Top Five – Los mejores de la década by Chavo Ruiz

Cuando termina un año se hacen balances, rankings, lo mejor y lo peor. Analizamos como fue en todos los rubros. Y el fin del 2019 tuvo una particularidad especial, ya que era el cierre de la década. Entonces esos ránkings, que nos encanta hacer, se incrementan notablemente. Y uno no escapa al desafió de hacer uno. Por eso, en Revista Flow, vamos a hablar de los 5 mejores discos de Rap Argentino que fueron editados en esta década.

Tengo que aclarar varias cosas antes de empezar a hablar de estos discos. La lista no es un ranking, aunque quizás lean cual es para mi el mejor, opté nombrarlos en orden cronológico. Deje algunos discos afuera de amigos que considero que tendrían que estar, pero mi cercanía con ellos hace que pierda objetividad, y es por eso que no están. Tal vez, el que lea esto no este de acuerdo y le parezca que falta algún disco. Pero es una lista ultra subjetiva y que se rige en el gusto del que la escribe. Nadie es dueño de la verdad y mucho menos si hablamos de arte.

FIANRU «Blanco & Negro» (2014) 

Este disco es el tercer disco solista de Fianru, la producción esta a cargo de UZL. Podríamos considerarlo un ep porque tiene siete temas. Y a mi entender es un disco que marco una tendencia en el rap argentino. Ya que después varios artistas usaron el mismo estilo de beats y muchos mcs copiaron el spanglish de las líricas.

El concepto del disco se puede encontrar en su título, desde la tapa, el sonido, las letras, la temática, todo tiene que ver con la oscuridad y la luz que tienen las noches de Buenos Aires. Fianru y Tikranz crearon una banda sonora para recorrer el sur de la ciudad cuando la luz del sol se va. Todo lo que escuchamos en canciones como «Donde conspira» es lo que podríamos ver en la ciudad desde la ventana de un colectivo que viaja por la Av. Saenz cuando recorre el barrio de Pompeya.

UZL le dio el terreno donde Fianru puede demostrar porque se merece el título de referente dentro de Rap Argentino. Las colaboraciones del disco son excelentes, Aspeck, Orion XL, Bib Deiv y Dj Destroy.
Este es un trabajo que nació clásico, uno de esos discos que te gustan desde el principio y que cuando lo volvés a escuchar te das cuenta porque se merece estar en este ranking…

Devak24 «Antes es vivir que filosofar» (2015)

Devak es un estandarte del underground matanzero. Uno de esos personajes que vivieron 10 vidas. Lleno de experiencias que uno jamas se atrevería a vivir. Y este disco doble lo demuestra desde el principio, un disco que a mi modesto entender, es el pico del rap under argentino. Un trabajo que demuestra que no por ser under hay que sonar mal, que también en el under hay gente que se desvive para que el producto terminado suene casi perfecto y lo que le falta quizás sea la causa de que sea under.

Como el arte de tapa lo muestra es un disco de cuarto oscuro, de laboratorio, de estar sentado 24 horas hasta que el tema quede bien. Como me dijo Devak «Un disco prolijo, para gente exigente». Casi una hora y media de beats low fi con líricas oscuras llenas de humo, de esos bondis que recorren la ruta 3.

Tambien entre todo ese humo hay temas como «Un solo cuento» una especie de G- Funk matanzero que tiene la colaboración de Iluminate. Si hablamos de colaboración A.Q.V.F es una maravilla. Esta lleno de exponentes que elevan el disco sin opacar al mc principal. Porque si bien hay muchos mcs buenos, jamas perdemos de vista que Devak es el principal y el que lleva la dirección. Me da la sensación, que el disco va en un viaje al que se van subiendo diferentes mcs para compartir un tramo de ese viaje con Devak.

Podría decir que «Perímetros» es mi track favorito, tema que cuenta con la participación de Aspeck y M.O. Pero no podría dejar de recomendar «Bushido», «Moais» con Fraktal, Don Bass, Boriyan Zoo, El Juan y Posmer.
Lamentablemente es un disco que no tuvo la repercusión que sin dudas tendría que haber tenido. Por eso les dejo un consejo, si están leyendo esto y jamas escucharon este disco, no pierdan mas tiempo, se van a encontrar con el secreto mejor guardado del rap under argento.

Orion XL «Kaos & Armonía» (2015)

Entreviste a Mauro Verdi (Myt Beats) a mediados del 2014, me trajo algunos temas que iban a formar parte del nuevo disco de Orion XL. Antes de salir al aire los escuchamos, si mi memoria no me traiciona el primer tema que escuche fue «Reason N’ Power» y me explotó la cabeza. ¿Qué era ese tipo escupiendo verdades como una ametralladora? ¿Ese estribillo? ¿Ese beat? ¿Esos hammonds? Mientras, Myt me explicaba que eran músicos de Afromama. Cuando pude reaccionar lo único que le pude decir fue: ¡Esto es una bomba loco!

Casi un año y medio después, me pasó el disco completo y pude comprobar que los temas pueden mejorar su versión demo y pude comprobar lo qué me dijo Mauro: «Hoy pude contar con la gente para producirle al Chino el disco que siempre quise hacer con el».

