«ES MENTIRA QUE EL BOOM BAP ES SIMPLE»

Por Lautraro «Lykao» Yanes (@lykao.sdc) & Gian Franco Lisanti (@itnasilnaig)

El domingo 19 de julio, con motivo del lanzamiento de su último EP, Repeat 3peat, nos encontramos por Zoom con Lego. Él estaba en Mar del Plata, nosotros, en Capital. Domingo de lluvia, de frío y una charla de dos horas que nos dejó inundados de información. Cerca de las 00 del lunes se terminó la llamada. Reflexiones, anécdotas y proyectos pasados, presentes y futuros se entremezclan en las respuestas de un artista que, desde lo introspectivo y emprendiendo un viaje interior y exterior, busca llegar alto; “Es sano el ego de artista pero cada uno tiene que ser consciente del lugar que ocupa”.

¿Sensaciones después de sacar el disco?

Re piola, mas que nada porque no se afloja. Un mes antes de sacar todo fue muy intenso de cranear el paso a paso. Íbamos haciendo audiovisuales acá en mardel mientras craneabamos como ir sacándolo, después se iban sumando cosas. Pero en el momento en que salió fue un alivio, queríamos hacer un proyecto cerrado por todos lados y lo conseguimos. Ahora me mantengo entretenido, quisimos ponernos a armar fechas apenas salió el disco pero la pandemia nos cago. La respuesta de la gente fue hermosa, me sorprendió un montón. Sentí que había gente esperando material nuevo. Hicimos un par de streamings para presentarlo y salieron piolas pero podrían haber salido mucho mejores. Con el tiempo vamos mejorando y haciendo shows más extensos. Es algo que uno va armando en el día a día. Es un bajón depender de la conexión pero la otra vez, por ejemplo, conecte el ampli al celu y al micrófono y di terrible show.

Cuando sacaste el ep ¿ya tenias fechas en capital o fue de improviso, de cuarentena?

Es el primer material que saqué sin pensar en hacer fechas. Por la pandemia me di cuenta que el disco que ya venía preparando -Cambalache- iba a llevar un poco más de tiempo pero que me tenía que mantener activo, así que decidí venirme a Mar del Plata, donde las cosas están más tranquilas que en el AMBA y terminé de hacer el EP que tenía en mente. El hecho de que acá haya más posibilidad de circulación me permitió hacer vídeos y trabajar más cómodo. Además, hacer algo en mi ciudad me encanta. Buenos Aires me dio un montón pero este es mi lugar. Me gustaría hacer una fecha acá antes de irme.

¿Por qué sacar repeat 3-peat cuando ya habías anunciado Cambalache?

Yo anuncié Cambalache en octubre del año pasado. En ese momento tenía, o al menos eso pensaba, gran parte del proyecto terminado. La cosa es que desde que me fui a Buenos Aires, empecé a atravesar una reestructuración en mi carrera que también impactó en el proyecto por lo que decidí que lo mejor era esperar a estar realmente conforme con el material para sacar un disco así. Pero la demanda de la gente por material nuevo seguía estando. Ahí surge la idea de volver a Mar del Plata y editar Repeat 3Peat.

¿Por qué te fuiste a Buenos Aires? ¿Te sirvió?

Totalmente. Sin flashar la de American Dream, me fui en agosto de 2019, para tener más visibilidad. Tenía ganas de que gente que no me conociera escuchase mi música, es algo que no quería perder la oportunidad de hacer. Por suerte, me recibieron muy bien y pude armar mi equipo de laburo. Me había dado cuenta que cada vez que tocaba en vivo en Mardel éramos los de siempre, contados con los dedos de las manos. Que te respeten y te escuchen en tu barrio es fundamental, pero yo tenía ganas de llevar la música a la gente. El exceso de publicidad nunca me gustó mucho, por eso me fui allá a hacer escenario, quería llevar mi música en lugar de atraerlos por redes sociales.

¿Hubo un momento en particular en el que te diste cuenta lo que tu música genera en la gente? 

En los números. Al principio no me lo creía tanto pero cuando Papiroflexia llegó a cien K, siendo el segundo tema que yo hacía y el primero en el canal de Bastardos del Barrio, mi ex crew, ahí dije “esto lo puedo aprovechar, lo puedo repetir y lo puedo seguir haciendo”. Después me pasaron cosas como que me hable gente de España diciéndome “hey bro tu música está que flipa”, que para mi es una banda. El otro día me habló una maestra de primaria comentandome que había escuchado mis raps y se acordó que ya de chico escribía un montón y que sabía que yo iba a terminar haciendo algo con la escritura, con la literatura. Ese tipo de cosas me hicieron dar cuenta. La fecha con T&K en Uniclub también fue importante en ese sentido

Contanos sobre quienes trabajan y trabajaron con vos

Mi primer productor fue el Bobi G. Él me grabó Papiroflexia, que me puso por primera vez un micrófono adelante y me dijo que podía hacer música y me puso fichas. El fue muy importante y siempre le voy a agradecer todo. La idea del disco había nacido con él pero no se pudo concretar. A Tommy lo conozco hace un año y medio. Apareció cuando yo estaba buscando un productor fijo que me revolee pistas por la cabeza. En ese momento él tenía poco tiempo haciendo música, pero me mand’o lo que tenía y me re cebó. 9 de cada 10 beatmakers no tienen el toque de hacer parecer al rap algo simple, Tomy sí. El tiene 18 años, nació en San Clemente pero vive en Tenerife, España, por lo que al chabon no lo conozco. Ahora le estoy pagando pistas de temas viejos, aunque él me decía que no. Hicimos Repeat porque en “Cambalache” el no tiene mucho espacio y yo tenía ganas de que hagamos un proyecto grande. Después está el Punga. Me di cuenta que el tiene capacidades que van mucho más allá del rap. Entiende de electrónica, punk y una banda de géneros más. Juntos hicimos mutatis. Tenemos una relación muy lisérgica. Lo próximo que vamos a sacar juntos es un pedo mental, yo sigo siendo Lego Skillz y él sigue siendo Punga pero tenemos ganas de flashear con la música, probar. Con Mutatis, tema que es muy distinto a todo lo que hice, hicimos prueba piloto; queríamos ver cómo reaccionaba la gente a algo completamente distinto a lo que venía haciendo y el resultado fue tan positivo que ahora es mi segundo tema con más repercusión. Es un tipo que sabe y que le gusta probar y en mi encontró un artista que le da bastante libertad en ese sentido. En Cambalache, Skinny Skills, que es el último tema, va a ser el pie a una nueva etapa en donde el Punga va a estar muy presente. Se va a ver mucho la influencia de Rage Against The Machine, entre otros. Nos gusta mucho a los dos y siempre le digo que quiero hacer que con mi música la gente quiera agitarla, cagarse a palos, pero sin perder el valor de las letras, que siga teniendo barras que valgan la pena. Con él aprendí a manejarme en el escenario. Tenía toda la cancha que yo no, porque él ya había estado en dos bandas e incluso llenó un Emergente. Se nos sumó después el Mapris, que terminó siendo mi gran segunda de Capital. También está el Nego . A él lo conocí gracias a Mapris. Tomy y Nego tienen personalidades muy distintas. El primero está hecho para hacer cosas voladoras y el otro es un productor todo terreno en cuanto a boom bap, tiene una identidad y un estilo muy prolijo. Es un productor amateur que ya está un paso más arriba pero con herramientas de amateur. Con él todavía me debo un proyecto piola para hacer para que se lo tome como a Tomy se lo tomó con este proyecto. Mi objetivo es que a él también se lo vea como un productor, como un señor boombap y que otra gente lo empiece a conectar. El Ruso  es la tercer pata con El Punga. El es manager de la RPCK y de Tian. Cuando era más chico, hoy tiene 18, organizó la primera gira de Barderos por el sur del país. Barderos y El ruso son de Neuquén. Ahora es mi manager. Es una persona que nació para hacer lo que está haciendo y siempre vos lo ves trabajando. Después está Galati , que labura con Nego. Son de Lomas de Zamora. Pero básicamente este es el equipo fijo y somos estos los que después conseguimos conexiones y terminamos laburando con más.

