T&K y Nico Mir – 29 (2021)

Por Nicolás Romero – @nico_rxmero

«29» y el pasado puesto en un presente. Beats & Bars, un breve recorrido acerca las arterias del álbum que lanzaron el pasado 29 de enero T&K y Nico Mir.

Semanas atrás dos rapers emparentados musicalmente desde hace un par de años, t&k y Nico Mir, confirmaban la publicación de un álbum, que llevaba un largo tiempo macerándose, junto al beatmaker y productor español, Dabe, un viejo conocido de las grandes máquinas, quién estaría a cargo del sonido.

A primera vista, la formación entusiasma, y confirma las sensaciones que se intuían antes. Además, luego de conocer algunos detalles del trabajo a lo largo de estos meses, con singles como «Urbio» o «I wanna be», este álbum finalmente vio la luz, el 29 de enero de este mismo año.

El disco, llamado «29», se transforma en el rincón ideal para los amantes de este sonido, y logra ejemplificar el groove de los canales de New York, o las viviendas aglomeradas de Europa, víctimas de un apasionante revolución del urbanismo en los 30. El disco genera un soufflé de condimentos que le dieron el sabor a un época entera, todo esto contextualizado claro, en algún barrio de Buenos Aires, con los lenguajes, símbolos y modismos que esto conlleva.

Con el sonido inconfundible de los tambores de una SP, el aporte análogo de Dabe es crucial para que esta obra consiga el aroma que tanto anhelan los heads, mas sabiendo que detrás se encuentran Voyager y Uzetaele, quienes, sin duda, son de los mejores beatmakers de como mínimo, todo el país.

El volver a las máquinas, a las ciencias, a las barras; en un contexto plagado de trill, drumless y demás, describe una identidad personificada en Dabe, quién pone «29» por encima de S.H.U.R.I u otros trabajos anteriores, que ya habían logrado acomodarse en el paladar del oyente, encajando como neblina en farolas y ángulos de hormigón.

Nunca fue fácil pero Dewk (Dabe) concretizó con una solidez que cuesta obtener, la habilidad en el estudiado trabajo de saber cómo y cuando sonar; esto directamente de la mano de un diggin exhaustivo, un compromiso.

Barras

El concepto de las «barras» suele ponerse en tela de juicio cada día más. El castellano y su complejidad lingüística obliga al liricista a abocarse a un estudio profundo en esta materia, sumado a la gran pluralidad y a su vez, especificidad de los códigos que, con el transcurso de este siglo, se transformaron en una necesidad de virtudes, con las que los rapers ‘deberían’ llevarse bien, o bien es algo con lo que siempre es bueno contar.

Todo este rigor de conceptos se puede sentir en «29«, no como una rareza, ya que es sabido de la capacidad en letras de Mati y como rapearlas, pero en este disco se puede encontrar en su barras una disposición diferente en las sílabas, con una cuantificación estricta pero disuelta en su flow, ya sea cayendo sobre un bombo, caja o diferentes espacios. Demostrando así, una cualidad que si bien ya se conocía, varía en cuanto sus anteriores trabajos, o por lo menos se manifiesta con un nivel de exigencia más amplio.

Por otra parte, hace años que Nico Mir estructuraliza las esdrújulas y one two’s, y este álbum no es para nada una excepción, utilizando estos recursos con barras que, adjuntando street knowledge y un buen fraseo, que no esta de mas decir, no suelen usarse tanto en el país, o no con la frecuencia y consistencia que Mati y Mir expusieron en su obra.

Sin olvidar por supuesto, un elemento trascendental para que este proyecto se reafirme con las características anteriormente expresadas, y es que, al escuchar este trabajo, casi naturalmente se filtra en la imaginación una tapa de disco que el artista visual, Carlos Wake Carrera, supo representar de manera exacta.

Con la misma naturalidad que dispone en las líneas de algún dibujo tradi, la tapa de «29«, arrastra esta corriente, y afianza, con un ingrediente mas, pero no menos importante, la intención homogénea mas pura del boom bap que nos gusta, plasmando el arte gráfico como un vivo reflejo musical del disco.

Todos estos componentes sintetizan una tradición no siempre fácil de emular. Estos dos grandes artistas que encontraron en «29» una forma de hacerlo real, tomar el ambiente, con el preciso trabajo que esto implica de una época que se expresa por si sola, pero esta vez con el tinte característico de un barrio latino, de cajas de huevos y dos colectivos a distancia, consigue tomar en sí, una cultura por completo.

 

Escucha «29» acá:

FEDDELIRICO – «FAMILIA» (2020)

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Un beat impresionante y un estribillo estilo rap mexicano nos dan la bienvenida a Familia, el nuevo disco de FeddeLirico. Un trabajo meticuloso, largo y absolutamente conceptual producido por Sarkez en Depth de Cuma que sin dudas lo hace sonar de put* madre. Si tuviera un auto y unos buenos buffer pondría este disco una y otra vez para «más placer» como diría Homero Simpson al ver rebotar los cristales. Familia es una realidad desde el 25 de octubre cuando vió la luz, fecha elegida especialmente ya que ese día Federico Pintos Álvarez festeja su vuelta al Sol.

Se nota y creánme que mucho, cuando un disco tiene un proceso, una maceración natural de trabajo, amor y compromiso con el proyecto. Familia es eso, el resultado final de una etapa que Fedde comparte canción a canción. Antes de hablar de música, hay que hablar del arte gráfico que rodea este laburo y que sin dudas le aporta esa distinción que tiene. Mar Pintos fue la encargada de «dibujar» este disco y que laburazo se ha mandado.

Ese beat impresionante del que hablo al comienzo de la nota es de Sherpa y trata del «Intro» de Familia donde FeddeLirico parece hablarle al rap o a sí mismo; o las dos cosas juntas. Un track muy potente que te da un cachetazo para despabilarte y entrar de lleno en un disco que te hará navegar por los senderos melódicos de un artista, emprendedor, mc, barbero, empresario y muchas cosas más.

El Intro nos deposita en «Buen Siervo y Fiel», un tema magnifico en un beat hermoso, donde este polifuncional de la cultura Hip Hop hace un repaso de su vida, su infancia y sus afectos. Mas que nunca, entraste en Familia y créeme que salir de este viaje es difícil. Al toque llega «Chico Marginal», por primera vez en el álbum se cambia de ritmo para llegar al trap. Un género que esta en boga pero que al FeddeLirico le da una vuelta más. Lejos de ser un trap pasatista y simplón, va enroscándote entre lo moderno y lo noventoso. El G Funk también se hace presente para hacer de «Chico Marginal» una especie de autodescripción rapera de alto impacto.

Llega «Ghetto Life» y otra vez el boombap. No quiero sonar repetitivo, o tal vez sí (ja ja ja) pero los graves de este disco… mamadera. Un órgano tétrico y el bombo y la caja encajan perfecto en las barras de Fedde que dice sin tapujos «…Yo no quiero ser violento pero encuentro tanto tonto lento falto de talento queriendo representar el movimiento solo por tanto por ciento, a mi no con ese cuento». Brillante.

Después de «Ghetto Life» pasa algo asombroso. Familia entra en una nube y toma vuelo. Otra vez el cambio de ritmo, llega el trap y una instrumental magnifica de MPDhela le da sonido a un tema de amor, de pasión, dónde Fedde le canta a su «Mujer Cósmica». Todos tenemos una pero un tema así en un disco de rap cambia toda la ecuación. Una apuesta que me sorprendió gratamente. Dentro de esa nube, llega el primer feat del álbum en «No Me Esperen» una canción lenta, hi hats entremezclados de un punteo de guitarra insistentes le dan lugar a las barras de Arturr y FeddeLirico.