Kaos & Armonia es la perfecta conjunción entre el mejor Mc argentino y un equipo de producción que trabajo para bridarle un escenario donde poder demostrarlo. Ese equipo tiene tres cabezas, el mencionado Mauro, German Vidal (Cerebro de Afromama) y Demian Marcellino (guitarrista de Los Cafres).

¿Qué más decir de este disco? Álbum que considero el mejor disco de Rap Argentino de toda su historia. Un disco que demuestra que un rapero puede meterse en cualquier estilo y seguir sonando Hip Hop. Porque podemos sumergirnos en el universo majestuoso que nos propone «Epifanía». Hacer pogo rockero con «Cuarto Mono» El tema donde la bateria orgánica escapa de tantos intentos fallidos de poner un baterista en una pista rapera. Hay reggae, balada, rap clásico, funk. Es un disco muy musical, un laburo irrepetible.

Cada vez que lo vuelvo a escuchar, le descubro sonidos nuevos, el disco que demuestra que un rapero ante todo, es un artista y que esos discos que nos hicieron enamorar del género, también se pueden hacer en Argentina.

Mario Castro » El G-Funk desde el Barrio» (2016)


Mario Castro es un Mc del barrio de la Boca, el máximo exponente Argentino del G-Funk. Uno de los raperos más reales que pisan nuestro suelo. Para este tercer disco editado en el año 2016, se junto con los chicos de Grey Music Family y de esa forma pudo lograr su trabajo mas prolijo. «El G-Funk desde el Barrio» es un disco dedicado a los barrios bajos, enfocado al Barrio de La Boca. Dedicado a la gente humilde que es discriminada a diario en nuestra ciudad, a los que no tienen voz, con un lenguaje callejero que escupe verdades, que a veces, solo entienden los que viven esa realidad a diario.

Si hablamos de los mejores temas del disco podemos nombrar «Lo Malo Pasa», «Hoy Dejame Lai» y «Disparando con odio» por nombrar solo tres, porque los 12 temas son tremendos. Todo fan del G-Funk tradicional californiano debería escuchar este gran disco que demuestra que el buen gusto también vive en los barrios bajos de la Argentina.

Kraneando Actividad «El secreto que hay que saber» (2017)

Este es el segundo disco de Kraneando Actividad, el dúo formado por Antuzapien y Sudaca. Un disco que esta dentro de los mejores del rap argentino. En este trabajo el dúo trabajó muy duro para lograr un producto super profesional, y mas allá de que hay temas que suenan con el clásico sonido del genero, podemos encontrar temas como «Soy un idiota» o » Bastante Picante» que son bastante jugados para una banda de rap. Esa búsqueda es para mi, el concepto del disco, como si el secreto es saber hacer rap navegando distintos estilos musicales.

Para lograr eso se juntaron con músicos que entendieron esa búsqueda y permitieron que esas ideas fueran plasmadas en la pista. En este disco, Sudaca, demuestra que mas allá de ser un buen beatmaker también puede ser un productor que sabe buscar músicos para desarrollar las ideas que tiene para sus beats. Y también pone al Antu al nivel de los grandes Mcs de Agentina. Se lo nota súper cómodo en todos los tracks, como si fuera navegando con fluidez por todo el disco adaptando su rapeo a lo que le exige cada pista.

Creo que este segundo disco de Kranenando, les mostró un camino jugado. Camino en el cual se sintieron cómodos y que van a seguir transitando de ahora en más.

Como dije al principio, las listas siempre son polémicas o discutibles y nadie tiene la verdad en materia de música. Pero estos cinco discos, para mi, fueron trabajos muy destacados en materia de rap durante la última década. Para vos ¿Cuáles fueron los 5 discos más sobresalientes de la década?… El Chavo Ruiz pa lo que uste mande…

Por Javier «el Chavo» Ruiz (@chav079)

MILTON – MAIRES (2019)

Si bien no hay una definición consensuada que lo distinga, un álbum puede considerarse tanto como un disco o como una mixtape. La diferencia reside básicamente en la composición de sus tracks. Podemos discriminar dos tipos de temas: los que tienen un eje y un mensaje definido y los que divagan por los pensamientos del artista. No hay mejor ni peor, los dos tipos tienen su función. La belleza particular de los temas “sin eje” es que se disparan frases para todos lados con un hilo definido o no y a cada nueva oración el rapero o la rapera se definen de a poco a sí mismos, ideológica y sentimentalmente. A veces nos olvidamos la importancia de encontrarnos en el arte (cual fuere) y de su función terapéutica de entendernos. Como dice Nach en su tema Manifiesto: “Solo ante el papel puedo eliminar tensión, el me entiende y no me cobra 80 euros por sesión”. Apuesto que a Freud le encantarían los mixtapes mucho más que los discos. 

Hoy traemos el último trabajo de Milton (@27z7_m). Milton es un rapero, beatmaker, productor proveniente de Ituzaingo/Castelar, también es el creador de Tres Rombos Tres, el homestudio que precisamente está en su casa donde graba artistas y cocina sus beats. El proyecto se titula Maires, fue publicado el pasado 2 de junio en el canal de Youtube de “Tres Rombos Tres” y dura un poquito más de media hora. Consta de 10 tracks, una intro y 9 temas, entre los cuales encontramos colabos con J-ko, Oriental y Stepario . Las partes técnicas estuvieron a cargo de Damian Gagliardi en la grabación y la mezcla; y de la masterización de Pablo Nelken, todo en Estudio Kenobi.