¿Qué tanto sentís que estás en la producción musical y audiovisual? ¿Te involucras mucho o dejas que laburen por vos?

Siempre quise gestionarlo yo mismo pero no tenía los conocimientos. Empecé a estudiar artes visuales y ahí aprendí un poco más de lo que era fotografía y con la música me pude meter porque aprendí mucho de ver en estudios. Al Punga lo veía laburar y capaz estaba haciendo un bajo y le decía que quería que el bajo suene menos rígido y el chabon me entendía. Tal vez la palabra no es “rígido”, pero sin tener ese lenguaje musical el chabon lograba cazarme. Por eso también labure tanto con el Punga y nunca hicimos música sin estar los dos en el estudio. Me meto muchísimo en los proyectos y cada vez más. “Repeat 3-peat” es todo una idea mía, los vídeos son una idea mía pero no las tomas y la música desde cero está hecha entre los dos, Tomy y yo. Quería que sean tres boombaps muy distintos pero al mismo tiempo boombap con todas las letras. Obvio que Tomy hizo los ritmos y él fue el que controlo todo pero en parte la idea principal era mía, tanto vídeo como audio así que sí, me comprometo siempre y si pudiera hacerlo yo, y creo que en algún momento sí lo voy a poder hacer yo, lo haría. Miro mucho a gente como Dano o productores de Estados Unidos, o inclusive él caso de Billie Eilish. Obvio que estamos muy lejos de la industria de allá pero ves que arrancó con el hermano a hacer música en su casa y terminó ganando 6 grammys y decis: “se puede”, más en el momento que está pasando la música y el rap argentino. Llegará un punto en el que me pueda hacer las cosas yo y con mi propio equipo de laburo y de una manera que solo nosotros entendamos.

¿Quiénes son tus referentes del pasado y de hoy?

Mi escuela de referentes la integran personas del rap argentino como T&K, La Coneccion, y esa ola de 2011/12 que terminaron generando todo lo que le está pasando al Hip Hop nacional ahora. Yo de chico me venía curtiendo con rap español o yankee y ellos me hicieron volver a activar con la movida local. Actualmente no estoy consumiendo tanta música nueva porque, al estar tan encerrado en mis ideas y proyectos en conjunto, no me doy el tiempo necesario. Joey Badass es mi referente más grande en cuanto a lo que me gustaría llegar a ser como artista, su estilo jazzero y cómo fluye sobre una base. La verdad, tengo referentes dependiendo de lo que me fije: Kendrick me vuela la cabeza por la forma que tiene de conceptualizar los álbumes y el audiovisual. Se nota que el chabon no deja el audiovisual y que está metido en todo el trabajo. Eso es algo que me re flashea y creo que en Argentina todavía no se llegó a este nivel de conceptualización de un material. En algún momento tuve una admiración re grande hacia Lil Supa en el estilo de boombap porque creo que marcó una generación en lo que es habla hispana. Otro referente es Dano pero porque me mostró un rap distinto: la forma de expresarse desde todo punto de vista, sonido, barras, audiovisual, el chabon es todo rap, es rap por todos lados. En las etapas que fui pasando fui teniendo referentes distintos, y después mis amigos, todos los artistas con los que me rodeo y hacen música, todos me transmiten eso y de cada uno capto algo distinto, que eso los hace únicos y también me funcionan como referentes, absorbo.

¿Cuánto tienen que ver tus ganas de diferenciarte, de escuchar música distinta, con todo lo nuevo que suena en Repeat 3-peat?

Esto lo hablamos mucho con el Punga. Yo empecé a escribir y hacer música porque no me costaba nada. Escribir es gratis y una pista va a haber en cualquier lado y sabía que me iba a servir y que iba a poder hacer algo con eso; evolucionar también es gratis. Está muy instaurado esto de “el rap es rap y sale como sale y al que le guste bien y al que no, también”. Creo que entendí que yo tenía una formación como artista y que llega un punto que si vos tenes ganas de trascender, hay que estar un paso adelante de otras personas. Fue un tema de noches y noches de cranear y decir : ¿yo me quiero quedar en lo que hago, me quiero quedar en el nivel de producción de Papiroflexia o quiero innovar, quiero llegar a ser algo, entender por qué esta voz va atrás de la otra y por qué se panean estas dos voces, y qué genera eso? Siempre tuve algo inquieto ahí de querer estar en todo y aprender no cuesta nada. Me di cuenta que podía llegar mucho más lejos si seguía con esa mentalidad de innovar y también porque ya había comprobado que a la gente le podía gustar lo que yo hacía desde el principio y que solamente faltaba eso, un proceso. Me plantee: yo ahora no soy Lego Skillz, ¿a qué quiero que llegue esa faceta como Lego?, quiero escribir desde acá, hablando de esto, para este público y teniendo en cuenta esto, y teniendo en cuenta que salí de acá, y formar todo eso, y juntar todo eso y que de ahí salga Lego Skillz… una fórmula que si la llegas a tener clara y llegas a hacer tu música, desde la escritura, la producción y demás, llegas a tener una identidad propia y eso no te lo saca nadie. Eso te diferencia de un artista que hace muy buena música pero no tiene identidad propia así que laburé eso y llegué a ese punto pero no fue algo planeado desde el principio, se fue dando. En Repeat pensé en cada tema. Es un proyecto corto pero le metí mucho pensamiento porque quería hacer algo que cierre una etapa y tenga sentido. “Anthem” es un tema apuntado a un público que me viene viendo hace un montón, muy personal pero al mismo tiempo hablando y agradeciéndole a este público. “Palabreo” es mucho más introspectivo, más como para que lo analicen. El tercero es este forreo que me hacía falta y además es el estilo que quiero hacer, el que quiero demostrar. Le propuse a Zeballos hacer un boom bap con todas las letras, que él hace tiempo no hacía uno y le mandamos. Camuflamos ahí una partecita suave y después la base cambia a algo más duro, medio de sorpresa, y elegí dejarlo para el final para que la gente vea que se viene algo por ese lado.

¿Apuntás a ser un representante de la nueva generación del denominado “rap estricto”?