Si hay algo para destacar el disco, es el constante vaivén de melodías y ritmos. No es monótono y te hace ir y venir constantemente. Luego de «No Me Esperen» llega «Marciano», que cuenta con la instrumental de «Man Down» de 50 Cent y ese piano salsero entrelazado con el boombap furioso y marcado acompañan al Mc en el relato de un personaje del barrio. «Marciano» es una especie de cuento rapeado. Al toque llega el segundo Feat de Familia, Nativo Pds se une y conjugando el ingles y el español hace «One Two» desparramando barras junto a Fedde. «One Two como en el noventa y pico. Wacho no le pongan precio al Hip Hop. Yeah, real rapper de chiquito, los reales se conocen fekas cierren el hocico».

Es momento de una pausa, Fedde nos lleva de mover el cuello a parar la pelota, ponerla bajo la zuela e ir a buscar pañuelos, porque lo que sigue emociona y eriza la piel. El tema número 9 es «Mami» y es otro diamante incrustado en un disco que sorprende gratamente. Otra vez el Trap para recordar e invitar al oyente a recordar con él a su mamá. Sin dudas, de lo mejor del disco por emotivo, por rítmico y por poético. ¿Se puede emocionar uno con un Trap? Sí y FeddeLirico lo logra. Una canción para escuchar una y otra ves sin cansarte y sin dejar de sentir la emoción que emana.

Termina «Mami» y pareciera que termina una parte del disco. En esa canción se va una parte muy grande del corazón que tiene Familia. De esta manera llega «Todo de Mi» que funciona y es el interludio que nos depositará en la otra parte del disco. «Todo de Mi» es un desahogo personal, es FeddeLirico mirándose al espejo y repitiendo barras para seguir adelante, dándolo todo.

Esa nueva parte arranca con el Trap como protagonista y una instrumental muy pegadiza en «Keep it Real«. Otra vez el inglés para mantenerlo real. Luego llega uno de los puntos más altos del disco, «Ellos» se llama este Trap con barras anti políticos, anticorrupción y que destaca la capacidad para rimar que tiene este gran Mc de la zona sur de la Provincia de Buenos Aires. Si el tema «Mami» es emotivo, la intro del que sigue nos da un pantallazo breve de lo que se viene. En este caso es momento de dejarle una canción al heredero y para demostrar lo rapper que es Fedde le dedica un rap inmenso a «Tupac» su hijo que encontrará en este track una declaración de amor, de valores y de cuidados. El amor de un padre a un hijo no se puede comparar decían Los Fabulosos Cadillacs en su canción «Vos Sabes» y acá, en este track, FeddeLirico lo deja clarísimo.

Otra vez el inglés, y otra vez el trap nos invitan a la siguiente canción. Romántica y totalmente dedicada «I Dont Wanna Live No More» es una declaración de amor sincera y rítmica en iguales proporciones. Al toque y siguiendo en la misma tónica llega el tema más «bailable», más moderno y más cercano al Trap que se suele oír. Una nueva colaboración en este caso con Ele Legui para esta canción llamada «Ya Crecido» dónde se repasa todo eso que se vivió y el presente para comparar ese crecimiento personal.

En seguida, otra vez el boombap tinte west coast hacen de «Dupla« uno de los mejores temas del material. Nuevamente Nativo Pds se hace presente para partir una base impresionante. Con barras constantes, crudas y punzantes, esta dupla eleva el sonido de Familia y nos empiezan a introducir en la última parte de un disco lleno de matices. Tranquilamente podríamos dividir este disco en dos partes y hasta en tres si sos esquisitx, Fedde y Cia. logran invitarte a un viaje temático e interminable dónde sos inmensamente feliz y de repente lloras de emoción, luego saltas de algarabía para volver a la introspección personal con todo lo que eso significa.

Llega «Rapping All Day» un track clásico, bien 90, con una base que acompaña perfecto. Se trata de otra colaboración que divide en un 50-50 el inglés y el español. Mientras Fedde recorre sus barras con un inglés excelente, Alansukki le aporta un flow estilo Mucho Muchacho muy digerible para cerrar una gran canción. Hay muchas pepitas de oro inmersas en Familia y «4 largos años» es una de ellas. Un boombap clásico al que Fedde, Fattiga y Musselon le ponen barras muy raperas. Entre el ejemplo, la autosuperación y la ambición del no estanque, los tres Mc´s nos relatan lo difíciles que fueron los cuatro años del supuesto «mejor equipo de los últimos 50 años». Fedde se encarga de dejar en claro que ninguno se salva y todos, absolutamente todos los políticos se cagan en el pueblo. La policia, lxs gobernantes  y las ratas son el blanco de 4 minutos de un rap excelente.

Y era merecido, antes del final, antes de que este viaje culmine, había que escuchar al genio detrás del impactante sonido de este disco. Llega Sarkez al mic para la última colaboración de Familia. Junto a Fedde hacen «El Camino» un boombap clasico nuevamente, para relatar un camino, una historia. Sarkez le aporta una soltura brillante a la pista para completar un tema para mover el cuello al 100% y hasta le da el tiempo para tirarle un palo hermoso a un tal Paco que de Amoroso no tiene nada. Tremendo.

Y si un beat de Sherpa abre este disco, es justo y propicio que un beat de Sherpa lo termine. Llega el «outro» que le pone el moño a un trabajo digno de millones de reproducciones. Nuevamente Fedde se habla internamente pero rimando. Recuerdos, emociones, balances y su historia hacen de este track el cierre perfecto al recorrido de una historia. Con el corazón en la mano, este gran Mc, nos despide, se despide con un hasta luego muy rapper.

Familia termina pero a la vez no. Un vez que escuchaste este disco, no podes salir de él, se queda, se te pega como caramelo a la suela. Para quienes dicen que el rap es cuadrado, escuchen este disco porque realmente no están listos para esa conversación. Familia es corazón, es un todo y más que FeddeLirico nos comparte y nos hace parte de una manera muy precisa, muy emotiva, muy rapera.

Que grato es escuchar discos como los que se hacían antes y que hoy escasean. Que grato es escuchar lo que un rapero puede hacer con amor y compromiso con la causa. Familia es eso, el resultado de un trabajo de años. Si aún no lo escuchaste, hacelo porque el periplo vale la pena y jamás decepciona. Una montaña rusa de melodías, rimas y pasiones.

 

 

 

Si no escuchaste Familia, hacelo acá:

ROLO – «LA VIDA DESPUÉS DE LA VIDA» (2020).

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Revista Flow se tomó un descanso, un parate no obligado pero necesario. La cuarentena te afecta de diversas maneras y a quien les escribe, por algunas semanas le paso factura… y con intereses. Nosotros paramos pero lo que no freno ni medio segundo durante este raro 2020 es el rap. El rap del bueno, ese que nos moviliza y nos interpela. Ese que vale la pena compartir, difundir y prestarle tiempo para que te atraviese. El rap que hoy no abunda y que lejos está de ser moda. Sin importar lo anterior, hoy es tiempo de hablar de uno de los mejores trabajos discográficos que tuve el honor de escuchar este año. Estoy hablando de «La vida despues de la Vida» el Ep de Rolo que salió a la cancha sobre finales de julio.

Hablabamos del tiempo y es justamente hablando de esta «cosa» tan rara de la que comienza hablando este disco con el tan famoso discurso de José «Pepe» Mujica, extraordinario político y ser humano, dónde claramente expone la ¿lógica? de vender tu «tiempo de vida» por ese dinero que supuestamente te hace «vivir mejor». Federico Maximiliano Escobar, Rolo, expone durante maso menos quince minutos diversos pensamientos y opiniones que brotan en un lápiz y un papel y que de manera contundente se transforman en barras crudas, reales, punzantes, letales…

Antes de hablar de música, vamos a desmechar este trabajo desde la raíz y para hacerlo quiero destacar que la totalidad de este EP fue producido enteramente y durante la cuarentena en Bataclan Estudio. En materia gráfica podemos destacar una imagen del artista bajo algunos efectos donde se ve un fondo bien de barrio, en algún lugar de Tablada y donde en tono amarillo y borroso se destaca el nombre del disco.