El arte de tapa estuvo a cargo de Florencia Spinelli. Juzgando al libro por la portada ya nos damos una idea de lo que pinta el panorama. El título y el autor están en dos esquinas enfrentadas, para no molestar a la escena. Es predominante un fondo negro, y si bien no hay indicio de que haya pisos o paredes, todo se transforma en una habitación al haber una pequeña ventana en el centro corrida un poco hacia la derecha, ese pequeño detalle de que no esté enfocada en el centro también acentúa la idea de que se trata de una habitación a oscuras, de otro modo hubiese parecido simplemente una ventana chica en un grueso marco negro. No se llega a ver muy bien que hay detrás de esos vidrios, parecería ser que hay un par de edificios dados vuelta, de todas formas la incógnita presta un poco a la imaginación. ¿Qué nos dice todo esto? Bueno, si bien la sensación es de estar viendo dentro de la cabeza del artista no parece ser algo introspectivo, todo lo contrario, porque la ventana deja en claro que se está viendo hacia fuera. Aún si lo que hubiese detrás de la ventana fuera El Jardín de las Delicias o el Infierno de Dante, todo está completamente condicionado por desde donde sale la mirada: el cuarto completamente a oscuras sugiere negatividad, encierro, vacío, sombra, una actitud pasiva ante la inconformidad, quizá desganada y sobre todo, una completa ruptura entre el mundo interno y el externo como un todo, estar en paralelo de lo que hay afuera

Yendo al mundo sonoro, hay una fórmula que se repite en casi todo el disco: sample opaco y misterioso, caja suave y bombo grave. La bata mantiene más que nada el ritmo, sin robarse el protagonismo repiqueteando. La mezcla tiende a recortar los agudos y darle energía a las zonas más graves que representan el cuerpo, esté, bien acentuado, da la sensación de una profundidad honda, falta de brillo, opaca y proveniente de un fondo, ese cuarto oscuro del que hablábamos en la portada. En contracara también hay un uso interesante de los agudos más altos, dependiendo lo que pida la canción nos encontramos con chirridos chillones para cuando se necesita ser más tensionante y flautas, teclas o un sinte west coast para cuando se necesita ser más amable, quizá esos agudos representen a la ventana. El rapeo de Milton, en grandes rasgos, hace juegos de palabras con rimas consecutivas que van zapateando la métrica más que jugar a estructuras de premisas y punchlines.

En cuanto a las letras, como dijimos los temas no tienen un eje temático definido, pescando detalles y recurrencias se nota un gran amor hacia el Hip Hop: “Al rap lo trato como Paco de Lucía a la guitarra” dice en Reflejo Involuntario. Y es por eso también se posa en contra de quienes “escriben pero no transmiten” cuando dice en Régimen: “No quiero tu fama, solo quiero rapear”. En su crítica además apunta hacia la generación visual:  “Clips no me definen ni lo harían”, “pobres los que piensan que todo es un envase”, dice. También se planta en contra del sistema y con una fuerte posición social: a favor del aborto, en contra de agrotóxicos, con las venas abiertas y en contra del “pan y circo” cuando sentencia: “El fútbol es un robo y vos lo consumís, el gobierno cierra escuelas cuando el cambio está ahí”. Quizá sea este mismo análisis social el que lo recluye en su cuarto oscuro ya que se refiere a la sociedad como “tumultos en los que prefiero quedarme afuera”. Ese “afuera”, está bien descrito en el tema No somos números con Stepa donde hablan a dúo de las “sombras en la búsqueda de ver de otros ángulos”, “no hay stop en el cráneo” se lamentan. De todas formas, con gran sabiduría Milton nos da un poco de respiro mental cuando dice en Régimen:  “No se si es lógico dejar todo a la lógica” 

En síntesis, un disco para salirse de uno por un rato, aunque cueste, para meterse, como un psicólogo que contempla la vista del mundo según Milton desde su cuarto oscuro con su ventana diminuta. Quien quiera asomarse este 23 de agosto Tres Rombos Tres organiza “Son de Raps”, un evento fijo de rotación de mcs que contará esta vuelta con Jai 314 y Emcikre. La cita es a las 22hs en el Bar Flashback, que queda en Cnel. Pablo Zufriategui al 685, en el partido bonaerense de Ituzaingó, nuestro colega Stepario va a estar abriendo el espectáculo presentando “Fondo”, su último álbum que hemos reseñado en el último mes. Por último, comentar que el próximo 20 de agosto Milton estará publicando una beattape, una recopilación de instrumentales de distintos estilos pensadas para relajar y que además, son de uso libre. De todas formas desde acá siempre alentamos a que se le pague lo que se mere el trabajo del beatmaker que de los créditos no se come. Estense atentos a las redes, desde ya suponemos que va a estar interesante.