Me encantaría que eso pase pero para lograrlo tengo que hacer algo que no se haya hecho en Argentina. La verdad, no creo que esté haciendo nada inédito todavía, simplemente estoy haciendo mi rap de la manera más prolija y consumible posible. Mi objetivo es que la gente flashe con mi música, y no solo por la letra sino que haya todo un contexto musical interesante. Es mentira que el boom bap es simple, es algo super complejo. Entender eso me ayudó a mejorar. Mi objetivo es llegar a hacer el boombap que de verdad quiero. Para eso sé que tengo que combinar muchas cosas; por un lado tenes lo que hace gente como Toteking, que te provoca ganas de googlear palabras que desconoces pero a la vez quiero convertir eso en algo un tanto más potable. Si te fijas, Space Hammurabi está haciendo algo parecido. Barras y barras que no aflojan, pero su mutación se dio a lugar cuando lograron volverse más escuchables, más exportables.

¿Hasta dónde querés llegar? ¿Qué podemos esperar de Lego?  

Yo ya mostré mi marca registrada de skills,, mi forma de rapear. Creo que la gente ya lo sabe. Lo que quiero demostrar ahora es que eso se puede llevar a un nivel cada vez más avanzado de producción. Me di el gusto de hacer el boombap que yo quería y ahora quiero pasar a una etapa en la que lleve mi rap a otra cosa: a poder marcar mis influencias del rock y de la parte más bardera y hasta de electrónica.  Igual, la intención no es hacer un Rap-rock a lo Limp Bizkit, sino que sea algo que la gente no haya escuchado antes, que no sea una fusión, que sea algo muy nuevo. Todavía hay mucho en mi mismo que pinta explorar… hay tiempo, mucho tiempo. Además, tuve la suerte de armar conectas importantes, así que se vienen feats con Socio, Mapris, Tian, Troubles y los pibes de Kamada. Entre todo eso voy a ir definiendo, sin apurarme.

¿Cómo te caería a vos que esto siga creciendo?

Es loco. En algún momento me lo tuve que creer porque hacerlo me permitía anticipar, armar la jugada un par de pasos antes para saber qué puede llegar a venir después. El año pasado tuve este click, cuando fui a Buenos Aires en búsqueda del equipo de laburo. Se trata de estar preparado mentalmente, más allá de que tengas los medios o no. Tengo que creer en mi música. Capaz muchos artistas no te dicen que se la tuvieron que creer y que se fue dando pero creo que todos tenemos nuestro momento para poner las cartas sobre la mesa, quiero algún día vivir de esto y quiero que algún día el pibe que me está escuchando hoy, tenga un hijo y el hijo me escuche. Es eso, conseguir los medios y mientras ejecutar en la cabeza y tener todo preparado.

A esta altura queremos hacer una pausa.

Decidimos separar todas las reflexiones que hizo a lo largo de la entrevista, cuando se iba por las ramas, cuando más pensaba las respuestas, porque sentimos que entre la data más dura anterior iba a diluirse. Es todo este contenido intelectual lo que hace de Lego un rapero diferente, un artista que resalta, que no sólo tiene skills, flow y cámara. Lego es Lego por lo que piensa (sus letras), cómo lo dice (sus técnicas) y porque también, y sobre todo, sigue siendo Agustín.

Sobre los feats y trabajar con otra gente:

“Hasta ahora yo no hice ningún feat que no quisiera hacer. Mucha gente pide feats, te ofrecen plata por hacerlo pero es muy difícil hacer un feat con una persona que lo viene a pedir. A vos te llegó una persona y te cebó y justamente es eso lo que te lleva a hablarle y solo comparto temas con la gente que me gusta. Es difícil hacer un feat con una persona que no conoces, que no contactaste. De pronto, con la gente que me gustaría hacerlo termina siendo algo mucho más espontáneo y mutuo y de decir “che llegó el momento de hacerlo” y lo hicimos. Así se dio con el Troubless, que empezó como una charla de par a par y después de un tiempo, salió. Lo mismo con el Saje. Nos cruzamos un par de veces, ranchamos, compartimos música y después de un tiempo, que también vimos que la gente nos estaba vinculando musicalmente, dijimos que estaría piola y se terminó sumando el Kelo. Yo me vincule con la gente que me tuve que vincular, nunca busqué, no me interesó… me gustaba la idea de compartir escenario con gente que alguna vez escuche pero al mismo tiempo hay un montón de artistas que se esfuerzan por mostrar todo lo contrario, como si tratar con ego fuera para justificar que alguna vez no admiraron a alguien o no les gustó un trabajo. Me cago un poco en eso.”

El ego de artista:

“…está muy presente, demasiado. Si hay un artista que me cruzo en una fecha y me cebó o me marcó en algún momento en mi música, se lo voy a decir. Me pasó con el Asterisco, que nos cruzamos en un evento y yo le hable un par de días después de haber tocado, le conté, porque la verdad no me afecta que lo sepa sino que hasta me gusta, que su música era parte de mis viajes a la escuela en el momento en el que yo deliraba con hacer rap en algún momento. Esa es una actitud que tuve con todos los referentes que me fui cruzando, pero hay gente que siente que hacer eso es rebajarse. La movida está llena de artistas que, cuando cumplen sus metas y conocen a quienes los inspiraron, son incapaces de mostrarse agradecidos, eso es un tema de orgullo. Se cree que está mal aceptar ciertas cosas o reconocer a quienes están hace más tiempo como si fuera rebajarse. Para mi es transparencia y respeto, porque si sos artista y llegaste hasta tal punto y ves el laburo de otro, por más que no te guste, sabes que le costó llegar hasta ahí también, y que llegó ahí porque hizo algo piola y porque está haciendo las cosas bien. Te cruzas un montón de gente con ego y con egos altísimos y te cruzas un montón de gente que la falta de ego hizo que no prospere, que quede un poco al margen. Hay que tener un balance. Por ejemplo, creo que no contestarle a una persona hace que hayas tirado una semilla al pedo pero tampoco podes hablar con todo el mundo. Igual siempre va a haber alguien que crea que vos sos un gil porque con el público es eso, o te aman o te odian. Si te tienen en cuenta es porque te aman o te odian, y no se puede hacer que todo el mundo te ame y tampoco es sano querer que todo el mundo te ame. Es sano el ego de artista pero cada uno es consciente del lugar que ocupa y el lugar que ocupa el otro y hay que respetar. No me considero un rapero con un ego muy grande pero también soy consciente de lo que estoy logrando pero no tengo este ego que se ve en el rap y más en el rap de Capital.”

Sobre el dinero y la fama:

“Es cíclico, una cosa te da la otra y al mismo tiempo al revés. No soy de esas personas que crea que la fama es algo que está mal y obviamente que la plata tampoco está mal. Creo que el músico, como músico, merece su plata y en Argentina estamos en un momento en el que estamos recibiendo lo que merecemos. Prefiero el dinero mil veces pero creo que la fama es una consecuencia de trascender. Hay que lograr un equilibrio, parte de trascender son las dos cosas. La plata llega, porque la industria es así. Si uno quiere que se consuma su música para trascender, una consecuencia es la plata, quieras o no. Es mentira el que te dice que no quiere ganar plata con su música porque todos soñamos eso. La fama es problemática pero no hay una sin otra. Es aprovechar la fama para hacer plata y la plata se aprovecha y se invierte, y eso trae fama, es como un círculo.