«La Vida después de la Vida» arranca con el intro y luego sin darte tiempo a acomodarte llega «1997» un manifiesto de la historia de Rolo, donde a través de un sonido boombap con guitarras acústicas de fondo nos va relatando situaciones de su experiencia, su crecimiento y su día día. Un gran track para poner el oyente a tono y darle la bienvenida desde lo más profundo de la sensibilidad y la sinceridad de este gran artista de 23 años oriundo de Lomas del Mirador.

Casi sin pausa pero con un notorio cambio de melodía y en tinte más tranquilo, tirando a lo oscuro de parte de Frest 98, llega «Verano Pasado». Una canción bien personal, llena de metáforas y dónde Rolo demuestra su amor por su barrio, por su club y por su historia. «… lo piensa Federico pero Rolo lo hace música…». Sus historias te hacen viajar hacia el momento y ese Verano Pasado que le ha dejado sin dudas, algunas marcas para siempre. Una gran canción, introspectiva que nos deposita en, para quien escribe, el mejor tema del disco.

Se termina «Verano Pasado» y llega «Climax»,un boombap bien 90. Con un sonido íntegro y con muchísima fuerza que te «obliga» a mover el cuello. Estrofas crudas, sin vueltas. En «Climax» Rolo va al hueso haciendo un repaso preciso, sublime y doloroso por todo lo que nos rodea… «…Las calles embarradas por la ausencia del estado, un muerto en cada esquina en las paredes está pintado…». «Me ocupo del contenido y no de soltar crema, una bala por la espalda no soluciona el problema…» barras como estas se repiten una tras otra durante esta enorme canción que sin dudas eleva «La Vida después de la Vida». En tiempos de «skeres» y agua oxigenada, Rolo, un joven artista de 23 años, te y nos dice «… prefiero llegar lejos antes que llegar rápido, sin tanto firulete siempre sonando más clasico…» y que importante que esto es. Además me animaría a decir, que durante «Climax» escuche una de las mejores barras de mi vida, «El poder es peligroso en las manos equivocadas, una 9 es peligrosa en la cintura de un cana…» Cerrame la 3 y a otra cosa.

Termina «Climax» y el quieto sonido de una especie de flauta nos calma, nos trae de vuelta para luego explotar. Otra vez un boombap, de nuevo lo clásico. Estamos en el 2020, pero tranquilamente podría decirte que este Ep es de 1997 que estaría bien. «Somos los marginados que esquivas con la mirada» dice Rolo en este gran paseo lírico que es «Lo que no queres ver». «Dejo todo si para perder no hay nada» repite a modo de mantra propio para volver a sacar la fuerza de su rap, «… de los que no se cuestionan yo sospecho, lo digo con la boca lo sostengo en el pecho» ¡Pum!.

Para cerrar este material llega el «outro» una manera de resumir el asco que le genera a Rolo el abuso policial. Y para describirlo elige un fragmento de la película «Un Cuento Chino» donde Ricardo Darin discute con un policía. Ese mismo asco es el que siento yo respecto de un organismo corrupto, cínico, hipócrita y que seguramente vos del otro lado compartís. Con este «Outro», Rolo se despide y «La Vida después de la Vida» llega a su fin.

Así pasa uno de los mejores trabajos de este 2020. Crudo, directo y autogestivo, este EP lo tenes que escuchar. Rolo te deja con ganas de más, sus rimas son puñales, son verdades y son un manifiesto de sus creencias y sus convicciones. Desde mi rol de periodista y amante del rap, aplaudo de pie laburos como estos. Respeto y valoro a los artistas que siguen su camino, sin apuros ni ganas de flashes canjes y billetes. Así es Rolo, un pibe que ama el rap y que lleva el barrio impregnado en su ser. Un disco corto pero letal, crudo pero real y que emana erre a pe por doquier. Si aún no lo escuchaste aquí abajo lo dejamos para que te deleites del buen rap Made In Bataclan Estudios.

 

Escucha «La Vida después de la Vida» acá:

 

 

 

«ES MENTIRA QUE EL BOOM BAP ES SIMPLE»

Por Lautraro «Lykao» Yanes (@lykao.sdc) & Gian Franco Lisanti (@itnasilnaig)

El domingo 19 de julio, con motivo del lanzamiento de su último EP, Repeat 3peat, nos encontramos por Zoom con Lego. Él estaba en Mar del Plata, nosotros, en Capital. Domingo de lluvia, de frío y una charla de dos horas que nos dejó inundados de información. Cerca de las 00 del lunes se terminó la llamada. Reflexiones, anécdotas y proyectos pasados, presentes y futuros se entremezclan en las respuestas de un artista que, desde lo introspectivo y emprendiendo un viaje interior y exterior, busca llegar alto; “Es sano el ego de artista pero cada uno tiene que ser consciente del lugar que ocupa”.

¿Sensaciones después de sacar el disco?

Re piola, mas que nada porque no se afloja. Un mes antes de sacar todo fue muy intenso de cranear el paso a paso. Íbamos haciendo audiovisuales acá en mardel mientras craneabamos como ir sacándolo, después se iban sumando cosas. Pero en el momento en que salió fue un alivio, queríamos hacer un proyecto cerrado por todos lados y lo conseguimos. Ahora me mantengo entretenido, quisimos ponernos a armar fechas apenas salió el disco pero la pandemia nos cago. La respuesta de la gente fue hermosa, me sorprendió un montón. Sentí que había gente esperando material nuevo. Hicimos un par de streamings para presentarlo y salieron piolas pero podrían haber salido mucho mejores. Con el tiempo vamos mejorando y haciendo shows más extensos. Es algo que uno va armando en el día a día. Es un bajón depender de la conexión pero la otra vez, por ejemplo, conecte el ampli al celu y al micrófono y di terrible show.

Cuando sacaste el ep ¿ya tenias fechas en capital o fue de improviso, de cuarentena?

Es el primer material que saqué sin pensar en hacer fechas. Por la pandemia me di cuenta que el disco que ya venía preparando -Cambalache- iba a llevar un poco más de tiempo pero que me tenía que mantener activo, así que decidí venirme a Mar del Plata, donde las cosas están más tranquilas que en el AMBA y terminé de hacer el EP que tenía en mente. El hecho de que acá haya más posibilidad de circulación me permitió hacer vídeos y trabajar más cómodo. Además, hacer algo en mi ciudad me encanta. Buenos Aires me dio un montón pero este es mi lugar. Me gustaría hacer una fecha acá antes de irme.

¿Por qué sacar repeat 3-peat cuando ya habías anunciado Cambalache?

Yo anuncié Cambalache en octubre del año pasado. En ese momento tenía, o al menos eso pensaba, gran parte del proyecto terminado. La cosa es que desde que me fui a Buenos Aires, empecé a atravesar una reestructuración en mi carrera que también impactó en el proyecto por lo que decidí que lo mejor era esperar a estar realmente conforme con el material para sacar un disco así. Pero la demanda de la gente por material nuevo seguía estando. Ahí surge la idea de volver a Mar del Plata y editar Repeat 3Peat.

¿Por qué te fuiste a Buenos Aires? ¿Te sirvió?

Totalmente. Sin flashar la de American Dream, me fui en agosto de 2019, para tener más visibilidad. Tenía ganas de que gente que no me conociera escuchase mi música, es algo que no quería perder la oportunidad de hacer. Por suerte, me recibieron muy bien y pude armar mi equipo de laburo. Me había dado cuenta que cada vez que tocaba en vivo en Mardel éramos los de siempre, contados con los dedos de las manos. Que te respeten y te escuchen en tu barrio es fundamental, pero yo tenía ganas de llevar la música a la gente. El exceso de publicidad nunca me gustó mucho, por eso me fui allá a hacer escenario, quería llevar mi música en lugar de atraerlos por redes sociales.

¿Hubo un momento en particular en el que te diste cuenta lo que tu música genera en la gente? 

