explicó, y además agregó: “Yo era re caverna en esa época, no tenía ni canal de YouTube y los pibes que me lo filmaron lo subieron”.

Esos años fueron un quiebre para el rapero uruguayo – llegó a Buenos Aires cuando tenía un año – porque: “Tenía un estilo de vida re oscuro y hardcore, más mundano. Antes hacía cosas que no pensaba, era un desastre y lo dejé reflejado. Me sirvió para darme cuenta que no quería eso para mi vida”.

En paralelo, su carrera como freestyler comenzó a crecer en el Halabalusa, la competencia underground pionera de las batallas que sembró las semillas del éxito que obtuvo en los últimos años El Quinto Escalón, que se realizaba en la estación de Claypole. Allí formó con D-Toke una dupla imbatible que ganó algunas fechas seguidas y el estilo berretinero y descansero del Tortu lo hicieron ser uno de los competidores más destacados y graciosos del momento.

Su batalla más viral acumula casi tres millones de reproducciones y hoy, a la distancia, admite que le hubiese gustado hacer una carrera en el freestyle, pero solo por diversión. Se retiró algunas semanas después de esa seguidilla y se lo adjudica a una frase que le dijo un chico, mucho menor que él, en la plaza, mientras contaba los pocos billetes que había conseguido -los raperos para competir tenían que pagar- luego de salir campeón: «Vos sí que la haces bien, venís acá, descansas a todos los wachines y les sacás la plata». “Fue como un pequeño demonio que apareció, me tiró esa data y se fue. Me la re bajó y no fui más. Flasheé igual, podría haber seguido”.

Entretanto, Tortu muestra el desagrado al que lo lleva que lo reconozcan por sus batallas de esa época. “La mayoría de la gente que me cruzo en la calle o en los eventos me dicen que me escuchan desde el Halabalusa, y me conocen solo por eso cuando yo ya venía rapeando hace una bocha, me conocen solo por eso y no saben que tengo discos”. Es que sus batallas, en el momento, se hicieron tan populares por el ingenio que demostraba en cada rima que llegaron a un público mucho más extenso que el que podía abarcar el rapero como solista.

Quizás el juego de azares del destino lo tenía preparado para el siguiente paso, o su propia búsqueda de formar un camino, lo cierto es que logró su nivel máximo de exposición al juntarse con otros raperos de distintas zonas y formar el hoy histórico conjunto “La Conección Real”. “La conecta para mí es como una fisura en el tiempo, es una cosa que pasó y cambió bastante el juego en el momento”. El grupo conformado por Núcleo, Fianru, Frane, Tortu, Urbanse y, por último, DJ Destroy, fue tan importante para el rap argentino que lograron colocarse como máximos exponentes durante esa época y sentaron las bases para muchos de los raperos que llegaron a posteriori.

Pero las particularidades del rapero hicieron que el éxito sea pasajero, ya que después de lanzar el segundo mixtape con La Conecta, vivió una etapa de puro aprendizaje, puro knowledge.

“Antes de irme estaba muy encerrado, tuve una etapa muy Bukowski, durante dos años nadie me veía ni tocaba en ningún lado”. Tecson, escuela donde se cursan las carreras de Grabación y Post Producción de Audio y Producción Musical, fue el punto cúlmine de aprendizaje, donde amplió su conocimiento artístico y, mayoritariamente, en la parte de producción. “Durante ese tiempo lo único que hacía era estar en mi casa drogándome y estudiando frecuencias de sonido, me re enrosqué con la física”. Ese puede ser uno de los ejes donde se apoyó para formar años más tardes Baires Point, donde instaló un estudio musical profesional. Empero, además de ser un proceso de aprendizaje, se convirtió en algo que el mismo rapero no supo manejar. “Ese momento fue de puro conocimiento, medio que se me fue de las manos y me volví medio loco, entonces necesitaba irme a un lugar a reconectar conmigo, con mi familia, con todo mi ser”.

En algún caso servirá para describir por entero su personalidad la actitud que lo llevó a decidirse por México, en vez de otro país. “Primero pensamos con mi compañera en irnos a otro lado en realidad, pero pintó México y nos fuimos de una, sin conocer a nadie ni nada.”

Y ese mismo ímpetu que lo movió a tomar una decisión tan drástica, fue en gran parte lo que hizo que su descanso espiritual no se convierta en un descanso artístico. “Caímos, hicimos una re cabida con un montón de gente, pero desconectamos, entendés. Pero a las dos semanas estaba rapeando con LilSupa, conocí gente indicada con la que di, les mostré mi material, se cebaron pintaron fechas, movidas, grabé cyphers. Sin querer, no podía dejar el mambo igual”.