 

Por Santiago Sammartino (@samezoooo)

SANA – QUANTUM (2019)

Una mezcla necesaria. Sucede mucho, con cualquier tipo de género, que nos acostumbramos a un sonido específico, una forma en particular de hacer la música. Así como quien escucha tecno se volvería ansioso si se pone a escuchar música clásica nosotros también nos enviciamos con ese sonido tan clásico que nos encanta. Cada región tiene su tonada, cada cultura tiene su forma de expresarse mediante sonidos, y en orden de seguir hacia un futuro más mestizo hay que aprender a hacer convivir los ritmos. Esta es la propuesta que traemos hoy, Quantum de Sana, que fusiona ritmos de hip hop con el groove de la percusión latinoamérica. 

Antes de hablar del disco vamos a repasar un poco la historia de Sana. Se trata de un quinteto perteneciente a la localidad bonaerense de Quilmes. La banda está compuesta por Kusa en el doble rol de DJ y productor, las voces encargadas de traernos la lírica pertenecen a Gerardo Montes de Oca aka Chera, Maximiliano Ruggiero aka. Ram Das y Juan Cruz Maciel, quien también, en complicidad con Víctor Silvero se encargan del ingrediente latino. Gerardo y Maximiliano, 20 años atrás, en la década de los noventa, formaron el grupo Encontra del Hombre junto con DJ Black, Rasec y Dario Cano que fue uno de los pioneros del rap en el sur del conurbano. La banda participó con tres temas en el compilado de artistas argentinos del genero titulado Nación Hip Hop que fue producido por Zeta Bosio allá por el año 1997, disponible para su descarga acá y para los que les gusta coleccionar reliquias también disponible usado para su venta en Mercado Libre.

Pasemos a hablar del álbum. Quantum es un disco publicado por el quinteto el último 1 de marzo de este año, consta de 11 tracks, de los cuales son 7 temas y luego tiene una intro, dos interludios y un outro que se relacionan entre si. La parte técnica, es decir, grabación, mezcla y master, estuvo a cargo de Mi Casa Estudio y está disponible en Youtube y en Bandcamp

Prejuzgando al libro por la portada nos encontramos con el trabajo de Alejo Ramos en el arte de tapa, un dibujo en la cual el nombre de la banda y del disco aparecen en letras eléctricas al centro y abajo del cual rebotan chispas para todos lados que parecen destruir los edificios que hay detrás. En medio de estos, como si fuera una escena digna de Power Rangers hay dos individuos con el doble de altura de las construcciones. Uno de estos tiene forma de reptil y cuernos por todo el cuerpo, muy similar a Godzilla. Mientras el otro es un organismo biónico aparentemente hecho de metal. Estos personajes se están besando en medio de todo el caos, los chispazos y los rayos, como absortos en ese beso. De todo esto, sin escuchar todavía el proyecto, podemos presumir que se tratara de algo enérgico y potente que incluso podría llegar a ser fantasioso. Debe de tener quizá una perspectiva que busca trascender las distracciones de lo terrenal pero que no se olvida del caos que hay en nuestro mundo, así como tampoco se olvida del amor como algo más grande que las mismas ruinas.

En el sonido se destaca como agente de cambio la percusión groovera, con la capacidad de tomar cualquier bata de hip hop y transformarla en un tema de funk. Se nota que está producido en conjunto, si bien las baterías son sampleadas suena mas a como sonaría una banda que a como sonaría un beatmaker en solitario, hay más instrumentos (o emulaciones digitales) que samples o sintes, en su mayoría pianos eléctricos o violines, instrumentos que puedan aportar desde la armonía pero también nos podemos encontrar con una guitarra eléctrica o con un buen wah wah. Además, los scratches de Kusa tienen la particularidad de usar la bandeja como un instrumento mas que para solear. La vibra es analógica, funky y alegre. A esta, dentro de tracks puntuales, se le suma la fusión de lenguas como el ingles y el alemán en el feat con Jerriño, un vienés proveniente de Austria. Sumado a esto nos encontramos, en otro de los feats, la voz de La Bruja que aporta su energía femenina en forma de melodías, armonías, letras y estribillo.En cuanto a la musicalidad de los rapeos, se nota que son de esos versos vieja escuela más escupidos que pulidos, tienen un flow muy parecido al mexicano, que me hizo recordar a Cartel de Santa.

En una mención especial me gustaría destacar y analizar el tema «Cataratas». Empieza con una vibra reggae que se pone misteriosa y termina combinándolo con el tempo del trap y sus sonidos clásicos de batería Roland 808. Lo interesante de esto es que, primero, es una nueva fusión la que propone el disco, segundo, es una producción bien pensada ya que el tempo del reggae es muy lento y el de trap es muy rápido, pero son proporcionales entre sí, entonces cuando el reggae hizo un compás, este encastra a la perfección en dos compases del trap, y así se mantienen sincronizados mientras que la mayoría de las métricas están en ¾, como se estila también en el trap. Parece ser una tendencia under (porque ya lo vimos en un par de reseñas anteriores) que se anda propagando la de dedicar aunque sea un tema del disco a los ritmos nuevos y estableciendo paz con los que están de moda, demostrando así que la música que el género no tiene nada que ver con perder la esencia, es la industria musical la que se encarga de hacerlo un producto.