En los números. Al principio no me lo creía tanto pero cuando Papiroflexia llegó a cien K, siendo el segundo tema que yo hacía y el primero en el canal de Bastardos del Barrio, mi ex crew, ahí dije “esto lo puedo aprovechar, lo puedo repetir y lo puedo seguir haciendo”. Después me pasaron cosas como que me hable gente de España diciéndome “hey bro tu música está que flipa”, que para mi es una banda. El otro día me habló una maestra de primaria comentandome que había escuchado mis raps y se acordó que ya de chico escribía un montón y que sabía que yo iba a terminar haciendo algo con la escritura, con la literatura. Ese tipo de cosas me hicieron dar cuenta. La fecha con T&K en Uniclub también fue importante en ese sentido

Contanos sobre quienes trabajan y trabajaron con vos

Mi primer productor fue el Bobi G. Él me grabó Papiroflexia, que me puso por primera vez un micrófono adelante y me dijo que podía hacer música y me puso fichas. El fue muy importante y siempre le voy a agradecer todo. La idea del disco había nacido con él pero no se pudo concretar. A Tommy lo conozco hace un año y medio. Apareció cuando yo estaba buscando un productor fijo que me revolee pistas por la cabeza. En ese momento él tenía poco tiempo haciendo música, pero me mand’o lo que tenía y me re cebó. 9 de cada 10 beatmakers no tienen el toque de hacer parecer al rap algo simple, Tomy sí. El tiene 18 años, nació en San Clemente pero vive en Tenerife, España, por lo que al chabon no lo conozco. Ahora le estoy pagando pistas de temas viejos, aunque él me decía que no. Hicimos Repeat porque en “Cambalache” el no tiene mucho espacio y yo tenía ganas de que hagamos un proyecto grande. Después está el Punga. Me di cuenta que el tiene capacidades que van mucho más allá del rap. Entiende de electrónica, punk y una banda de géneros más. Juntos hicimos mutatis. Tenemos una relación muy lisérgica. Lo próximo que vamos a sacar juntos es un pedo mental, yo sigo siendo Lego Skillz y él sigue siendo Punga pero tenemos ganas de flashear con la música, probar. Con Mutatis, tema que es muy distinto a todo lo que hice, hicimos prueba piloto; queríamos ver cómo reaccionaba la gente a algo completamente distinto a lo que venía haciendo y el resultado fue tan positivo que ahora es mi segundo tema con más repercusión. Es un tipo que sabe y que le gusta probar y en mi encontró un artista que le da bastante libertad en ese sentido. En Cambalache, Skinny Skills, que es el último tema, va a ser el pie a una nueva etapa en donde el Punga va a estar muy presente. Se va a ver mucho la influencia de Rage Against The Machine, entre otros. Nos gusta mucho a los dos y siempre le digo que quiero hacer que con mi música la gente quiera agitarla, cagarse a palos, pero sin perder el valor de las letras, que siga teniendo barras que valgan la pena. Con él aprendí a manejarme en el escenario. Tenía toda la cancha que yo no, porque él ya había estado en dos bandas e incluso llenó un Emergente. Se nos sumó después el Mapris, que terminó siendo mi gran segunda de Capital. También está el Nego . A él lo conocí gracias a Mapris. Tomy y Nego tienen personalidades muy distintas. El primero está hecho para hacer cosas voladoras y el otro es un productor todo terreno en cuanto a boom bap, tiene una identidad y un estilo muy prolijo. Es un productor amateur que ya está un paso más arriba pero con herramientas de amateur. Con él todavía me debo un proyecto piola para hacer para que se lo tome como a Tomy se lo tomó con este proyecto. Mi objetivo es que a él también se lo vea como un productor, como un señor boombap y que otra gente lo empiece a conectar. El Ruso  es la tercer pata con El Punga. El es manager de la RPCK y de Tian. Cuando era más chico, hoy tiene 18, organizó la primera gira de Barderos por el sur del país. Barderos y El ruso son de Neuquén. Ahora es mi manager. Es una persona que nació para hacer lo que está haciendo y siempre vos lo ves trabajando. Después está Galati , que labura con Nego. Son de Lomas de Zamora. Pero básicamente este es el equipo fijo y somos estos los que después conseguimos conexiones y terminamos laburando con más.

¿Qué tanto sentís que estás en la producción musical y audiovisual? ¿Te involucras mucho o dejas que laburen por vos?

Siempre quise gestionarlo yo mismo pero no tenía los conocimientos. Empecé a estudiar artes visuales y ahí aprendí un poco más de lo que era fotografía y con la música me pude meter porque aprendí mucho de ver en estudios. Al Punga lo veía laburar y capaz estaba haciendo un bajo y le decía que quería que el bajo suene menos rígido y el chabon me entendía. Tal vez la palabra no es “rígido”, pero sin tener ese lenguaje musical el chabon lograba cazarme. Por eso también labure tanto con el Punga y nunca hicimos música sin estar los dos en el estudio. Me meto muchísimo en los proyectos y cada vez más. “Repeat 3-peat” es todo una idea mía, los vídeos son una idea mía pero no las tomas y la música desde cero está hecha entre los dos, Tomy y yo. Quería que sean tres boombaps muy distintos pero al mismo tiempo boombap con todas las letras. Obvio que Tomy hizo los ritmos y él fue el que controlo todo pero en parte la idea principal era mía, tanto vídeo como audio así que sí, me comprometo siempre y si pudiera hacerlo yo, y creo que en algún momento sí lo voy a poder hacer yo, lo haría. Miro mucho a gente como Dano o productores de Estados Unidos, o inclusive él caso de Billie Eilish. Obvio que estamos muy lejos de la industria de allá pero ves que arrancó con el hermano a hacer música en su casa y terminó ganando 6 grammys y decis: “se puede”, más en el momento que está pasando la música y el rap argentino. Llegará un punto en el que me pueda hacer las cosas yo y con mi propio equipo de laburo y de una manera que solo nosotros entendamos.

¿Quiénes son tus referentes del pasado y de hoy?

Mi escuela de referentes la integran personas del rap argentino como T&K, La Coneccion, y esa ola de 2011/12 que terminaron generando todo lo que le está pasando al Hip Hop nacional ahora. Yo de chico me venía curtiendo con rap español o yankee y ellos me hicieron volver a activar con la movida local. Actualmente no estoy consumiendo tanta música nueva porque, al estar tan encerrado en mis ideas y proyectos en conjunto, no me doy el tiempo necesario. Joey Badass es mi referente más grande en cuanto a lo que me gustaría llegar a ser como artista, su estilo jazzero y cómo fluye sobre una base. La verdad, tengo referentes dependiendo de lo que me fije: Kendrick me vuela la cabeza por la forma que tiene de conceptualizar los álbumes y el audiovisual. Se nota que el chabon no deja el audiovisual y que está metido en todo el trabajo. Eso es algo que me re flashea y creo que en Argentina todavía no se llegó a este nivel de conceptualización de un material. En algún momento tuve una admiración re grande hacia Lil Supa en el estilo de boombap porque creo que marcó una generación en lo que es habla hispana. Otro referente es Dano pero porque me mostró un rap distinto: la forma de expresarse desde todo punto de vista, sonido, barras, audiovisual, el chabon es todo rap, es rap por todos lados. En las etapas que fui pasando fui teniendo referentes distintos, y después mis amigos, todos los artistas con los que me rodeo y hacen música, todos me transmiten eso y de cada uno capto algo distinto, que eso los hace únicos y también me funcionan como referentes, absorbo.

¿Cuánto tienen que ver tus ganas de diferenciarte, de escuchar música distinta, con todo lo nuevo que suena en Repeat 3-peat?