De su vuelta al país, Tortu explica que fue como “cuando volvés de Córdoba o de la costa, que estás medio zen, pero te dura poco; yo volví con la mente re cambiada, tuve viajes astrales de conocimiento con los mayas, una introspectiva muy jodida y volví muy tranquilo”.

Ese enfoque, que ya no perdía tanto tiempo con la gira, lo puse acá”. Y ese fue uno de los motivos principales que le dieron fuerzas para formar su local como se lo conoce hoy en día.

Mientras recorre su carrera en el primer piso de Baires Point, donde hacen tatuajes, se pueden observar varias calcomanías y entre ellas se destaca la del Maestro Roshi, uno de los personajes principales de Dragon Ball. Y se deja ver que, en una de sus piernas, tiene tatuada la misma figura: “Me re representa el maldito viejo divinoso, por una bocha de cosas”. Entre tantas que mencionó, destacó el conocimiento, la capacidad para estar siempre disponible y “saltar cuando hay que saltar para pararse de manos”. También se lo podría asociar a él porque es el “Maestro Tortuga”: “Vivir en una isla como él para mi es un sueño, ya lo hice pero me gustaría retirarme así y quedarme re chilling, con mis tortugas y mis revistas”.

El coronavirus le retrasó algunos proyectos, como fue la salida de un disco de ocho canciones que grabó en un día: “ese es otro récord personal que batí, estaba re conectado”, en el cual expulsó una bronca contenida por una estafa que sufrió hace dos años, pensando en por qué la gente puede ser tan falsa y además tiene otros singles con productores de los cuales no quiso adelantar nada: “una vez pensé que tenía algo que iba a explotar y no, como dijo mi amigo el Flaco Flaking: «estamos condenados a las 1000 reproducciones»

 

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«En Argentina están en una instancia muy similar a la que nosotros estábamos a principios de los 90´».

Por Lautaro «Lykao» Yanes – @yanes.lykao

El pasado 26 de abril Cousin Feo publicó su último disco, Ballon D’or, cuyo título hace referencia al reconocido galardón con el mismo nombre que se entrega de manera anual al mejor futbolista del mundo. Tan solo cuatro días
después, todas las ediciones del álbum en vinilo estaban agotadas. Con el pasar del tiempo el rapero estadounidense, de ascendencia latina, sigue consolidando su estilo oscuro a base de conocimiento y referencias deportivas muy significativas.

También conocido como Jason Hernández, el artista de 33 años nacido en Los Angeles, California, creció influenciado por la cultura latina y el Hip Hop. “Cuando era chico le robaba los cassettes de Wu Tang Clan a mi tío”, declara entre risas. “Ellos me impulsaron a agarrar un diccionario, estudiar las palabras que no conocía y ampliar mi vocabulario”, asegura. Además, confiesa la importancia que el grupo de Staten Island, Nueva York tuvo en su proceso de inspiración y en su forma de transmitir un mensaje, “Si me preguntas cual fue mi mayor influencia automáticamente pienso en Wu Tang, la forma en que mezclaban la música con la filosofía Kung Fú me ayudó a hacer lo mismo con él fútbol”.

Al igual que sus discos anteriores, Ballon D ́or es un reflejo de esto. El álbum contiene 11 temas, uno por cada jugador de la cancha. Además, los nombres de las canciones llevan los apellidos de los futbolistas que eligió; empezando por Buffon en el arco, seguido por defensores como Phillip Lahm y terminando con delanteros élite como él ucraniano Andriy Shevchenko. “Quise armar un equipo ideal de jugadores que nunca pudieron conseguir el Balón de Oro pero que se lo merecían” explica.

En 2019 Cousin Feo sacó sus dos trabajos que más reconocimiento le han dado hasta el momento en distintas partes del mundo pero principalmente en Argentina; Provoleta y Choripán. Ambos proyectos fueron elaborados en conjunto con Dre Mendoza, un productor de Los Angeles descendiente de argentinos y colombianos. Los dos discos presentan una lista de siete temas cada uno, todos con nombres de jugadores argentinos.

Un punto clave en la carrera de Cousin fue la canciòn Simeone, segundo track del disco Provoleta, en él que rapea junto a Mir Nicolas de Ingrávidos Squad, una de las mayores promesas del under de nuestro país. “Cuando estaba haciendo Death At The Derby -su disco anterior- Nico se contactò conmigo, difundiò mi trabajo y eso me abriò muchas puertas en latinoamèrica” explica Cousin Feo, “Despues le comentè que estaba planeando un proyecto de jugadores argentinos y no dudo en sumarse” concluye.