 

La charla duró dos horas. Es imposible poner cada palabra que dijo porque sería una entrevista eterna y además, algunas cosas es mejor no decirlas. Como lector, como lectora, lo mejor que podes hacer para terminar de entender toda la locura que Lego carga, es leer entre lineas, buscar claves entre respuestas. Y definitivamente, escucharlo entre líneas. Lego no hace técnicas solo porque es un skillero y le salen. Lego es técnico porque así de difícil, y así de bien, piensa, recapacita y actúa.

 

 

 

 

«NUCLEO: DESDE EL TRIANGULO» – DOCUMENTAL.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

El Hip Hop en nuestro país no para. De verdad no existe cuarentena, distanciamiento social, tapabocas ni saludo con el codo que pueda detener una fervorosa necesidad por decir, por crecer. Es repetitivo, pero la explosión del freestyle y posteriormente del trap, generó un sentido de pertenencia en los más jóvenes que cambiaron el fútbol en la plaza por las batallas de rimas improvisadas. Dentro de todo este contexto llega «NUCLEO: Desde El Triangulo» un documental de German Abal que se centra justamente en esta explosión de la cultura en estos último años.

Para los amantes del Hip Hop cualquier material, tanto audiovisual como físico es de una importancia imborrable y sobre todo este trabajo, que vas a poder disfrutar desde el viernes 07/08 en el canal de El Triangulo, intenta a través de una entrevista con un emblema de la cultura nacional como lo es Nucleo aka Tintasucia, ofrecer un panorama actual del Hip Hop argento.

Bajo la dirección de German Abal, con la co producción de Somniotica contenidos y Arlekin producciones y con el apoyo del Centro de Producción Audiovisual Leonardo Favio, Fauna producciones y Studio t2 producciones, «NUCLEO: Desde el Triangulo» nace desde una entrevista realizada en el Centro de Producción Audiovisual Leonardo Favio en Bernal que fue realizada en el marco de los talleres barriales de Realización de cine y Tv del Municipio de Quilmes, donde el director del mismo es docente.

«Es una inmensa alegría para mí llegar al estreno del proyecto y que al fin la gente pueda verlo. Desde lo personal, siento una gran admiración por Núcleo y por toda la cultura Hip Hop de nuestro país» cuenta Germán en el dossier de prensa. Es indudable que Nucleo es Hip Hop en carne y hueso, su personalidad es la ideal para intentar desde allí dar un pantallazo de la cultura en nuestro país, sobre esto Germán cuenta que «Núcleo logró ser una de las figuras más respetadas y construyó un camino sólido que sirvió también para desarrollar a nuevos artistas, quienes con frecuencia graban sus trabajos en el Triángulo Estudio, ubicado en Temperley».

Faltan días nada más para que puedas disfrutar de un nuevo material audiovisual que sin dudas enriquece el Hip Hop argentino y Germán espera que «el público que sigue a Núcleo y la cultura del rap se sienta representado pero también buscamos incluir y dar un panorama claro para aquel que no conozca el tema y quiera conocer, siento que el documental puede ser un buen puntapié para generar debates sobre cómo vivimos y transitamos lo cultural, lo urbano y también lo político y lo social»

Ya lo sabes, viernes 07/08 a las 22 hs. es el estreno de esta gran obra. Estate atentx al canal de El Triangulo Estudio para disfrutar de un nuevo documental made in Argentina.

¿VALE LA PENA?

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

¡PERO CLARO QUE SÍ! ¡Recontra vale la pena!. Hacer lo que uno ama es el sumun de los sentimientos. Es la sensación máxima de ser feliz, de sentirte libre, de no cargar mochilas ni frustraciones. El otro día y envuelto en la «locura Bielsa» que fue parte de las redes y los programas de deportes de las últimas semanas, mire un vídeo de este ya, profesor, donde decía «El éxito y la felicidad no son compatibles. Hay personas exitosas que no son felices y hay personas felices pero no exitosas» y automáticamente la portada del mes se me vino a la cabeza. «¿Vale la pena?» y vuelvo a contestarte a vos que estas del otro lado con las mismas palabras con las que arranca este editorial. ¿Esto es un editorial? Quien sabe.

Creo y sin miedo a equivocar que es el primer (pongale) editorial que escribo en Flow. Raro y no muy habitual, pero ya que. Vale la pena seguir porque amamos el hip hop y por momentos cuesta pero seguimos acá nadando contra la corriente. Nadamos con fuerza ante un «falso mercado» que se ha formado y que sentimos ajeno. No por calidad, no por laburo, no por talento, lo vemos lejos porque no nos representa y punto.

Amamos el Hip Hop y lo transmitimos a nuestra manera, porque así lo sentimos y si lo sentís, según Krs One, sos un rial Hip Hop… Por momentos se hace dificil, el barco tambalea pero sigue, ola tras ola por un ideal, por un sentido de pertenencia que es más fuerte que una publicidad, que es más fuerte que el dinero.

Las palabras de Bielsa, fueron el antídoto ante unos momentos de incertidumbre, de bajoneo y de malos pensamientos que se fueron erradicando producto del trabajo y el compromiso por el periodismo, por el periodismo de hip hop.

Se fue Julio que nos lleno de dudas y frustraciones. Un mes raro, largo, que nos costó pero que a su vez, nos enseño que nunca hay que perder el enfoque porque la esencia es una sola. Como dijo el loco, somos felices porque hacemos lo que amamos, lo que nos gusta y por esa simple razón nos sentimos completos. Llega agosto y nos encuentra firmes y más convencidos que nunca que con 10, 100, 50, 4 o millones, Revista Flow es real y eso no se compra en ninguna tienda.

Aunque no lo crean, los momentos de inestabilidad son resortes gigantes para explotar virtudes y entendí, al menos yo, que en este momento de inestabilidad necesitaba hacer lo que me hace feliz y eso es Revista Flow. Eso es Revista Flow desde siempre y para siempre…

TRUENO Y LA VERDAD IRREFUTABLE.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Lunes por la madrugada decían Los Abuelos de la Nada… bueno es lunes pero no es la madrugada para que voy a mentir. Arranca una semana movida, muchos discos están saliendo y esta cuarentena no le puso stop a esos trabajos, motivo para festejar ya que ¿A quién no le gusta escuchar discos nuevos constantemente?. Si bien hoy no voy a hablar de un disco en sí mismo, me parece más que interesante esta columna de opinión, porque trata de lo que la salida de un disco y la declaración de su protagonista generaron entre los amantes del rap y de la música en general.

La semana pasada, Mateo Palacios, conocido por todxs como Trueno, editó su primer trabajo discográfico titulado «Atrevido», dicho material consta de 10 canciones que varían desde el trap hasta el pop, pasando por el reggaeton. La salida de este laburo generó muchas expectativas y automáticamente se convirtió en lo más escuchado por estos días. En este contexto y con una claridad asombrosa pese a sus 18 años, Trueno dijo que «Te guste o no te guste, somos el nuevo Rock and Roll» y muchxs le saltaron al cuello. Ahora bien, pensemos fríamente, analicemos este titular que encontré por las redes. Si fue o no sacado de contexto ahora mismo no importa demasiado, tampoco importan las demás declaraciones. Me quiero centrar en este titular para que entiendan lo que en esta columna intento decir.