Esto lo hablamos mucho con el Punga. Yo empecé a escribir y hacer música porque no me costaba nada. Escribir es gratis y una pista va a haber en cualquier lado y sabía que me iba a servir y que iba a poder hacer algo con eso; evolucionar también es gratis. Está muy instaurado esto de “el rap es rap y sale como sale y al que le guste bien y al que no, también”. Creo que entendí que yo tenía una formación como artista y que llega un punto que si vos tenes ganas de trascender, hay que estar un paso adelante de otras personas. Fue un tema de noches y noches de cranear y decir : ¿yo me quiero quedar en lo que hago, me quiero quedar en el nivel de producción de Papiroflexia o quiero innovar, quiero llegar a ser algo, entender por qué esta voz va atrás de la otra y por qué se panean estas dos voces, y qué genera eso? Siempre tuve algo inquieto ahí de querer estar en todo y aprender no cuesta nada. Me di cuenta que podía llegar mucho más lejos si seguía con esa mentalidad de innovar y también porque ya había comprobado que a la gente le podía gustar lo que yo hacía desde el principio y que solamente faltaba eso, un proceso. Me plantee: yo ahora no soy Lego Skillz, ¿a qué quiero que llegue esa faceta como Lego?, quiero escribir desde acá, hablando de esto, para este público y teniendo en cuenta esto, y teniendo en cuenta que salí de acá, y formar todo eso, y juntar todo eso y que de ahí salga Lego Skillz… una fórmula que si la llegas a tener clara y llegas a hacer tu música, desde la escritura, la producción y demás, llegas a tener una identidad propia y eso no te lo saca nadie. Eso te diferencia de un artista que hace muy buena música pero no tiene identidad propia así que laburé eso y llegué a ese punto pero no fue algo planeado desde el principio, se fue dando. En Repeat pensé en cada tema. Es un proyecto corto pero le metí mucho pensamiento porque quería hacer algo que cierre una etapa y tenga sentido. “Anthem” es un tema apuntado a un público que me viene viendo hace un montón, muy personal pero al mismo tiempo hablando y agradeciéndole a este público. “Palabreo” es mucho más introspectivo, más como para que lo analicen. El tercero es este forreo que me hacía falta y además es el estilo que quiero hacer, el que quiero demostrar. Le propuse a Zeballos hacer un boom bap con todas las letras, que él hace tiempo no hacía uno y le mandamos. Camuflamos ahí una partecita suave y después la base cambia a algo más duro, medio de sorpresa, y elegí dejarlo para el final para que la gente vea que se viene algo por ese lado.

¿Apuntás a ser un representante de la nueva generación del denominado “rap estricto”?

Me encantaría que eso pase pero para lograrlo tengo que hacer algo que no se haya hecho en Argentina. La verdad, no creo que esté haciendo nada inédito todavía, simplemente estoy haciendo mi rap de la manera más prolija y consumible posible. Mi objetivo es que la gente flashe con mi música, y no solo por la letra sino que haya todo un contexto musical interesante. Es mentira que el boom bap es simple, es algo super complejo. Entender eso me ayudó a mejorar. Mi objetivo es llegar a hacer el boombap que de verdad quiero. Para eso sé que tengo que combinar muchas cosas; por un lado tenes lo que hace gente como Toteking, que te provoca ganas de googlear palabras que desconoces pero a la vez quiero convertir eso en algo un tanto más potable. Si te fijas, Space Hammurabi está haciendo algo parecido. Barras y barras que no aflojan, pero su mutación se dio a lugar cuando lograron volverse más escuchables, más exportables.

¿Hasta dónde querés llegar? ¿Qué podemos esperar de Lego?  

Yo ya mostré mi marca registrada de skills,, mi forma de rapear. Creo que la gente ya lo sabe. Lo que quiero demostrar ahora es que eso se puede llevar a un nivel cada vez más avanzado de producción. Me di el gusto de hacer el boombap que yo quería y ahora quiero pasar a una etapa en la que lleve mi rap a otra cosa: a poder marcar mis influencias del rock y de la parte más bardera y hasta de electrónica.  Igual, la intención no es hacer un Rap-rock a lo Limp Bizkit, sino que sea algo que la gente no haya escuchado antes, que no sea una fusión, que sea algo muy nuevo. Todavía hay mucho en mi mismo que pinta explorar… hay tiempo, mucho tiempo. Además, tuve la suerte de armar conectas importantes, así que se vienen feats con Socio, Mapris, Tian, Troubles y los pibes de Kamada. Entre todo eso voy a ir definiendo, sin apurarme.

¿Cómo te caería a vos que esto siga creciendo?

Es loco. En algún momento me lo tuve que creer porque hacerlo me permitía anticipar, armar la jugada un par de pasos antes para saber qué puede llegar a venir después. El año pasado tuve este click, cuando fui a Buenos Aires en búsqueda del equipo de laburo. Se trata de estar preparado mentalmente, más allá de que tengas los medios o no. Tengo que creer en mi música. Capaz muchos artistas no te dicen que se la tuvieron que creer y que se fue dando pero creo que todos tenemos nuestro momento para poner las cartas sobre la mesa, quiero algún día vivir de esto y quiero que algún día el pibe que me está escuchando hoy, tenga un hijo y el hijo me escuche. Es eso, conseguir los medios y mientras ejecutar en la cabeza y tener todo preparado.

A esta altura queremos hacer una pausa.

Decidimos separar todas las reflexiones que hizo a lo largo de la entrevista, cuando se iba por las ramas, cuando más pensaba las respuestas, porque sentimos que entre la data más dura anterior iba a diluirse. Es todo este contenido intelectual lo que hace de Lego un rapero diferente, un artista que resalta, que no sólo tiene skills, flow y cámara. Lego es Lego por lo que piensa (sus letras), cómo lo dice (sus técnicas) y porque también, y sobre todo, sigue siendo Agustín.

Sobre los feats y trabajar con otra gente:

“Hasta ahora yo no hice ningún feat que no quisiera hacer. Mucha gente pide feats, te ofrecen plata por hacerlo pero es muy difícil hacer un feat con una persona que lo viene a pedir. A vos te llegó una persona y te cebó y justamente es eso lo que te lleva a hablarle y solo comparto temas con la gente que me gusta. Es difícil hacer un feat con una persona que no conoces, que no contactaste. De pronto, con la gente que me gustaría hacerlo termina siendo algo mucho más espontáneo y mutuo y de decir “che llegó el momento de hacerlo” y lo hicimos. Así se dio con el Troubless, que empezó como una charla de par a par y después de un tiempo, salió. Lo mismo con el Saje. Nos cruzamos un par de veces, ranchamos, compartimos música y después de un tiempo, que también vimos que la gente nos estaba vinculando musicalmente, dijimos que estaría piola y se terminó sumando el Kelo. Yo me vincule con la gente que me tuve que vincular, nunca busqué, no me interesó… me gustaba la idea de compartir escenario con gente que alguna vez escuche pero al mismo tiempo hay un montón de artistas que se esfuerzan por mostrar todo lo contrario, como si tratar con ego fuera para justificar que alguna vez no admiraron a alguien o no les gustó un trabajo. Me cago un poco en eso.”

El ego de artista:

“…está muy presente, demasiado. Si hay un artista que me cruzo en una fecha y me cebó o me marcó en algún momento en mi música, se lo voy a decir. Me pasó con el Asterisco, que nos cruzamos en un evento y yo le hable un par de días después de haber tocado, le conté, porque la verdad no me afecta que lo sepa sino que hasta me gusta, que su música era parte de mis viajes a la escuela en el momento en el que yo deliraba con hacer rap en algún momento. Esa es una actitud que tuve con todos los referentes que me fui cruzando, pero hay gente que siente que hacer eso es rebajarse. La movida está llena de artistas que, cuando cumplen sus metas y conocen a quienes los inspiraron, son incapaces de mostrarse agradecidos, eso es un tema de orgullo. Se cree que está mal aceptar ciertas cosas o reconocer a quienes están hace más tiempo como si fuera rebajarse. Para mi es transparencia y respeto, porque si sos artista y llegaste hasta tal punto y ves el laburo de otro, por más que no te guste, sabes que le costó llegar hasta ahí también, y que llegó ahí porque hizo algo piola y porque está haciendo las cosas bien. Te cruzas un montón de gente con ego y con egos altísimos y te cruzas un montón de gente que la falta de ego hizo que no prospere, que quede un poco al margen. Hay que tener un balance. Por ejemplo, creo que no contestarle a una persona hace que hayas tirado una semilla al pedo pero tampoco podes hablar con todo el mundo. Igual siempre va a haber alguien que crea que vos sos un gil porque con el público es eso, o te aman o te odian. Si te tienen en cuenta es porque te aman o te odian, y no se puede hacer que todo el mundo te ame y tampoco es sano querer que todo el mundo te ame. Es sano el ego de artista pero cada uno es consciente del lugar que ocupa y el lugar que ocupa el otro y hay que respetar. No me considero un rapero con un ego muy grande pero también soy consciente de lo que estoy logrando pero no tengo este ego que se ve en el rap y más en el rap de Capital.”