El estadounidense asegura que desde que lanzò esos discos el año pasado se mantiene muy al tanto de la escena nacional, “En Argentina estàn en una instancia muy similar a la que nosotros estábamos a principios de los 90, todo es muy puro, me gusta.” confiesa . Ademàs, Nico Mir no es él ùnico que logrò armar conexiones con Feo; segùn nos contò, actualmente està trabajando en proyectos con otros grandes exponentes y promesas argentinas como T&K, Varoner (Golden Boys) y Ruin (también de Ingravidos Squad).

Màs allà de las conexiones que fue alcanzando alrededor del mundo hay que reconocer algo de las barras de Provoleta y de Choripan y es que son realmente buenas. Ambos discos repasan el dia a dia del latinoamericano inmigrante. “En EEUU el sistema no está hecho para gente latina ni para gente negra” reclama el artista en el marco de una recesiòn econòmica que afecta a los sectores más vulnerable y asegura inspirarse en la fuerza y capacidad de superaciòn del colectivo que él representa “El latino nunca se rinde, siempre encuentra la manera”.

Estados Unidos no es reconocido como el país con más fanáticos del fútbol, o soccer como lo llaman ellos, sin embargo el caso de Cousin es distinto. Cuando él era niño se comenzaba a gestar el equipo más importante de Norteamérica, Los Angeles Galaxy. Junto a su tìo Carlos Lima, exjugador de fùtbol en Guatemala, asistiò al partido de inauguraciòn del estadio de dicho club. Casi 20 años después, Feo se uniò para trabajar junto al equipo en la presentaciòn de un nuevo jugador, el mexicano Javier “Chicharito” Hernàndez. La colaboraciòn consistiò en un video en él que se le daba la bienvenida al delantero con un tema de Cousin Feo junto a Dre Mendoza de fondo. “Luego de eso le pedì al club que me regalen una camiseta firmada por Cristian Pavòn, el argentino ex boca que juega en Galaxy, por què Mendoza es hincha de Boca Juniors desde chico” asegura.

En 2018, Cousin Feo publicò los àlbumes “A Little Caviar” y “Creme Fraiche” junto a Keor Meteor, productor francès, en los que los nombres de las canciones llevan el apellido de jugadores històricos del mismo origen. “Me gustaría ir haciendo lo mismo con cada país, siempre con artistas originarios del lugar que elija”, explica el artista que en este momento se encuentra trabajando en un disco sobre jugadores holandeses acompañado del productor neerlandès NorthLake y asegura que este año va a lanzar proyectos en julio, agosto y septiembre, uno por cada mes.

 

EL RAP, EL CINE Y LOS RAPEROS.

Por Gian Lisanti – @itnasilnaig

Cuando se me propuso escribir sobre raperos actores creí que era una idea hueca. Para sumarle a mi desilusión, aburrimiento, googleé sobre el tema y me encontré con, mínimo, tres páginas de: “Raperos que se pasaron a la pantalla grande”, “¿Qué pasó con…”, “5 actores que no sabias que rapeaban”. Y para sumarle tristeza a mi desilusión, todas esas páginas eran copias unas de otras, ninguna agregaba nadie nuevo, e incluso otras copiaban exactamente el mismo texto. ¿Qué sentido tendría agregarle a Flow una nota sin originalidad?

Por eso, en vez de que leas lo mismo que podés leer en otras mismas veinticinco páginas, te propongo algo diferente. Ya sabemos, vos y yo y todo el mundo, cuáles son los actores raperos, todes tenemos las mismas películas en la mente. Para quitarme esta responsabilidad de encima empiezo en este mismo momento: “8 Mile”, Eminem haciendo de Eminem, y el primer Oscar de mejor banda sonora a una canción de rap como fue Lose Yourself. Debo confesar que cuando me di cuenta con los quince, dieciseis años que tenía cuando la vi, que la persona parecidísima a un rapero era el mismo Eminem me sorprendió.

Mayor fue mi sorpresa cuando me di cuenta que el papel de Nick Persons, un deportista frustrado, una persona egoísta, humillado bastantes veces por un niño y una niña, en la película “¡Quieren volverme loco!” era uno de Niggaz With Attitude: Ice Cube, o en realidad, el actor O’shea Jackson, que pasó del gangsta rap y el fuck the police a una comedia familiar con un final sensiblero. Es gracioso, aceptemoslo. Y ya que nos fuimos a un grupo bien característico de la West Coast: Dr. Dre y Snoop Dog. Para sólo mencionar las películas más conocidas en las que trabajaron, el primero cumplió un papel secundario en “Día de Entrenamiento”, la de Denzel Washington; de Snoop, según wikipedia, tenemos más de veinte películas para elegir, y creo que la más inolvidable es en “Scary Movie 5”, corriendo en un bosque después de haber robado de una plantación lo suficiente para armarse un porro más grande que él, junto al fallecido Mac Miller. En “Starsky y Hutch” seguro lo recordarán también. También tiene un documental en Netflix en el que muestran su proceso de descubrimiento para su nuevo a.k.a: Snoop Lion.