En la intro, los interludios y el outro nos encontramos en un sonido fantasioso, extraterrestre y en un plano espacial digno de ciencia ficción que con la voz de una mujer nos cuenta que una cápsula del tiempo llegó al mundo, dentro trajo monstruos que resucitarán de su sueño. En una segunda instancia, la voz nos cuenta que la evolución no va a ser televisada, ante esto, Sana se posiciona firme contra el individualismo considerado el mal de nuestra época. En el tercer diálogo a mujer cuenta que hay un ángel guardián oculto, un gigante con la fuerza necesaria para luchar ante los monstruos que vinieron a la tierra. Pero el outro nos dice que la única manera de despertarlo es que se llene de luz. Y de ahí viene el título, Quantum significa “una ínfima porción de luz causará una reacción en cadena hacia la felicidad”.

Pasemos a la semántica, hay muchos discos hoy por hoy que dicen en todos los temas lo mismo pero en distintas palabras. En Quantum en cambio, cada tema tiene un tópico especial, y estos se relacionan entre sí marcando un camino. En primera instancia tenemos la visión del exterior, la maldad que impera en el mundo, el control, la dominación, opresión, donde “el holocausto, colonialismo, esclavitud son legales”. Hay pobreza en el alma, y es por eso un surge “la tentación de la malicia, una dulce codicia”. Ante todo esto se preguntan en uno de los tracks: ¿por qué sera que se inclina la balanza del lado del mal y hay que esforzarse por darla vuelta?. Aunque la lucha del día a día nos nuble y el sistema nos robe los sueños Sana, luego de citar “la vida es un sueño” de Calderón de la Barca, nos asegura que estamos hecho para otra cosas, que los sueños se cumplen y lo valen, que el deseo está por sobre las opresiones. El primer paso es la autocrítica, el proceso de entender las sombras del pasado sin vergüenza y el segundo es dejar de mirarse el ombligo, también hay que entender que la mente puede ser nuestra amiga. O nuestra enemiga, como en el caso que cuentan en “Flagelo”, la historia de un pibe que ya desde los 15 años que la realidad le hacía daño y por eso se desvió del camino entre adicciones, armas y ego, siempre al filo de quedar preso, de morir y culpando al cielo de su situación. Pero hay una solución, y es prevenir: «un pibe que conoce el arte es un pibe menos que roba, que lastima, que se lastima«. La música en todas sus formas es un instrumento de libertad, hay que usarla, abusarla, siempre que se pueda, antes de que la prohíban, porque espanta los males,porque trae plenitud. Por eso, el lema es “Canta Mientras Puedas”.

Por último, cerramos esta nota comentando que SANA presentará el álbum y estrenara videoclip de su tema “Autocrítica” en el marco de la Canta Mientras Puedas Jam Sesión, que hospedada por El Búho contará con mic abierto para MCs y cantantes, un set de beats de Nico el Niño, un set exclusivo de DJ Black, y una exhibición de breakers con Ale Jaz Breaker, Jesús Abreu más invitados sorpresa. La cita es este viernes 26 de abril a las 21hs en Andén 18 (Hipólito Yrigoyen 515 – Quilmes) y la entrada es libre y gratuita.

Escucha QUANTUM acá

Por Santiago Sammartino (@samezoooo)

 

SMILEY – TORAX (2018)

Tórax es un disco conceptual que nace de querer resumir todo lo que hay dentro del intérprete, en referencia a que ésta es la parte del cuerpo que más golpes absorbe. Los dolores que no son físicos se sienten ahí… es un recorrido por esos dolores, por esos recuerdos buenos y malos.

Ese es el concepto, la palabra Tórax tiene su propio peso, genera cierto impacto, su acentuación es poderosa. Esta reseña surge para tener en cuanta a la hora de escuchar el disco e interpretar mas a fondo lo que el artista quiere transmitir. 

El arte estuvo a cargo de Santo Uno, en él, el corazón cumple el rol de un hielo que sólo ha caído dentro del tórax. Fue un arduo trabajo que tomó casi 4 años para pulir bien las letras y las instrumentales. Se grabó en El Epicentro (Estudio de ZonaZero, en Gualeguaychú), donde también se hizo la producción, la mezcla y el master. Las instrumentales fueron creadas por Santo Uno (DJ y Beatmaker de ZonaZero) excepto “Ni un vaso de agua, ni un saludo” que fue producida por Franqui Quiroga, y la del homónimo (Tórax) que fue terminada por Smiley; Santo Uno armó la melodía de piano y después se hizo el resto.

A nivel musical hay mucha composición. Tiene muy poco de simple. Claro ejemplo es “Paradoja de Rantés”, un samplazo del disco Piano Bar de Charly García que cuenta con la colaboración de muchos amigos del intérprete; Músicos: Javier Fernandez – violín en «Sin vos la vida es un error», Juan Telechea – contrabajo en «No hay que olvidar», Cesar Peña – bajo en «Prolífico» y «Entre la resaca y la humedad», Luis «Ruso» Mostto – guitarra eléctrica en «Horizonte de eventos», Luciano Angelino – órgano en «No sé por qué» . MC’s: Franqui Quiroga en «Ni un vaso de agua, ni un saludo», Reimon Blues en «El valle inquietante» y Ezeko en «No hay que olvidar».