Sobre el dinero y la fama:

“Es cíclico, una cosa te da la otra y al mismo tiempo al revés. No soy de esas personas que crea que la fama es algo que está mal y obviamente que la plata tampoco está mal. Creo que el músico, como músico, merece su plata y en Argentina estamos en un momento en el que estamos recibiendo lo que merecemos. Prefiero el dinero mil veces pero creo que la fama es una consecuencia de trascender. Hay que lograr un equilibrio, parte de trascender son las dos cosas. La plata llega, porque la industria es así. Si uno quiere que se consuma su música para trascender, una consecuencia es la plata, quieras o no. Es mentira el que te dice que no quiere ganar plata con su música porque todos soñamos eso. La fama es problemática pero no hay una sin otra. Es aprovechar la fama para hacer plata y la plata se aprovecha y se invierte, y eso trae fama, es como un círculo.

 

La charla duró dos horas. Es imposible poner cada palabra que dijo porque sería una entrevista eterna y además, algunas cosas es mejor no decirlas. Como lector, como lectora, lo mejor que podes hacer para terminar de entender toda la locura que Lego carga, es leer entre lineas, buscar claves entre respuestas. Y definitivamente, escucharlo entre líneas. Lego no hace técnicas solo porque es un skillero y le salen. Lego es técnico porque así de difícil, y así de bien, piensa, recapacita y actúa.

 

 

 

 

«NUCLEO: DESDE EL TRIANGULO» – DOCUMENTAL.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

El Hip Hop en nuestro país no para. De verdad no existe cuarentena, distanciamiento social, tapabocas ni saludo con el codo que pueda detener una fervorosa necesidad por decir, por crecer. Es repetitivo, pero la explosión del freestyle y posteriormente del trap, generó un sentido de pertenencia en los más jóvenes que cambiaron el fútbol en la plaza por las batallas de rimas improvisadas. Dentro de todo este contexto llega «NUCLEO: Desde El Triangulo» un documental de German Abal que se centra justamente en esta explosión de la cultura en estos último años.

Para los amantes del Hip Hop cualquier material, tanto audiovisual como físico es de una importancia imborrable y sobre todo este trabajo, que vas a poder disfrutar desde el viernes 07/08 en el canal de El Triangulo, intenta a través de una entrevista con un emblema de la cultura nacional como lo es Nucleo aka Tintasucia, ofrecer un panorama actual del Hip Hop argento.

Bajo la dirección de German Abal, con la co producción de Somniotica contenidos y Arlekin producciones y con el apoyo del Centro de Producción Audiovisual Leonardo Favio, Fauna producciones y Studio t2 producciones, «NUCLEO: Desde el Triangulo» nace desde una entrevista realizada en el Centro de Producción Audiovisual Leonardo Favio en Bernal que fue realizada en el marco de los talleres barriales de Realización de cine y Tv del Municipio de Quilmes, donde el director del mismo es docente.

«Es una inmensa alegría para mí llegar al estreno del proyecto y que al fin la gente pueda verlo. Desde lo personal, siento una gran admiración por Núcleo y por toda la cultura Hip Hop de nuestro país» cuenta Germán en el dossier de prensa. Es indudable que Nucleo es Hip Hop en carne y hueso, su personalidad es la ideal para intentar desde allí dar un pantallazo de la cultura en nuestro país, sobre esto Germán cuenta que «Núcleo logró ser una de las figuras más respetadas y construyó un camino sólido que sirvió también para desarrollar a nuevos artistas, quienes con frecuencia graban sus trabajos en el Triángulo Estudio, ubicado en Temperley».

Faltan días nada más para que puedas disfrutar de un nuevo material audiovisual que sin dudas enriquece el Hip Hop argentino y Germán espera que «el público que sigue a Núcleo y la cultura del rap se sienta representado pero también buscamos incluir y dar un panorama claro para aquel que no conozca el tema y quiera conocer, siento que el documental puede ser un buen puntapié para generar debates sobre cómo vivimos y transitamos lo cultural, lo urbano y también lo político y lo social»

Ya lo sabes, viernes 07/08 a las 22 hs. es el estreno de esta gran obra. Estate atentx al canal de El Triangulo Estudio para disfrutar de un nuevo documental made in Argentina.

¿VALE LA PENA?

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

¡PERO CLARO QUE SÍ! ¡Recontra vale la pena!. Hacer lo que uno ama es el sumun de los sentimientos. Es la sensación máxima de ser feliz, de sentirte libre, de no cargar mochilas ni frustraciones. El otro día y envuelto en la «locura Bielsa» que fue parte de las redes y los programas de deportes de las últimas semanas, mire un vídeo de este ya, profesor, donde decía «El éxito y la felicidad no son compatibles. Hay personas exitosas que no son felices y hay personas felices pero no exitosas» y automáticamente la portada del mes se me vino a la cabeza. «¿Vale la pena?» y vuelvo a contestarte a vos que estas del otro lado con las mismas palabras con las que arranca este editorial. ¿Esto es un editorial? Quien sabe.

Creo y sin miedo a equivocar que es el primer (pongale) editorial que escribo en Flow. Raro y no muy habitual, pero ya que. Vale la pena seguir porque amamos el hip hop y por momentos cuesta pero seguimos acá nadando contra la corriente. Nadamos con fuerza ante un «falso mercado» que se ha formado y que sentimos ajeno. No por calidad, no por laburo, no por talento, lo vemos lejos porque no nos representa y punto.

Amamos el Hip Hop y lo transmitimos a nuestra manera, porque así lo sentimos y si lo sentís, según Krs One, sos un rial Hip Hop… Por momentos se hace dificil, el barco tambalea pero sigue, ola tras ola por un ideal, por un sentido de pertenencia que es más fuerte que una publicidad, que es más fuerte que el dinero.

Las palabras de Bielsa, fueron el antídoto ante unos momentos de incertidumbre, de bajoneo y de malos pensamientos que se fueron erradicando producto del trabajo y el compromiso por el periodismo, por el periodismo de hip hop.

Se fue Julio que nos lleno de dudas y frustraciones. Un mes raro, largo, que nos costó pero que a su vez, nos enseño que nunca hay que perder el enfoque porque la esencia es una sola. Como dijo el loco, somos felices porque hacemos lo que amamos, lo que nos gusta y por esa simple razón nos sentimos completos. Llega agosto y nos encuentra firmes y más convencidos que nunca que con 10, 100, 50, 4 o millones, Revista Flow es real y eso no se compra en ninguna tienda.

Aunque no lo crean, los momentos de inestabilidad son resortes gigantes para explotar virtudes y entendí, al menos yo, que en este momento de inestabilidad necesitaba hacer lo que me hace feliz y eso es Revista Flow. Eso es Revista Flow desde siempre y para siempre…

TRUENO Y LA VERDAD IRREFUTABLE.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Lunes por la madrugada decían Los Abuelos de la Nada… bueno es lunes pero no es la madrugada para que voy a mentir. Arranca una semana movida, muchos discos están saliendo y esta cuarentena no le puso stop a esos trabajos, motivo para festejar ya que ¿A quién no le gusta escuchar discos nuevos constantemente?. Si bien hoy no voy a hablar de un disco en sí mismo, me parece más que interesante esta columna de opinión, porque trata de lo que la salida de un disco y la declaración de su protagonista generaron entre los amantes del rap y de la música en general.