Automáticamente, el debate se generó y entre «haters» y «no haters», entre rockeros y raperos, entre amantes de la música en sí, se creo una especie de batalla virtual desnudando opiniones y razones. Para empezar y cortar de raíz uno de esos argumentos que he leído: Trueno no se comparó con un rockero, no dijo somos mejores que fulano de tal o estamos haciendo mejor las cosas que tales personas. Este artista oriundo de La Boca dejo en claro algo que muchos piensan, el rock está muerto hace tiempo. Cuando Trueno dice hoy somos el rock and roll se refiere a eso que el rock fue perdiendo y que el trap o este género urbano fue ganando. Para mi el disco de Trueno no es rap, para MI. Ahora bien ¿está meando fuera del tarro Trueno al decir esto?. Y la verdad no. Hoy quienes mueven a las masas, quienes exhiben esa rebeldía extrema son lxs pibes que hacen este tipo de música, que repito puede gustarte o no gustarte.

Aquellxs que son rockeros de antaño y que deliraban con Luca, con el Flaco, Charly, Cerati hoy tienen que saber que la antorcha del rock en Argentina la lleva La Berisso y con eso amigxs, les estoy diciendo todo. El rock era rebelde, era nadar contra la corriente envuelto en un estilo y siendo representado por monstruos a nivel musical. Hoy no son monstruos, son oficinistas sin alma que hacen música para aquellos que con la napia pegada a la ventana ven el recuerdo de la era dorada alejarse cada minuto un poco más. Hoy en día esa rebeldía, ese sentido de pertenencia lo generan artistas como Trueno, como Wos y todxs estxs pibxs que hacen la música que les gusta, con gente amiga y que (vuelvo a repetir) te guste o no, es la que manda en los famosos rankings.

Como saben, en mis columnas suelo decir que para mi el trap no es parte del hh y que personalmente no me gusta nada. Es cierto y eso no cambia, de hecho el disco de Trueno me parece impresionante a nivel producción pero no volvería a escucharlo, porque no es música de mi agrado. Pero aquellxs que lo hayan escuchado como yo, podrán afirmar que suena mucho mejor y es mucho mejor disco que varios  de rock que han salido últimamente. Una cosa no quita la otra.

¿La camada trapera de ahora puede compararse con la era dorada del rock?… y sí, claro que sí porque no. Hay millones y millones de personas en el mundo, música para todos los gustos. De echo también existen algunxs que dicen «la música me da lo mismo», hasta para esos extraterrestres debe haber algo por ahí. Les guste o no, estxs pibes están viviendo y marcando su era. Nadie les regalo nada, trabajan y saben moverse en su mundo que hoy es el virtual, ahí juegan de local y estés o no de acuerdo hoy las redes y los streamings son parte de la normalidad, si vos estás afuera no es problema de Trueno. Lo que el dijo se centra en esto, ellxs hoy generan lo que el rock generaba hace años. Todxs queríamos ser Luca o el Flaco, hoy lxs pibxs quieren ser Wos, Trueno, Cazzu y ese es el más fiel reflejo de las declaraciones de un artista que tiene 18 años y muchísimo camino aún para seguir conquistando el mundo.

Debatir es algo hermoso, siempre con respeto y un argumento lógico. Trueno dijo la verdad, dijo lo que está pasando y lo que muchxs pensamos. El rock está muerto y de ser rebelde paso a ser pasatista y disoluble. El rock hoy es La Berisso y si eso es rock, yo al menos, voy a cruzar de vereda.

BRODER, UNA FELIZ REALIDAD.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Sin lugar a dudas 2019 fue un año magnifico para la cultura hip hop. Con sus pros y sus contras el crecimiento de la cultura en el país es indudable, y hoy centrándonos en los pros, vamos a dar una claro ejemplo de que el hip hop en Argentina está listo para seguir dando pasos hacia adelante.

Para aquellxs que no saben todos los años en Estados Unidos, más precisamente en Harlem, Nueva York, se celebra el Hip Hop Film Festival que reúne todas las producciones audiovisuales relacionadas con la cultura Hip Hop a nivel global y Broder, la serie Argentina lanzada por la Tv Publica, el canal Encuentro y la plataforma Cont.ar, ha sido seleccionada para participar de la edición 2020 del mencionado evento. Un motivo más para celebrar el auge de la doble h, con un producto gestado, nacido y criado en nuestro país.

La serie producida por Plata Alta Tv y Canal Encuentro; y producida por Mauro Perez Quinteros no para de cosechar halagos, nominaciones y buenas críticas empujando a los realizadores a porque no, hacer la segunda temporada. La historia cuenta la llegada de dos hermanos que luchan contra los prejuicios de su abuela introduciéndose en las profundidades de la cultura Hip Hop de la mano de Nucleo Aka TintaSucia y todo el Triangulo.

Desde Revista Flow felicitamos a todo el equipo de Broder y te invitamos a ver esta serie si es que aún no lo hiciste. Broder es una realidad, una muestra, una imagen enorme de lo que está pasando en Argentina y desde acá apoyamos muchísimo iniciativas así. No solo es el primer producto televisivo que se estrena en Prime Time de la Tv Publica sino que es la primera serie latinoaméricana íntegramente dedicada a la cultura Hip Hop algo que no es poca cosa.

Podes ver todos los capítulos acá

JAI 314 – EL ROCK ESTÁ MUERTO (2020)

Por Gian Franco Lisanti – @itnasilnaig

En mayo del corriente año vio la luz “El rock está muerto” de Jai 314. El disco transpira laburo, creatividad y compromiso. Las letras cargan con la desilusión, la oscuridad y los dolores de la vida moderna. Una tinta muy oscura corre desde el plug-in al oído y gracias al obituario y la tapa, sabemos que vamos a transitar durante casi cuarenta minutos, los recovecos menos iluminados de la vida de este rapero de zona oeste.

El primer tema es “No puedo salvar a todxs” feat Nils. La voz resplandeciente de Spinetta nos ilumina hasta que la base comienza a sonar. Es realmente una base adictiva, de esas que resuenan hasta cuando no tenes nada en la cabeza, que si la buscas un segundo está… “Hace un año no me afeito, ni me par del sillón, esperando a que haga efecto la puta medicación, esto no era lo planeado, me cago en lo planeado, si miran para otro lado les prometo salvación”. Barras cortas y un flow que te eleva del suelo, te mantiene levitando durante las diez canciones. Nils en los coros profundiza la atmósfera turbia de la letra, la voz y la base, y en el estribillo nos quita de ahí para transportarnos con una voz angelical a ese lugar donde todo está bien, o al menos eso parecería.