El disco llama poderosamente la atención desde el inicio con la frase “desde el 2000 trato de dar lo mejor de mí sin ser servil al vil alfil que se cree rey”, que según el propio Smiley hace referencia sobre todo a no estar detrás de los que se creen que manejan la movida por el dañino amiguismo y centralismo que padece el rap nacional. Afirma que pareciera que sólo hay raperos en un radio de 500 metros alrededor del Obelisco y que muchas veces se olvidan del resto del país. La gran mayoría de las veces, de muchísima mejor calidad que en la capital.

Si se escucha atentamente se va a notar el uso de frases y referencia a películas y cultura pop. Diálogos de la película “Robocop”con dos posibles significados: “Tuve que matar a Bob Morton porque cometió un error”… ¿Quién es Bob Morton? ¿Puedo ser yo en una época de mi vida en la que caí muy profundo y tuve que reinventarme? Claro. ¿Puede ser otro que me decepcionó y que no podrá escaparse de mi? También. En “Paradoja de Rantés” hay frases, justamente de esta película, hechas por el mismísimo Rantés. No tienen desperdicio. “Prolífico” utiliza a Stephen King a modo de homenaje por lo que representa la escritura para él y por ser muy versátil al escribir y desarrollar sus historias. En “Horizonte de eventos” hay una pequeña frase de Neil Degrasse Tyson (Astrofísico y conductor de la serie COSMOS (la nueva). También hay muchos detalles escondidos en el disco que vienen por el lado de fanatismo por los comics, el cine, los libros y la ciencia ficción.

La presentación del disco esta pendiente pero se está gestando y pronto habrá noticias al respecto, si todo marcha bien saldrá en formato físico (Al igual que los 5 anteriores con ZonaZero). Hay un video en el canal de youtube y está disponible para escuchar completamente gratis en Spotify, Soundcloud y demás plataformas digitales.

Si tengo que destacar o elegir algo me quedo con «No miro el cine de esos que me quieren ciego, no escucho música de quien me quieren sordo, no canto letras de quien me quiere mudo..» De “Ni un vaso de agua ni un saludo”, las referencias al universo y al espacio/tiempo en «Horizonte De Eventos», lo que representa el verdadero Hip Hop y sus principios en «No hay que olvidar», la que creo debe ser la frase del disco: “Que ganas de romperle la cabeza a un cana con un libro..” y «Leer comics, mirar Star Wars y memorizar dinosaurios» que me dejó definitivamente con ganas de volver a escucharlo. Bien hecho.

*Tarea para el oyente: Descubrir e interpretar “Paradoja De Rantés”, yo ya lo se (se lo pregunté a Smiley). Si, ventaja de ser el que escribe esta reseña je!. A pensar escuchas, muy recomendado!!

 

Escucha Torax acá       

 

Por Lucas Rodriguez

@Lmentalbro

Fotos: Smiley. 

 

MILITANTES DEL CLIMAX – DÍA 4 (2018)

«…Voy a salir a matar, clavar el duro metal de modo tal que ya no puedan ignorar mi puñal…» reza el Auelo luego del tema introducción de «Día 4», nueva placa de los Militantes del Clímax. Ya en su segundo tema con su frase remarca salir con todo y a por todo. Es que la espera fue difícil, ardua, con mucho material de por medio pero, definitivamente, valió la pena. El pasado 19/10 fue el día elegido para saciar la sed de todos aquellos que esperaban ansiosos este álbum, sin lugar a dudas, uno de los más esperados del año por el publico amante del 4º arte.

Desde aquel lejano 2014 donde editaron «Climax» su álbum debut, al día de hoy han pasado muchas cosas, diversos escenarios, muchos shows y un crecimiento notable, que ha sido capitalizado de la mejor manera por los Militantes a través del tiempo y créanme que en Día 4 todo eso se nota. Con una tarea impresionante de Jonathan Vainberg, «el Buda», en la parte de ingeniería que los hace sonar de 20 puntos, este disco comienza con esa intro conocida por muchos ya que la han utilizado en varios shows. 

«Cybernauta» (así se llama la intro) le da paso al segundo track, «El Origen del Gen«, primer «corte de difusión» de Día 4, donde con un ritmo conocido y levemente modificado, el Auelo entrelaza las rimas, con una catarata impresionante de metáforas y palabras que te llevan de un lado a otro. «Es un tema de amor aunque suene oscuro» dice Benjamín. Al termino del mencionado track, llega la hora del funky bailable con «Goodbless» un tema excelente donde el cuerpo se mueve por más resistencia que puedas tener. Las comparaciones no siempre están bien, pero en este caso si hay que comparar, «Goodblees» sería el «Canapé» de Día 4.