La semana pasada, Mateo Palacios, conocido por todxs como Trueno, editó su primer trabajo discográfico titulado «Atrevido», dicho material consta de 10 canciones que varían desde el trap hasta el pop, pasando por el reggaeton. La salida de este laburo generó muchas expectativas y automáticamente se convirtió en lo más escuchado por estos días. En este contexto y con una claridad asombrosa pese a sus 18 años, Trueno dijo que «Te guste o no te guste, somos el nuevo Rock and Roll» y muchxs le saltaron al cuello. Ahora bien, pensemos fríamente, analicemos este titular que encontré por las redes. Si fue o no sacado de contexto ahora mismo no importa demasiado, tampoco importan las demás declaraciones. Me quiero centrar en este titular para que entiendan lo que en esta columna intento decir.

Automáticamente, el debate se generó y entre «haters» y «no haters», entre rockeros y raperos, entre amantes de la música en sí, se creo una especie de batalla virtual desnudando opiniones y razones. Para empezar y cortar de raíz uno de esos argumentos que he leído: Trueno no se comparó con un rockero, no dijo somos mejores que fulano de tal o estamos haciendo mejor las cosas que tales personas. Este artista oriundo de La Boca dejo en claro algo que muchos piensan, el rock está muerto hace tiempo. Cuando Trueno dice hoy somos el rock and roll se refiere a eso que el rock fue perdiendo y que el trap o este género urbano fue ganando. Para mi el disco de Trueno no es rap, para MI. Ahora bien ¿está meando fuera del tarro Trueno al decir esto?. Y la verdad no. Hoy quienes mueven a las masas, quienes exhiben esa rebeldía extrema son lxs pibes que hacen este tipo de música, que repito puede gustarte o no gustarte.

Aquellxs que son rockeros de antaño y que deliraban con Luca, con el Flaco, Charly, Cerati hoy tienen que saber que la antorcha del rock en Argentina la lleva La Berisso y con eso amigxs, les estoy diciendo todo. El rock era rebelde, era nadar contra la corriente envuelto en un estilo y siendo representado por monstruos a nivel musical. Hoy no son monstruos, son oficinistas sin alma que hacen música para aquellos que con la napia pegada a la ventana ven el recuerdo de la era dorada alejarse cada minuto un poco más. Hoy en día esa rebeldía, ese sentido de pertenencia lo generan artistas como Trueno, como Wos y todxs estxs pibxs que hacen la música que les gusta, con gente amiga y que (vuelvo a repetir) te guste o no, es la que manda en los famosos rankings.

Como saben, en mis columnas suelo decir que para mi el trap no es parte del hh y que personalmente no me gusta nada. Es cierto y eso no cambia, de hecho el disco de Trueno me parece impresionante a nivel producción pero no volvería a escucharlo, porque no es música de mi agrado. Pero aquellxs que lo hayan escuchado como yo, podrán afirmar que suena mucho mejor y es mucho mejor disco que varios  de rock que han salido últimamente. Una cosa no quita la otra.

¿La camada trapera de ahora puede compararse con la era dorada del rock?… y sí, claro que sí porque no. Hay millones y millones de personas en el mundo, música para todos los gustos. De echo también existen algunxs que dicen «la música me da lo mismo», hasta para esos extraterrestres debe haber algo por ahí. Les guste o no, estxs pibes están viviendo y marcando su era. Nadie les regalo nada, trabajan y saben moverse en su mundo que hoy es el virtual, ahí juegan de local y estés o no de acuerdo hoy las redes y los streamings son parte de la normalidad, si vos estás afuera no es problema de Trueno. Lo que el dijo se centra en esto, ellxs hoy generan lo que el rock generaba hace años. Todxs queríamos ser Luca o el Flaco, hoy lxs pibxs quieren ser Wos, Trueno, Cazzu y ese es el más fiel reflejo de las declaraciones de un artista que tiene 18 años y muchísimo camino aún para seguir conquistando el mundo.

Debatir es algo hermoso, siempre con respeto y un argumento lógico. Trueno dijo la verdad, dijo lo que está pasando y lo que muchxs pensamos. El rock está muerto y de ser rebelde paso a ser pasatista y disoluble. El rock hoy es La Berisso y si eso es rock, yo al menos, voy a cruzar de vereda.

BRODER, UNA FELIZ REALIDAD.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Sin lugar a dudas 2019 fue un año magnifico para la cultura hip hop. Con sus pros y sus contras el crecimiento de la cultura en el país es indudable, y hoy centrándonos en los pros, vamos a dar una claro ejemplo de que el hip hop en Argentina está listo para seguir dando pasos hacia adelante.

Para aquellxs que no saben todos los años en Estados Unidos, más precisamente en Harlem, Nueva York, se celebra el Hip Hop Film Festival que reúne todas las producciones audiovisuales relacionadas con la cultura Hip Hop a nivel global y Broder, la serie Argentina lanzada por la Tv Publica, el canal Encuentro y la plataforma Cont.ar, ha sido seleccionada para participar de la edición 2020 del mencionado evento. Un motivo más para celebrar el auge de la doble h, con un producto gestado, nacido y criado en nuestro país.

La serie producida por Plata Alta Tv y Canal Encuentro; y producida por Mauro Perez Quinteros no para de cosechar halagos, nominaciones y buenas críticas empujando a los realizadores a porque no, hacer la segunda temporada. La historia cuenta la llegada de dos hermanos que luchan contra los prejuicios de su abuela introduciéndose en las profundidades de la cultura Hip Hop de la mano de Nucleo Aka TintaSucia y todo el Triangulo.

Desde Revista Flow felicitamos a todo el equipo de Broder y te invitamos a ver esta serie si es que aún no lo hiciste. Broder es una realidad, una muestra, una imagen enorme de lo que está pasando en Argentina y desde acá apoyamos muchísimo iniciativas así. No solo es el primer producto televisivo que se estrena en Prime Time de la Tv Publica sino que es la primera serie latinoaméricana íntegramente dedicada a la cultura Hip Hop algo que no es poca cosa.

Podes ver todos los capítulos acá

JAI 314 – EL ROCK ESTÁ MUERTO (2020)

Por Gian Franco Lisanti – @itnasilnaig

En mayo del corriente año vio la luz “El rock está muerto” de Jai 314. El disco transpira laburo, creatividad y compromiso. Las letras cargan con la desilusión, la oscuridad y los dolores de la vida moderna. Una tinta muy oscura corre desde el plug-in al oído y gracias al obituario y la tapa, sabemos que vamos a transitar durante casi cuarenta minutos, los recovecos menos iluminados de la vida de este rapero de zona oeste.

El primer tema es “No puedo salvar a todxs” feat Nils. La voz resplandeciente de Spinetta nos ilumina hasta que la base comienza a sonar. Es realmente una base adictiva, de esas que resuenan hasta cuando no tenes nada en la cabeza, que si la buscas un segundo está… “Hace un año no me afeito, ni me par del sillón, esperando a que haga efecto la puta medicación, esto no era lo planeado, me cago en lo planeado, si miran para otro lado les prometo salvación”. Barras cortas y un flow que te eleva del suelo, te mantiene levitando durante las diez canciones. Nils en los coros profundiza la atmósfera turbia de la letra, la voz y la base, y en el estribillo nos quita de ahí para transportarnos con una voz angelical a ese lugar donde todo está bien, o al menos eso parecería.

Luego, “El rock está muerto” comienza con un sample de contenido bastante ilustrativo: Si das mierda, no esperes otra cosa que mierda en devolución. Y en eso, los primeros diez segundos de base con solo drums, cajas, sin melodía, que aparece con la voz de Jai, mínima pero sustancialmente. Los cambios en la instrumental, muy estructurados, con riffs que entran, salen, se superponen, me hacen acordar a “Seven Nation Army”. Una excelente referencia rockera en este disco de rap que nos anuncia la muerte del rock. La letra de corte pesimista, mezcla reflexiones sobre la sociedad con sus propias sensaciones sobre el contexto, una manera muy efectiva de decirnos lo que opina sin bajar línea.