Luego, “El rock está muerto” comienza con un sample de contenido bastante ilustrativo: Si das mierda, no esperes otra cosa que mierda en devolución. Y en eso, los primeros diez segundos de base con solo drums, cajas, sin melodía, que aparece con la voz de Jai, mínima pero sustancialmente. Los cambios en la instrumental, muy estructurados, con riffs que entran, salen, se superponen, me hacen acordar a “Seven Nation Army”. Una excelente referencia rockera en este disco de rap que nos anuncia la muerte del rock. La letra de corte pesimista, mezcla reflexiones sobre la sociedad con sus propias sensaciones sobre el contexto, una manera muy efectiva de decirnos lo que opina sin bajar línea.

El interludio, de vuelta, sin teoría, sin discursos, nos deja algo que pensar y llegamos a la cuarta canción. Base que comienza con drums, una voz dulce y un bajo. En cinco segundo se genera el groove que atraviesa toda esta canción, que tiene señales al funk, memorias de Illya Kuryaki y danza asegurada. “Aleluya” junto a Claudia Resnik es, para mi, el hit del disco. Es de esos temas que se tienen que pegar porque son excelentes, porque se lo pasas a todo el mundo, porque lo pones en juntadas y te preguntan quién es, y se goza. La base es adictiva pero esto ya no sorprende en este disco que destila producción musical.

En una línea muy similar, “Falcon verde” retoma todo ese sonido bien negro pero ahora en un ambiente más chill. Vetas de soul que suena y te rompe el corazón, junto a la letra, no solo por el mal de amores sino por todo el laburo instrumental que acompaña de manera excelente todo el ambiente que genera.

“Ya está” es el tema de NN aka Winz feat Jai 314. No, no me equivoqué. Este canción se la roba la rapera con flow, estructura y skills que te vuelan la cabeza. Argumentos de sobra muestra para encargarse de más de la mitad de la canción, y sin la matemática exacta, me arriesgaría a decir que 3/4 son de ella. La base incluye dubstep, hit hats de trap y sonidos souleros reminiscentes de la canción anterior. Es una locura leerlo y admito que no tiene sentido pero escuchandolo van a ver que lo hicieron no solo posible sino también magnifico.

Junto a Legar, “Aeroplane” es el séptimo tema del disco. Un comienzo muy noventoso y una base mínima que es lo necesario para hacer una canción equilibrada, entre lo que se dice, cómo se dice y junto a qué se dice. En el final vuelven a aparecer formas extrañas al rap más duro pero está tan bien hecho, tan bien insertado en el tema y en el disco como obra total, que hace a la genialidad de la producción.

Si, como les dije, el disco emana oscuridad, “Memento mori”, el anteúltimo tema, es la cúspide, el faro sin foco de todo este álbum. Recordá que vas a morir nos dice en latín Jai, con una base sombría, de mucha distorsión, pocos sonidos agudos y un flow permanente, como el constante movimiento de la aguja del reloj.

El anteúltimo tema feat Nils, “Solo encenderlo”, no es ni la excepción a las fusiones en este disco, volviendo los géneros que visitaron en canciones anteriores, ni tampoco al nivel general.

Lopivezinzuerte” es el ultimo tema. Un sonido mucho más chill en contraposición al que predomina en los temas anteriores. Estribillo pegadizo, buen manejo de los skilles que demuestra en todo el disco, dándoles una nueva vuelta y cerrar todo el proyecto de una manera superlativa. Las letras, de todas formas, mantienen esa mirada cansada, triste y resignada hasta el final.

En síntesis, calidad tanto en lo musical como en lo poético. Barras y flow que le dan identidad propia a Jai 314, que dentro de su talento está también la capacidad de dejarle espacio a las numerosas colaboraciones, cada una con lo suyo pero todas con gran nivel. El plan de unir al rap a otros géneros es ejecutado a la perfección en cada base. Este laburo en contenido, forma y fondo hacen que sean temas tanto como para escuchar con atención y auriculares como para disfrutar las bases y el flow con el volumen a mil en los parlantes.

Este es un disco que tiene muchos hits porque cuando se termina la última canción, continúan sonando todas en tu cabeza, y no simplemente por el marketing.

NO HAY REVOLUCIÓN SIN INCLUSIÓN.

Por Lautaro «Lykao» Yanes – @yanes.lykao

Que la cultura Hip Hop forma parte de la agenda social, musical y cultural nacional es un hecho. Para comprender la importancia que fue tomando con él pasar del tiempo en nuestro país basta con ver la lista de las canciones más escuchadas en Spotify Argentina donde por semana al menos 2 temas de rap o trap entran en el top 10, o los distintos festivales que juntan miles de personas fecha tras fecha.

Según Kool Herc, el Dj a quién se le atribuye la creación de esta cultura a mediados de los años 70 en Nueva York, el HH “es un movimiento revolucionario en sí mismo”. El motivo del surgimiento de este radica en la lucha racial que atravesaban los afroamericanos en ese entonces ante una sociedad y un poder político excluyente. Sí traemos estos principios a nuestro espacio y tiempo probablemente la definición no cambiaría demasiado, pero sí los actores, o actrices. Si bien los afroargentinos conforman un colectivo que a lo largo de la historia sufrió la discriminación y la invisibilización, existe un grupo social mucho más numeroso que, a pesar del revuelo que su contienda por una mayor inclusión tomó en los últimos años, no logró (o no lo dejaron) tomar partido en este movimiento social ascendente; las mujeres y los y las artistas trans y no binarios.

Hoy por hoy son muy pocas las mujeres argentinas que triunfan haciendo rap, por lo menos mucho menos que los hombres. Esto, para quienes integran el movimiento y creen que hay aspectos que deberían cambiar, es un problema de base. “El lugar donde el machismo se ve más a flor de piel es en las plazas -primer lugar donde cualquier artista de un género urbano debe “ganarse el nombre” sí espera triunfar de alguna manera– ahí se celebran rimas homofóbicas, gordofobicas y se sexualiza a las mujeres”, asegura La Negra Buggiani, rapera marplatense que reside en La Plata. “Para nosotras es muy normal que en forma de halago nos digan “rapeas como hombre, muy bien” y eso es horrible” agrega Clipper, rapera y graffitera uruguaya instalada en Buenos Aires.

Siguiendo el hilo del planteo de que la exclusión de lo femenino y lo no binario es parte de un problema estructural en el Hip Hop nacional, Lx Kabronx, artista argentina de género no binario, asegura que existe cierta responsabilidad a asumir por parte del público. “Creo que es importante que nos empecemos a cuestionar como
espectadores, rol en el que sin darnos cuenta muchas veces terminamos reproduciendo o siendo cómplices de los mismos actos machistas que tanto cuestionamos”, explica. Clipper sostiene esta idea a partir de una experiencia personal nada agradable: “En una batalla de freestyle -disciplina en la que dos raperos se enfrentan en una pelea argumentativa a base de rimas- llegaron a decirme que iban a meterme un brazo adentro de mis genitales cuando me vieran en el colectivo y más de 200 personas festejaron la frase”, confiesa.