Con «Franky» llega ese power distintivo que tiene esta banda, ese coro pesado y pegadizo que te hace elevar la mano y saltar una y otra vez. Una canción que hemos escuchado en alguna que otra presentación a modo de despedida y que sirve para dejarte allá arriba. Un tema cargado de verdades y de ironías «…el vinilo es más que plástico» afirma el Auelo, sacando a relucir su apodo y su don de viejo sabio. Pegadito llega otro track que la militancia, conoce, corea y agita, «El Huevo«, con un ritmo a modo de anestesia, este tema, relaja al anterior y ambos se complementan para conformar un antítesis rítmico impresionante que te hace subir y bajar envuelto en rimas y con un ritmo del carajo. Un sedante rítmico para darle rienda suelta a la …

Sin lugar a dudas con este álbum, los clímax, logran esparcir las dudas, luego de 4 años con algunos temas sueltos pero sin un disco de formato original. Para cerrar la primera mitad de la placa, llega «El Juez«, donde el interventor, Frank Bersi, toma la palabra y con un breve monologo hace el interludio para continuar con Día 4. Y para seguir llega «Skymood» otro instrumental al son de Simon Groover y su talento para el groove, con un punteo furioso de Magamo en la viola, el power de Tony Sanchez en la batería y la entrada a tono de los vientos junto con el notable scratch de Dj Pharuk que le prende fuego a las consolas. Un track distinto, ni bailable ni aburrido que funciona perfectamente para desembarcar en, para mí, la mejor parte del álbum.

«Más dame de eso necesito más…» el mensaje de «Diputado» track que le sigue a «Skymood«, tiene lo que se siente al escucharlo. Canción por demás pegadiza, cruda y con esas rimas cargadas de un contenido notorio del Auelo, a quien en Día 4 se lo nota fresco y renovado, te llevan a querer prender fuego el Congreso y colgar de donde sea a todos los políticos. Un sintetizador violento, un groove tremendo que hace temblar la tierra y un estribillo insistente, hacen de «Diputado» una de las mejores canciones del álbum. Para bajarte de donde te pusieron, los Militantes del Climax, le dan paso a la hija de la mucama, quien en «La Patrona» vuelve a despilfarrar verdades ocultas en ironías hacia la burguesía y a ese falso poder, que oculto en sus pantallas, humilla y descarna a los más débiles.

Con «La Patrona» te introducen en ese mundo asqueroso que desnudan y del cual te hacen escapar y con «Termidator» te dan una clase sobre de que va todo esto, «quien quiere ser feliz en este gris mundo de esclavos» pregunta el Auelo y con ese track te sumergen en la mejor parte de Día 4. Otro tema crudo, oscuro, con un ritmo potente y lleno de melodías que acompañan perfectamente la temática y el quid de la cuestión. Al fin de «Termidator» llega, en mi opinión, el mejor tema del disco, «Renacentista«, donde este Mc. saca a relucir toda su capacidad lírica. Una joya de canción que a modo de poesía acompañada por una guitarra al mejor estilo payada, una batería inmejorable y unos sintetizadores modo Sambara que te hacen abrir los tímpanos de principio a fin. «Mi cuerpo es una sombra, una errante sombra, que puede cambiar de forma en siniestras formas. Las palabras de este mundo, ninguna me nombra, en mis ojos solo hay sangre y sed de gloria» relata el Auelo.

Con «Renacentista» se va despidiendo Día 4 y a diferencia de lo que se supone, la despedida queda a cargo de dos temas instrumentales bien chilling. Al mejor estilo «Cama Adentro» llega «Carburé» que parece querer bajar toda esa podredumbre vomitada en los temas anteriores. El disco culmina con «Perdón y Gracias» otro tema instrumental, con un título ingenioso (costumbre) que te transporta a cerrar los ojos y volar para despedirte de ese lugar al que te llevaron. Un tema donde uno se imagina los créditos de una peli con ese fondo negro lleno de letras y ese hit hat de fondo, con el bajo en su máxima expresión y un sintetizador bien utilizado, con por supuesto, la guitarra y su punteo característico. Un cierre distinto pero grandioso para un gran álbum.

Así se despide Día 4. Casi 37 minutos de pura música, de pura fusión, de rimas, de sonidos, de todo eso que Militantes del Climax puede dar clase. Sin dudas que ese punto de mayor intensidad o fuerza creciente se logra y esta a las claras. Un gran trabajo que hace que cada segundo de espera haya valido la pena. Dale play a este disco y volá un rato hacia ese lugar desconocido pero necesario por todos con pasaje directo a la buena música.

Escuchá Día 4 acá:

 

Por Kevin Dirienso Poter.

 

 

Cypress Hill: «Elephants On Acid» (2018)

La banda californiana conformada por B-Real, Sen Dog, Dj Muggs y Eric Bobo presentó junto a Mix Master Mike «Elephants On Acid Tour» hace apenas unos días en nuestro país en el marco del Personal Fest edición Córdoba de este año.

Aprovechamos la ocasión para hacer un repaso por el disco que le da nombre a la gira y que fue liberado apenas una semana antes de dicha presentación. El álbum cuenta con 21 canciones que intentan -y logran muy bien- ser un viaje para quien decide prestar oído de principio a fin; es muy difícil dejar de escucharlo ya que supieron captar perfectamente la atención del oyente a lo largo de la duración total.