¿Quiénes más de esos que reconocemos al toque que son raperos? 2pac, Dr. Dre, 50 cent, Queen Latifah, Ludacris, Vanilla Ice, Dmx, Ja Rule, Mos Def, Common. No voy a enumerar las películas en la que estuvieron porque eso lo encuentran en cualquier otra página, pero esta nota no termina todavía.

En otra categoría me gustaría poner a ya reconocidos actores que tienen un pasado rapero oscurecido, esos que no tenías idea que hicieron temas, fueron parte del hip hop y hoy son estrellas en Hollywood. Si te digo “Ted”, la del osito de peluche bien guanaco, “Transformers 5”, “Guerra de papás”, ¿se te viene algún rapero a la mente?… Mark Wahlberg a.k.a. Marky Mark, estuvo durante los primeros tres años de los ´90, en un grupo que se llamaba Marky Mark and the Funky Bunch, alentado por el éxito cercano de su hermano en New Kids on the Block,. El primer LP que sacaron tuvo dos éxitos pero el segundo no generó mucha repercusión. Mientras, Mark conseguía muchos trabajos de actuación y modelaje porque era considerado un sex symbol llegando a pegarse más como actor que como rapero. El segundo que necesito colocar en esta lista es el super célebre Will Smith. Ni hace falta que mencione sus películas, lo adoramos, lo seguimos pero los jóvenes, quienes lo vimos por primera vez en “Hombres de negro” ni nos imaginamos que durante los últimos años de los ´80 era MC The Fresh Prince. Tan exitoso fue en un trio que formó y tanto fue lo que ganó, que el Tío Sam le contabilizó una deuda de 2.8 millones, llegando a embargarle propiedades e ingresos. Por esto, firmó con NBC para hacer “The Fresh Prince of Bel-Air”. Desde este instante hasta hoy, Will tuvo una carrera impresionante en las pantallas. Sacó un par de temas durante la década anterior pero no son nada impresionante.

Para terminar, el toque nacional: el Dto lo hace bien y se mete en El Marginal. Una escena en el patio, tirando un free, con el beatbox de otro preso pero todo muy en segundo plano. Otro punto obligatorio para agregar en este párrafo es la serie Broder, en la que están como personajes Núcleo, Klan, Mphdela, chino a.k.a CNO, Frane, Urbanse, Rebeca Flores y mil raperxs más, djs, bboys y bgirls; también El Triangulo Estudio aparece como locación recurrente. No sorprende este plantel si consideramos que la serie gira alrededor del hip hop como forma de expresión para pibes y pibas de los barrios. Vale remarcar que muchos portales la presentan como la primer serie de hip hop de Latinoamérica. Continuando con series, en el último mes se confirmó la presencia de Wos en una serie que se estrenará de Netflix. Para terminar, una película que todavía no se estreno y todavía no tiene fecha es Panash, en la que podremos ver un elenco bien rapper con la participación de Homer el Mero Mero, Real Valessa, Lautaro Rodriguez, Rayo y muchxs freestylers que si buscas el trailer vas a descubrir.

Antes de que te vayas, quiero aclarar que las divisiones que hice son puramente subjetivas. Seguro vos sabias de raperos actores que yo no, y capaz algunos de los actores que mencioné ni tenías idea de que rapeaban. Les invito a que me cuenten en comentarios cuáles conocías, cuáles no, quién me falto y si conoces a alguien de estas tierras que haya participado como actor o actriz.

 

 

 

CONOCEMOS A LA ASOCIACION BREAKING ARGENTINA

Por Mana Randazzo – @mana.randazzo

En el 2018 se celebró en Buenos Aires una nueva edición de los Juegos Olímpicos de la Juventud apareciendo uno de los elementos del Hip-Hop representado como categoría deportiva, el break dance o breaking. Dos años después, nace en nuestro país una asociación con la responsabilidad de trabajar en pos de la profesionalización de este elemento, danza, arte y deporte.

Se trata de la Asociación Breaking Argentina (ABA) una entidad dedicada a regular, fomentar, formar y profesionalizar el breaking en Argentina.

ABA está representada por: Micaela Ciordia (presidenta), Natalia Figueredo (vicepresidenta), Valeria Vieytes (secretaria), Cristian Perez (tesorero), Gastón Todini (primer vocal) y Saturnino Lencina (segundo vocal). Si bien, cada uno de ellos tiene una historia interesante que contar, hoy el centro de la nota será sus acciones y aportes como asociación para la cultura del país argentino.