El interludio, de vuelta, sin teoría, sin discursos, nos deja algo que pensar y llegamos a la cuarta canción. Base que comienza con drums, una voz dulce y un bajo. En cinco segundo se genera el groove que atraviesa toda esta canción, que tiene señales al funk, memorias de Illya Kuryaki y danza asegurada. “Aleluya” junto a Claudia Resnik es, para mi, el hit del disco. Es de esos temas que se tienen que pegar porque son excelentes, porque se lo pasas a todo el mundo, porque lo pones en juntadas y te preguntan quién es, y se goza. La base es adictiva pero esto ya no sorprende en este disco que destila producción musical.

En una línea muy similar, “Falcon verde” retoma todo ese sonido bien negro pero ahora en un ambiente más chill. Vetas de soul que suena y te rompe el corazón, junto a la letra, no solo por el mal de amores sino por todo el laburo instrumental que acompaña de manera excelente todo el ambiente que genera.

“Ya está” es el tema de NN aka Winz feat Jai 314. No, no me equivoqué. Este canción se la roba la rapera con flow, estructura y skills que te vuelan la cabeza. Argumentos de sobra muestra para encargarse de más de la mitad de la canción, y sin la matemática exacta, me arriesgaría a decir que 3/4 son de ella. La base incluye dubstep, hit hats de trap y sonidos souleros reminiscentes de la canción anterior. Es una locura leerlo y admito que no tiene sentido pero escuchandolo van a ver que lo hicieron no solo posible sino también magnifico.

Junto a Legar, “Aeroplane” es el séptimo tema del disco. Un comienzo muy noventoso y una base mínima que es lo necesario para hacer una canción equilibrada, entre lo que se dice, cómo se dice y junto a qué se dice. En el final vuelven a aparecer formas extrañas al rap más duro pero está tan bien hecho, tan bien insertado en el tema y en el disco como obra total, que hace a la genialidad de la producción.

Si, como les dije, el disco emana oscuridad, “Memento mori”, el anteúltimo tema, es la cúspide, el faro sin foco de todo este álbum. Recordá que vas a morir nos dice en latín Jai, con una base sombría, de mucha distorsión, pocos sonidos agudos y un flow permanente, como el constante movimiento de la aguja del reloj.

El anteúltimo tema feat Nils, “Solo encenderlo”, no es ni la excepción a las fusiones en este disco, volviendo los géneros que visitaron en canciones anteriores, ni tampoco al nivel general.

Lopivezinzuerte” es el ultimo tema. Un sonido mucho más chill en contraposición al que predomina en los temas anteriores. Estribillo pegadizo, buen manejo de los skilles que demuestra en todo el disco, dándoles una nueva vuelta y cerrar todo el proyecto de una manera superlativa. Las letras, de todas formas, mantienen esa mirada cansada, triste y resignada hasta el final.

En síntesis, calidad tanto en lo musical como en lo poético. Barras y flow que le dan identidad propia a Jai 314, que dentro de su talento está también la capacidad de dejarle espacio a las numerosas colaboraciones, cada una con lo suyo pero todas con gran nivel. El plan de unir al rap a otros géneros es ejecutado a la perfección en cada base. Este laburo en contenido, forma y fondo hacen que sean temas tanto como para escuchar con atención y auriculares como para disfrutar las bases y el flow con el volumen a mil en los parlantes.

Este es un disco que tiene muchos hits porque cuando se termina la última canción, continúan sonando todas en tu cabeza, y no simplemente por el marketing.

NO HAY REVOLUCIÓN SIN INCLUSIÓN.

Por Lautaro «Lykao» Yanes – @yanes.lykao

Que la cultura Hip Hop forma parte de la agenda social, musical y cultural nacional es un hecho. Para comprender la importancia que fue tomando con él pasar del tiempo en nuestro país basta con ver la lista de las canciones más escuchadas en Spotify Argentina donde por semana al menos 2 temas de rap o trap entran en el top 10, o los distintos festivales que juntan miles de personas fecha tras fecha.

Según Kool Herc, el Dj a quién se le atribuye la creación de esta cultura a mediados de los años 70 en Nueva York, el HH “es un movimiento revolucionario en sí mismo”. El motivo del surgimiento de este radica en la lucha racial que atravesaban los afroamericanos en ese entonces ante una sociedad y un poder político excluyente. Sí traemos estos principios a nuestro espacio y tiempo probablemente la definición no cambiaría demasiado, pero sí los actores, o actrices. Si bien los afroargentinos conforman un colectivo que a lo largo de la historia sufrió la discriminación y la invisibilización, existe un grupo social mucho más numeroso que, a pesar del revuelo que su contienda por una mayor inclusión tomó en los últimos años, no logró (o no lo dejaron) tomar partido en este movimiento social ascendente; las mujeres y los y las artistas trans y no binarios.

Hoy por hoy son muy pocas las mujeres argentinas que triunfan haciendo rap, por lo menos mucho menos que los hombres. Esto, para quienes integran el movimiento y creen que hay aspectos que deberían cambiar, es un problema de base. “El lugar donde el machismo se ve más a flor de piel es en las plazas -primer lugar donde cualquier artista de un género urbano debe “ganarse el nombre” sí espera triunfar de alguna manera– ahí se celebran rimas homofóbicas, gordofobicas y se sexualiza a las mujeres”, asegura La Negra Buggiani, rapera marplatense que reside en La Plata. “Para nosotras es muy normal que en forma de halago nos digan “rapeas como hombre, muy bien” y eso es horrible” agrega Clipper, rapera y graffitera uruguaya instalada en Buenos Aires.

Siguiendo el hilo del planteo de que la exclusión de lo femenino y lo no binario es parte de un problema estructural en el Hip Hop nacional, Lx Kabronx, artista argentina de género no binario, asegura que existe cierta responsabilidad a asumir por parte del público. “Creo que es importante que nos empecemos a cuestionar como
espectadores, rol en el que sin darnos cuenta muchas veces terminamos reproduciendo o siendo cómplices de los mismos actos machistas que tanto cuestionamos”, explica. Clipper sostiene esta idea a partir de una experiencia personal nada agradable: “En una batalla de freestyle -disciplina en la que dos raperos se enfrentan en una pelea argumentativa a base de rimas- llegaron a decirme que iban a meterme un brazo adentro de mis genitales cuando me vieran en el colectivo y más de 200 personas festejaron la frase”, confiesa.

Debido al auge que atravesó en los últimos años, el movimiento feminista ha sabido irrumpir en los rincones más conservadores y retrógrados de nuestra sociedad y por ende también lo hizo en el Hip Hop. “Últimamente por suerte se habla bastante de la inclusión de la mujer en la cultura” asegura Clipper. Un ejemplo de esto es la declaración de Brasita rapera porteña que afirma que “cada vez son más los organizadores de eventos que se auto-exigen, ya sea por presión social o determinación propia, la presencia de artistas mujeres en sus shows”. Sin embargo, esta es una actitud que genera discrepancia en algunos sectores de la cultura “no soy partícipe de que te llamen a tocar o a hacer algo solo por ser mujer y llenar ese cupo”, declara la artista uruguaya mencionada anteriormente.

Existen iniciativas como La Liga Feminista de Freestyle y eventos con esta temática relacionados al rap, graffiti y breakdance, donde solo se aceptan artistas mujeres, que intentan impulsar al movimiento hacia una realidad más inclusiva. Sin embargo, hay quienes creen que muchas veces esto termina siendo una traba para las artistas. “Por un lado estas fechas sirven para visibilizar a la mujeres, pero llevarlos a cabo en forma masiva genera que se siga haciendo diferencia entre hombres y mujeres, por lo cual termina siendo contraproducente.” explica Kreiluz, rapera de Posadas, Misiones.

En definitiva, el Hip Hop, al igual que la marea verde, se sigue abriendo camino en la coyuntura social argentina y así se mantendrá por, probablemente, mucho tiempo más. De lo que va a depender el desarrollo del movimiento en territorio nacional va a ser de la aceptación que obtenga en la población, sobre todo en los jóvenes. Sin dudas la inclusión y la diversidad son un camino a este objetivo, el cual de a poco se está logrando, pero aún le queda un largo camino por recorrer.