Debido al auge que atravesó en los últimos años, el movimiento feminista ha sabido irrumpir en los rincones más conservadores y retrógrados de nuestra sociedad y por ende también lo hizo en el Hip Hop. “Últimamente por suerte se habla bastante de la inclusión de la mujer en la cultura” asegura Clipper. Un ejemplo de esto es la declaración de Brasita rapera porteña que afirma que “cada vez son más los organizadores de eventos que se auto-exigen, ya sea por presión social o determinación propia, la presencia de artistas mujeres en sus shows”. Sin embargo, esta es una actitud que genera discrepancia en algunos sectores de la cultura “no soy partícipe de que te llamen a tocar o a hacer algo solo por ser mujer y llenar ese cupo”, declara la artista uruguaya mencionada anteriormente.

Existen iniciativas como La Liga Feminista de Freestyle y eventos con esta temática relacionados al rap, graffiti y breakdance, donde solo se aceptan artistas mujeres, que intentan impulsar al movimiento hacia una realidad más inclusiva. Sin embargo, hay quienes creen que muchas veces esto termina siendo una traba para las artistas. “Por un lado estas fechas sirven para visibilizar a la mujeres, pero llevarlos a cabo en forma masiva genera que se siga haciendo diferencia entre hombres y mujeres, por lo cual termina siendo contraproducente.” explica Kreiluz, rapera de Posadas, Misiones.

En definitiva, el Hip Hop, al igual que la marea verde, se sigue abriendo camino en la coyuntura social argentina y así se mantendrá por, probablemente, mucho tiempo más. De lo que va a depender el desarrollo del movimiento en territorio nacional va a ser de la aceptación que obtenga en la población, sobre todo en los jóvenes. Sin dudas la inclusión y la diversidad son un camino a este objetivo, el cual de a poco se está logrando, pero aún le queda un largo camino por recorrer.

UN VIAJE AL CENTRO DE LAS RAÍCES: CONEXIÓN ORIGINARIA.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Esta tan de moda mirar para el norte… copiar el acento del caribe, vestirse con «Supreme» y todas esas cosas, que lo importante parece pasar inadvertido. Al menos para esos que aún creen como dijo mi colega Gian en una nota de hace unos días (te la dejo acá) que Colon descubrió América. Bueno allá ellos, nosotrxs, lxs pillxs, los que sabemos de que va todo esto, sí miramos lo importante. Y en este caso, no solo lo miramos, sino que lo escuchamos y por ende lo vamos a compartir. 

De lo que hablo es nada más y nada menos que de un proyecto que vale la pena ser compartido. Conexión Originaria es el nombre de este trabajo audiovisual, totalmente autogestivo, que sirve como conector de diferentes raperos y raperas de diversos pueblos del Abya Yala. Para aquellxs que desconocen, al igual que yo antes de enterarme gracias a Conexión Originaria, Abya Yala es el nombre del continente en el cual vivimos. Así fue bautizado por el pueblo Guna. Volviendo a este proyecto que vio la luz el pasado 19 de abril, cuando finalmente se estreno por la plataforma de YouTube el «Conexión Originaria. La unión de los pueblos originarios de Abya Yala al ritmo del rap Cap. 1», podemos afirmar que se trata de un LA BU RA ZO de Emiliano Rios (Bandur) y de Nicolás Hernandez Mejía (Mente Negra).

Emiliano recorrió durante tres meses el área andina desde Wallmapu (territorio mapuche) hasta tierras embera en la actual Colombia y de allí se trajo además de experiencias, mucho rap. Durante su periplo por el epicentro de nuestras raíces documentó 23 proyectos de rap mapuche, embera, bari, nasa, kichwa, quechua y aymara. Así su travesía por los actuales países de Chile, Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia y Argentina le dieron forma a los cuatro primeros capítulos del proyecto. ¿Primeros cuatro capítulos?. Sí, leíste bien, Conexión Originaria constará de 6 capítulos. Al día de la publicación de esta nota, ya se encuentran disponibles 2 de esos 6 capítulos.

La otra pata de este proyecto es Nicolás Hernandez Mejia, mexicano y antropólogo que aportó su labor en la coordinación, producción y elaboración de las instrumentales de todo el trabajo. Trabajo que resulto fundamental para integrar el rap mazateco, tutunaku, cuicateco, nahuatl y mazahua. Todo este material será producido por Mente Negra desde el corazón de la antigua Tenochtitlán, actual Ciudad de México y  se tratará de la quinta entrega.

Para el final, el episodio 6, Bandur recopilará material de otros viajes a diversas partes del continente y de esa manera, Conexión Originaria cerrará con raperos kuna, guaraní (kaiowa y mbya), mixteco, maya y otras expresiones de distintos lugares del continente.

Un proyecto magnífico, el cual te recomendamos. No solo por el contenido del mismo, algo invaluable, sino por el fin. Es importante darle lugar a nuestras raíces, hacer visible lo que quieren hacer invisible. Mostrar y compartir eso que no se comparte. El Hip Hop está ahí también, el rap está acá y Conexión Originaria es la respuesta. Por obvias razones, seguiremos hablando de este rapcumental en otras notas. Una oportunidad para escuchar, conocer y valorar las voces de jóvenes indígenas de nuestro continente, que recurren al rap como herramienta para recuperar sus lenguas y su identidad, re-significar su cultura con elementos actuales, denunciar los históricos atropellos que han sufrido sus poblaciones y reivindicar la tierra y la naturaleza como elementos centrales para el buen vivir.

Mira los dos primeros capítulos acá:

 

EMCIKRE – PANGEA (2020)

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Hace un par de meses largos ya, mi teléfono vibró con una notificación de Instagram. El mensaje provenía de una de las bandas que mas me mueve el piso cuando suena, El Mundo de Cien Kilometros a la Redonda, Emcikre, quienes me comunicaban la inminente llegada de «Pangea» su próximo álbum, el segundo de su historia. Todavía recuerdo el impacto que tuve al escuchar su primer disco, «El Mundo de Cien Kilómetros a la Redonda». Desde ese instante percibí esa frescura entre rap jovial y sonidos clásicos. Una perfecta combineta que llamo mi atención desde el segundo uno.

Hoy me despierto con la noticia de que Pangea, el disco del que vamos a hablar en esta reseña, ya vio la luz en formato de «lista de reproducción para YouTube». Si su primer disco es muy bueno, este es excelente. Es un todo, un concepto que te va llevando a lo largo de 12 tracks. Pangea fue el supercontinente de la era Paleozoica que agrupaba la mayor cantidad de tierras emergidas del planeta. Y en este caso Pangea es un enorme trabajo de la banda oriunda de San Martín, Provincia de Buenos Aires.

La primera recomendación que debo hacerte es que para escuchar Emcikre tenes que abrir los oídos y la cabeza. No basta con solo escuchar, porque no son tan solo buenas barras acompañadas por unas instrumentales de la hostia. Demak y Markus tienen las ideas claras, las exponen, las plasman en esas líricas que decoran de una manera sutil y voraz, las pistas bien laburadas de Darchuan y Dj Cosecha.

Si entramos de lleno en Pangea, es para aplaudir la gráfica del disco. La misma esta realizada por Darchuan y contó con la participación de varios artistas que dejaron sus bocetos para formar parte de la portada. En tonos blancos y negros y resaltando «Emcikre» en todos los tipos de tags posibles, Pangea es una bomba de rap. Desde la cajita, la tapa, la gráfica y los colores, ver la tapa es viajar al Nueva York de los 70/80`.