Durante el verano del año en curso, ABA estuvo dictando talleres para chicos en lugares como el Parque Sarmiento, Polideportivo Colegiales, Martín Fierro y Parque Avellaneda. Más de 5.000 niños y niñas disfrutaron con estas actividades teniendo su primer acercamiento hacia la cultura Hip-Hop que tanto apasiona.

Para lo que resta de este año, la asociación tiene como meta generar un acercamiento con la comunidad y afianzar la unión de los actores mediante la confianza y el compromiso. El foco está en la concientización, sobre la importancia de que exista una organización que represente profesionalmente del breaking. Y para coronar, están proyectado la ejecución de implementar lo que llamarán la “Liga Femenina de Breaking y Fomación” institución que representará a las deportistas mujeres de esta categoría deportiva en todo el país.

El trabajo que viene llevando adelante ABA le ha permitido tener sólidos vínculos con organismos públicos tales como la Subsecretaría de Deporte, Ministerio de Educación, Ministerio de la Mujer, Género y Diversidad, ONU Mujeres, Unión de Federaciones y Entidades Deportivas Metropolitanas (UFEDEM).

Revista Flow accedió a hablar con Micaela Ciordia (Presidenta de la Asociación Breaking Argentina) y le preguntó con relación a que los motivo, a todos los integrantes de ABA, a trabajar en conjunto por la profesionalización del breaking.

“La Asociación Breaking Argentina es el resultado del notable crecimiento, en nuestro país, del Breaking y todos los elementos que lo acompañan. Es una realidad concreta que nos sentimos responsables de ayudar desde nuestro profundo respeto y admiración por esta Cultura Hip Hop. Decidimos unimos en pos del desarrollo, asegurando una representación que mantiene los valores y fundamentos de la cultura para las próximas generaciones, siendo un núcleo conector donde todos podamos contribuir desde nuestro rol, individual y colectivo”

Estos son los primeros pasos de una Asociación que dará que hablar en poco tiempo, han sido pioneros en lo que hacen y les queda un largo trecho que recorrer para que esta nueva disciplina deportiva, y antigua danza, ganen el terrero que se merecen en la cultura nacional y en todo el mundo.

Celebremos las decisiones de estos emprendedores amantes de la cultura de la doble HH y ayudemos a difundir sus actividades y acciones para que llegue la información a más personas. Sobre todo, no entremos en discusión de si el breaking es o no un deporte, claramente lo es desde la connotación del concepto de la palabra deporte, no perdamos tiempo en esto y centremos atención en lo que verdaderamente importa… el crecimiento profesional del break dance.

 

PARA VER EN CUARENTENA: LA ORIGINALS.

Por Nazareno Quiroga – @nazareno.jpg

El pasado 10 de abril Netflix sumó a su repertorio otro documento que nos invita a sumergirnos en el movimiento  Hip Hop. Estamos hablando de “LA Originals”, un documental producido por Sebastián Ortega y dirigido por Estevan Oriol, que nos adentra en el movimiento urbano del Hip Hop surgido en Los Ángeles entre fines de los 80 y toda la década del 90. Este material cuenta la amistad entre el director de este documental, Estevan Oriol, y su amigo el tatuador y graffitero Míster Cartoon. Ambos se conocieron a principio los 90s.

 

Estevan Oriol fue reconocido por su dedicación a la fotografía, carrera en la que comenzó con una cámara que su padre le había regalado. Su carrera en la cultura Hip Hop arranca cuando emerge como manager de gira de las bandas House of Pain y Cypress Hill. En los 90 Estevan conoce a Marcos Machado a.k.a Mister Cartoon, un artista graffitero mexicano que a temprana edad fue a vivir a Los Angeles donde pintaba con aerógrafos sobre unas remeras los autos lowrides de gente que conocía con sus nombres arriba y se las vendía. El estilo de Cartoon tomaba las bases de sus raíces chicanas. Más tarde aprendió a tatuar y se inspiró en la estética de los carcelarios de California, que utilizaban líneas finas de colores negros diluidos para crear la sombra y profundidad en los tatuajes ya que no tenían acceso a tintas de colores.