Desde la introducción sabemos que algo está pasando, y las dudas se empiezan a despejar cuando seguido a esta especie de bienvenida comienza «Band Of Gypsies» una canción que cuenta con un coro cantado en árabe y del cual solo logro entender «Hashish» y «California»; aparentemente algo para fumar con ese nombre… Seguro. El material tiene impregnado un sentimiento muy profundo que infunde una sanción de estar volando durante la escucha. Esto se puede ver en temas como «Satao», «Jesus was a stoner», «Pass the knife» y el intervalo «Lsd» donde parece concluir, pero que a mi humilde entender es donde el viaje realmente comienza.

«Oh na na» te pone en órbita nuevamente y te prepara para «Locos» una canción con partes en español e inglés que seguramente fueron influenciadas por las bien sabidas raíces latinas de nuestros queridos Sen Dog y B-Real. «Falling Down», «Elephant Acid» son canciones de la misma índole y es por eso que el disco se desarrolla muy bien aunque creo tener la sensación de que «Insane OG» por momentos está un poquito abajo del resto, pero nada de que preocuparse, a solo 9.5 si decimos que el resto llega a 10.

Algo que vas a notar durante la reproducción del álbum es la -no por eso excesiva- cantidad de interludios que tiene el material; amalgaman perfectamente las diferentes partes que lo forman. Además no cuenta con featurings o por lo menos no se las da a conocer oficialmente todavía. «Reefer Man» junto a «Band Of Gypsies» y «Crazy» son para mi las mejores canciones, llegando a estar esta última en lo mas alto del podio. Técnicamente está muy bien logrado por Dj Muggs quien utilizó filtros pasa banda, phasers, ecualizaciones «mágicas», diferentes tamaños de reverbs y algunos delays sin abusar ni una sola vez alcanzando eficazmente el objetivo de dar esa sensación de estar en un viaje. 

«Elephants On Acid» está disponible desde el 28 de septiembre en todas las tiendas y plataformas virtuales incluidas Youtube, Deezer y Spotify. Encaja perfectamente dentro del perfil de la banda, suena actual y refrescante, clásico y conservador, así como creemos debe sonar un disco suyo. Lo recomiendo totalmente, es un 10/10 (diez de diez) para mi, y cierro con esto: Gracias Cypress Hill por no sucumbir al trap.

Por Lucas Rodriguez.

#QUENOMUERANLOSDISCOS

Todo cambió desde la llegada de Internet. De a poco, la era digital fue deglutiendo el pasado y en este proceso nos está arrebatando a los románticos, esa sensación indescriptible de un buen disco en formato físico. Las razones las desconozco pero me sigo sintiendo “sapo de otro pozo” cuando escucho términos bien propios de los Centenials. Es que ellos manejan todo desde una pantalla, viven su vida a través de las redes desde que son una semilla. Nacen con un conocimiento tecnológico sorprendente y dejan en ridículo a cualquiera que intente entrometerse en este mundo de amplio espectro pero peligroso.

Uno se encuentra expuesto en tanto y en cuanto no tengamos un control sobre toda esa información que circula a la velocidad del Match 5 de Meteoro y más. Simples y concretas son las cosas para los chicos hoy en día que vuelcan su vida en la nube para que otros se “informen” de sus actividades, de sus logros y de todo eso que antes era privado y que hoy parece no serlo.

En este grupo entra también la música, la industria musical y todo lo que tenga que ver con ella. Que placentero es (o ¿era?) entrar a una disquería y recorrer cada pasillo en busca de algo en particular o simplemente con la alegría de saber que entre tantos discos habría alguno que se destaque ante nosotros por alguna razón. Rarezas, hits, lados B, singles, todo eso se esconde detrás de un cuadradito de no más de 10 x 10 cms. Pese a que aún hay valientes, las disquerías no son lo que eran y de a poco lo que alguna vez fueron stands repletos de música pasaron a ser estantes fríos, llenos de electrodomésticos.

Es cierto que el “mercado discográfico” ha mutado y su fuerza se centra casi exclusivamente en estas nuevas plataformas digitales. Particularmente, no soy nadie para decir que está bien o que está mal. Al fin y al cabo, lo importante de todo esto es que a los artistas se los reconozca de la misma forma por su material en Spotify o por su disco en Zivals. Será que soy muy anticuado y no acepto la “normalidad” de estos cambios por sobre los que sí lo son, como por ejemplo, dejar de usar tanto papel, empezar a reciclar, cuidar el agua, etc.

Sé que existen discos, que siguen saliendo aún en un mercado no redituable. Hoy conviene el formato “tema-videoclip” y en muchos casos los artistas apuestan por eso, lo que no veo mal si es lo que marca este avance. Aun así me gustaría que se apoye más a una industria que inunda de arte cada reproductor que hay en el mundo. Que se genere conciencia y que se pueda mantener vivo algo que parece tener fecha de caducidad. Si tenes la posibilidad de comprar un disco, no lo dudes. Te aseguro que no será un gasto, sin dudas es una inversión, para vos, para el artista y para la industria. Un día sin música es un día perdido dicen.  Yo, desde este lado, apoyo la moción agregando un término bien centenial, “#QueNoMueranLosDiscosFísicos”.

 

 

Por Kevin Dirienso Poter