Desde que Estevan Oriol y Cartoon se conocieron comenzaron a trabajar juntos, llegando a tener una íntima amistad. El documental está lleno de diferentes archivos videográficos y fotográficos logrados por el mismo Estevan que nos muestran cómo era su día a día. Las giras de House of Pain y Cypress Hill que Estevan Oriol organizaba y junto a él iba Cartoon cuyos tatuajes eran codiciados en el ámbito Hip Hop en esa época. Podemos ver tomas en que Cartoon está tatuando en la intimidad a artistas de talla de Eminem, Method Man, Xzbit, Kobe Bryant y Beyonce. Durante LA Originals, Mister Cartoon, afirma: “Entre al mundo de la música y ni siquiera toco la guitarra”. Estevan supo ver ese movimiento que se estaba gestando y decidió registrar todo lo que podía y comenzó a vender sus fotos a reconocidas revistas. Ambos llegaron a realizar trabajos increíblemente exitosos, desde el logo y las fotografías de Cypress Hill, hasta trabajos para Nike, graffitis, murales y los tatuajes del legendario juego, GTA San Andreas.

Este documental nos muestra como ningún otro los orígenes de la cultura californiana que nace en medio de la violencia que existía en los años 90 en Los Ángeles. Entre los gangster, los lowrides, las drogas y los graffitis emerge una nueva forma de expresión artística, de la cual Cartoon y Estevan fueron grandes referentes e impulsores. En plena capital de los indigentes y uno de los barrios más picantes de Los Ángeles, Estevan y Cartoon le dan forma a Soul Assasains Studios. Ahí hacían tatuajes, filmaban videoclips, sacaban fotos y personalizaban autos. Por ese lugar pasaron celebridades como Snoop Dogg, Too $hort, Timberland y Kim Kardashian que se tatuaban y se fotografiaban a cuadras de vagabundos durmiendo en carpa y pandillas vendiendo drogas.

Muchos estigmas que antes existían han sido desarraigados gracias a artistas como Cartoon. Un pandillero que brinda su testimonio en el documental dice “Cuando nos tatuábamos nosotros éramos unos marginales. porque la sociedad nos rechazaba. ¿Y ahora se los hacen porque la sociedad los aprueba?” Podemos apreciar en este material una reivindicación de los valores en diferentes áreas del arte. Como los tatuajes, los grafitis, las fotografías, las tipografías y hasta la dirección de un manager son importantes para lograr la potencialización de cualquier movimiento artístico.

Una excelente opción para cualquier fanático del GTA San Andreas, los tatuajes, los autos o el rap “LA ORIGINALS” ofrece una amplia cantidad de documentos de la época de los 80, 90 y 2000 de la mano de los ojos de Estevan Oriol quien supo ver y registrar el Hip Hop con la subjetividad de quien vivió rodeado de él toda su vida.

BASTA PARA MI, BASTA PARA TODAS.

Por Melani Garcia Tapia – @abraencabrada 

Esta nota de opinión, más que de opinión, es una nota de sensaciones. Una relato sin matices. Un escrito crudo, crudísimo sobre nuestro presente. Un pedacito de la realidad de nosotras las MUJERES.

Empiezo por lo mínimo. Arranco por salir a la calle. ¿Qué tema ese no? Porque solas o acompañadas estamos condenadas a recibir ese maldito y puto balbuceo. Ese que dura segundos en la boca de un pajero pero que queda impregnado en nosotras durante años. Si, años, lo leíste bien.

De cada 10 mujeres,  9 recuerdan con asco, odio, rechazo y muchísima indignación este acto paupérrimo que tienen los pajeros cuando ven venir a una mujer.  ¿Les parece loco no? Pero de verdad, no importa el tamaño, el color, la nacionalidad o la ropa que vista ese día que por la simple razón de ser mujer, estamos obligadas a recibir lo que ellos llaman “piropos” y nosotras  “acoso”. Luego de haber charlado con muchas mujeres de este tema, luego de haber buscado diversas  sensaciones y puntos de vista (entre ellas amigas cercanas), me veo en la obligación de contar mi REALIDAD, la realidad de (casi) todas.

Empecé a escribir esto,  en realidad a vomitar las sensaciones que tuve el día que volvía de vacunar a mis dos hijas. Aquel día al pisar la vereda me encontré en una jungla de animales hambrientos.  Me miraban, me hablaban y me hacían sentir una presa. Por momentos me hacían sentir que yo era su comida.

Aun tratando de sentirme parte de la especie, pedía por dentro que no me hagan daño. Ni a mí ni a mis hijas. ¿Suena exagerado no?  Pero les juro que el daño que nos hacen es inmenso. Nos llenan de asco, miedo, inseguridades. Nos llenan de odio, de impotencia.  No se imaginan realmente la sensación, el daño con el que cargan mis hermanas,  mis hijas cuando sienten tu acoso.

Ese día tenía intenciones de entrar a una muebleria. Estaba con ganas de hacer una remodelación en mi casa y era el momento justo de matar dos pájaros de un tiro. Por eso, al volver del Hospital, pase por la puerta del local y como suelo hacer me permití observar el interior del mismo. No quiero sonar exagerada pero entrando a un comercio en el que hay solo tres hombres siendo mujer, existen más probabilidades de pasarla mal que de sentirte cómoda. Vuelvo a repetir no quiero sonar exagerada pero lamentablemente es la realidad en la que nos envolvemos cada vez que tenemos que salir a sobrevivir en esta maldita ciudad gótica.

Las mujeres caminamos ya sabiendo por que vereda “es mas conveniente” caminar. Y gracias a un sexto sentido innato, desarrollamos la capacidad de saber cual  será el  siguiente homosapiens con el que  vamos a tener que lidiar. Los olemos, los intuimos. Hay veces que los vemos venir y ya estamos  pensando de que modo evitar o humillar al hijo de puta. Y cuando eso sucede, siempre existe una manera insólita de menospreciar una actitud asquerosa y que realmente nos tiene podridas. No estamos locas, no exageramos, no mentimos, no provocamos. ¿Entienden eso?

En Argentina el promedio de femicidios y las denuncias por abuso y acoso son alarmantes. ¿Realmente seguís creyendo que lo que haces se define como “piropo”?  ¿De verdad sos tan idiota como para acosar a una madre embarazada o a una madre con sus hijxs creyendo que vas a poder concluir algo? O lo haces por el simple hecho de sentirte más piola con vos y tus amiguitos?  ¿De verdad crees que nosotras necesitamos de tu acoso para sentirnos más lindas y seguras?  ¿Pensaste alguna vez en el miedo con el que caminan mis hermanas, aquellas que fueron violadas por enfermos como vos? ¿Pensas en la incomodidad  que le generas a mi hija de 7 años cada vez que te tiene que escuchar? ¿Te parece justo que tengamos que evitar, postergar , defendernos, ignorar y pasarla mal cada vez que tenemos que salir a sobrevivir solas?

Espero que entiendas la lección. YO YA ESTOY CANSADA, NOSOTRAS YA ESTAMOS CANSADAS.

PD: Con esto quiero encender la luz y alumbrar lo que siento. BASTA PARA MI, BASTA PARA TODAS…

 

Foto Nº 2: Karina Billa.

«ME CONSIDERO FRÍAMENTE UN NARRADOR»

Por Nazareno Quiroga – @nazareno.jpg

Allá por el año 2014 en Junín, Buenos Aires, se realizaba una competencia de Freestyle llamada “El coliseo de la rima”, la misma fue una semilla que permitió la expansión del Hip Hop en ciudades del interior. A este evento asistía gente de todas las ciudades de la zona para medirse en batallas, que luego poco a poco fueron evolucionando para crecer en el campo artístico musical. Entre muchas personas que concurrían a regar la semilla del Hip Hop o acercarse a ella tuve el gusto de conocer a Emiliano Minchilli un rapero de Chacabuco nacido el 17 de Enero de 1997. Hoy Emiliano es conocido bajo el seudónimo de IEMAI y su último trabajo es el disco titulado IEMAI.

¿Cómo llegaste al rap?

La primera canción que escuche fue «El juego de la vida» de un loco de México que se llamaba Dyablo, antes de eso escuchaba reggaetón y boricua, Héctor el Tito, venía de esa escuela y de ahí pasé a lo yankee, esos que no es necesario andar nombrando, Jay z, Dr Dre, Eminem.

¿Quién es Emiliano cómo rapero?

Emi es una etapa como rapero. Yo me dedico al hip hop hace 8 años de manera profesional. Empecé en el ambiente del Hip Hop bajo el seudónimo de E.M.I que es un acrónimo de Evolución, Marca, Imaginación. Empecé haciendo mixtapes en la ciudad de Chacabuco. En ese momento en Chacabuco no había movida imagínate que empezaron a juntarse en las plazas en el 2014, yo arranque a fines del 2012 y era grabar mixtapes y nada más. En 2013 creo que grabe dos mixtapes, en 2014 grabe uno más y ese año nace GarageStudios donde grabo toda mi discografía hasta el año 2016 que me radico en La Plata donde saco mi disco Kefren.

¿Cómo fue la transición de Chacabuco a La Plata?

Bien, fue algo copado, más que estudiar me quise venir a buscar la vida, a empezar de cero. Logré adaptarme muy rápido y considero que venir a vivir a esta ciudad fue una de las mejores decisiones que tome en mi vida, ésta ciudad me cambió muchísimo y para bien.

Bien, es un cambio interesante mudarse desde el interior donde la movida es de menor magnitud y de ahí venir a una ciudad que está casi pegada a la capital del país. ¿Te chocaste con alguna diferencia con respecto a cómo se vive la escena del Hip Hop en La Ciudad de La Plata?

Si, cambian muchísimo las oportunidades, como la gente percibe el rap. Es una cosa muy del interior ¿No? Como ser muy de pueblo y al no haber tantas oportunidades la gente no se toma el Hip Hop en serio. Esta ciudad no llega a ser tan grande como Capital pero es grande y es un lugar donde la cultura y el arte siempre estuvieron de la mano, acá paseas y si ves diez graffitis en la calle es poco. Entonces en un punto está tan normalizada la cultura y el arte que se hacen mucho más apreciables los campos artísticos. Hay muchos centros culturales que promueven la cultura y el arte, promueven talleres y entonces se hace mucho más fácil emprender una carrera artística acá. Obviamente me refiero a emprender una carrera artística en los términos de salir a mostrarte porque en términos formales hacer carrera artística es más difícil en Argentina.

Ya estando acá en La Plata cambiaste tu nombre artístico de E.M.I a IEMAI ¿A qué se debe?

Tiene muchísimo fondo. Primero y principal quería evolucionar como artista, y por otro lado sentía que estaba viendo las cosas de otro modo como persona y lo artístico está muy conectado con mi persona, lo que me pasa en la vida se ve reflejado en lo que hago musicalmente. Por otra parte es una manera de tener más llegada y de mostrarme debido a que como E.M.I nunca pude tener una página de Facebook para difundir mi material, porque si queres hacer carrera artística hoy en día la mejor forma de mostrarte es Instagram que de hecho me parece la única red social decente para mostrar lo de uno, segundo porque E.M.I siempre tuvo que ponerse con los puntos sino no tenía sentido y eso me limitaba porque no me encontraban o ponían mal el nombre. Entonces IEMAI me pareció un nombre más original y mejor para llegarle a la gente. En el 2018 me metí muy de lleno en la fotografía social. Empecé a cubrir eventos y a trabajar mucho, y me puse ese nombre en Instagram y la gente ya me conocía así porque sacaba fotos por todos lados y las exponía o las vendía y dije “ya está, queda así” De acá nace el disco “IEMAI” que yo lo considero el disco debut y que salió junto al de “ChakaPlayers”. Ahora estamos puestos para salir a presentar el disco, negociando algunas audiovisuales y listos para salir a tocarlo.

¿Entonces IEMAI por un lado significa un cambio de ciclo y por otro por que tus trabajos fotográficos los conocían con ese nombre y te ayudo a posicionarte en las redes? ¿Encontraste una relación entre la fotografía y el movimiento del Hip Hop?

Si, hoy en día se apuesta muchísimo a cómo te mostras. Hace 5 años era poner una foto cualquiera y subirla, hoy los pibes están más enfocados en el contenido audiovisual, en fotos, en mostrarse bien a nivel industria y eso me parece que está buenísimo. Es algo que ya tendría que haberse hecho pero bueno, es importante que la gente se esté dando cuenta ahora.

¿Cómo definirías la estética de IEMAI?

Como complejo. Mi música promueve la versatilidad en los géneros, pero yo no soy fastfood, a mí me tenes que digerir sentado y pensando para buscarle la vuelta. Me gusta esa vaina de esconder conceptos y códigos, para que se pongan a pensar que estoy diciendo. Ese es el efecto que busco causar en la gente. Se debe a que me he influenciado mucho con Ziontifik, en un punto me gusta contar historias con mi música y los recursos audiovisuales del cine me ayudan mucho. Es la forma de estética en la que quiero mostrarme, para romper con el estereotipo del rapeo a cámara, que eso al menos tenga un sentido. Entonces me sirve tomar la escuela de estudiante de cine para poder plasmar eso en mi material.

¿Qué buscas transmitir con tu música?

Yo me di cuenta que soy un narrador en el Hip Hop, tengo la habilidad de contar historias y es lo que siempre me gusto hacer en cualquier rama artística en la que me desempeñe. Mi objetivo ahora es contar cosas, historias personales, que viví o de otros. Me considero fríamente un narrador.

Bien, por último y para cerrar ¿Qué opinas de la escena del Hip Hop Nacional?

Se está formando una industria de a poco, todavía es muy virgen, pero está impulsando muchísimo. Los movimientos del Quinto Escalón y el Halabalusa impulsaron mucho todo. Hoy en día está volviendo la cultura de que haya bandas, se respeta a la gente que hace material musical para que se disfrute y quiere participar de la escena de esa forma, en los eventos se les da más lugar. Yo apuesto por eso, creo que la verdadera industria es esa, el año 2020 va a ser un año muy importante para eso.

¡Gracias IEMAI!

 

Podes escuchar su disco completo acá