Si pasamos al disco, es de por si destacable el orden de los temas. No están puestos porque sí, sino que tiene un fin, un concepto, como todo gran trabajo discográfico. Emcikre se destaca por el laburo, por la garra y el corazón para seguir adelante ante cualquier dificultad que se presenta. El primer tema, ese que rompe el hielo se llama «Cien» y contiene un sample de Vox Dei que le da una presencia imponente. «Cien» es un relato a la banda, un autoregalo para dejar en claro que es Emcikre y cual es su razón de ser.

Luego de esta apertura con personalidad, llega «Donde vaya», sonido clásico, unos scratchs y un paseo por San Martín. El típico tema para que suene en tu auricular donde sea que vayas. Pegadito a «Donde Vaya» llega «Haciendo Esto» uno de los mejores temas de Pangea y que tiene esa base que te hace mover aunque no quieras. «No existen ataduras si hay ganas de escribir, lo importante es fluir, acapella o en el beat» dice Markus. Lo que destaca a estos pibes de San Martín es el sacrificio con esa cuota de amor por el buen rap, por la cultura.

Y el sacrificio ve la luz en el siguiente tema que es «Constancia» un manifiesto de poco menos de 2 minutos, con un sonido claro consistente, «Hay que sentirse alegre, déjalo que celebre, logre sentirse libre para que el flow despegue…» certifican Markus y Demak. El disco no para, es una metralleta de barras, de mensajes y de rap. Ese rap underground que emerge desde el conurbano y que hace que el Hip Hop argentino se llene de esencia. Al toque de terminar «Constancia» arranca «Allá Volando» que sigue con la temática del bombo y la caja predominante. Un sonido clásico de los más noventas del disco. «… que siempre te compara quien mejor, quien peor, quien ganador, quien perdedor, quien se queda afuera, pero esa no es la manera, de convivir no es la manera…» dice el Demak y la pucha si tiene razón. «Allá volando no bajo nunca…». A mi entender, el tema que le sigue parte el disco a la mitad. «El Don» es un manifiesto de apenitas más de un minuto, una especie de freestyle de Markus, hablando «ni campeón, ni copión, solo por pasión, es acción, envión fuerza y corazón, estilo que le pega en la pera al caretón», dice para terminar con un «… larga vida a la amistad y que viva el bombo clap». Perfecto.

Como dije para mi «El Don» es el track que parte a la mitad del disco y que nos introduce en un estupendo viaje como lo es «Solo Quiero», uno de los puntos más altos del disco. Un teclado que te invita a volar y un Demak que te bombardea de rimas, transforman este tema en un himno de lucha y amor por el rap. En la segunda parte, las barras de Markus, te terminan de trasladar a un mundo donde el bombo y la caja mandan y el Hip Hop es la panacea. Pangea tiene eso, a lo largo de los 12 tracks paseas sin rumbo ni horario por San Martín y te das una vuelta por los senderos más musicales de estos 4 guerreros del Hip Hop que no paran de transpirar la camiseta por el proyecto.

Si «Solo Quiero» es un gran tema, «Todo eso fue así», el que le sigue, es un Hit. Una base impresionante, narcótica. Y esas barras que podríamos compartir todo el día. Si hay algo que tiene Emcikre es buena lírica. Un sonido fresco y no a la vez que combinan a la perfección con el estilo de los dos Mc´s. «Ahora me vienen con ideas locas, quieren convencerme que la onda es otra (skere), esperan que cambie, por dios se equivocan, solo buen Hip Hop saldrá de mi boca… no busco joder, por favor no me jodan…» Y hay muchos que piensan que los punchlines se dan solo en esas famosas batallitas de gallos. Si eso es cierto Emcikre ganó por Knock Out antes de empezar la pelea. «Todo eso fue así» es brillante y casi por decantación te transporta hasta «Si me voy por ahí» una belleza de canción que no da ganas de que el disco termine jamás. Ojo, así como digo una cosa digo la otra y en mi opinión, Pangea es un disco para escuchar más de una vez, un disco para analizar y compartir sin ninguna duda. Una instrumental distinta, lenta, con un punteo de guitarra decorando un ritmo de reggae que te invita a bailar agitando a pleno.

Así como «El Don» separa el disco, «Comensal» es la puerta de entrada al desenlace del mismo. Demak parte una base moderna con tintes de trap y un sonido amplificado. Tranquilamente podría ser el sonido de un vídeo juego, «…pensamiento es la fuente de vitalidad, no me agache la frente ante la autoridad… no sigo la miga del pan chico, pre predico libertad» reza Demak y cierra con un brutal «… buscando el sueño no material» algo que describe la esencia de este cuarteto de San Martín. «Comensal» nos deposita de lleno y al momento de escribir esto, me pongo de pie, en el mejor tema del disco para quien les escribe. «Máximo Respeto», una bomba molotov de dos minutos y pico, con unos scratchs de Dj Cosecha y Dj Darcho que elevan el beat de Elbeats. «Máximo Respeto» es EL tema de Pangea, es un manifiesto, una clara muestra de valores, de ideas y conceptos. Los ideales de Markus, Demak y todo Emcikre están puestos acá. Es un track de los más raperos que escuche en la historia y a modo personal recomiendo prestarle mucha, muchísima atención. En tiempos de música de plástico Emcikre se pone la camiseta de la lucha por no perder la esencia.

Creo que no había mejor manera de finalizar un disco que con un tema como «Trenes». Un homenaje al graffiti con una base tremendamente noventera, que te transporta. «Trenes» es un viaje, una dedicación a los graffiteros, un tema que hace culto a este elemento tan fundamental de la cultura Hip Hop. El beat es de Cosecha y es una joya del segundo 1 al final. Demak y Markus se desenvuelven de manera perfecta tirando barras que lxs graffiterxs van a amar. «Trenes» te deja con ganas de más y eso está bien, termina tan arriba este disco que no entendes como ese es el final y te quedas esperando la siguiente bomba. Bueno para eso abra que esperar, porque hasta acá llega Pangea, este discazo Made In San Martín.

Fue un proyecto largo y adaptado a estas épocas. Los temas vienen sonando y los podes disfrutar desde enero del 2019 cuando se estreno «El Don». Todos los tracks fueron saliendo de a poco, algunos con vídeos, otros solos, pero Emcikre trajo la modernidad para presentar un material imperdible. Pangea es un todo, un rejunte de ese arduo trabajo que arranco hace más de un año y medio y que culmina con el armado final de esta lista para disfrutar de un buen rap por casi 30 minutos. Un material que sin lugar a dudas sigue poniendo en alza el rap argentino y que demuestra que el rap del bueno se encuentra en el underground, ahí, lejos de los flashes, los vips y más cerca del barrio, de los amigos, más próximo al Hip Hop.

Pangea es un hermoso periplo por el rap, por San Martín, por la cultura y el respeto por la música. Lo dije, pero lo quiero afirmar: Este disco debe escucharse, si es posible más de una vez y al que se le debe prestar atención . Un gran laburo que afirma el presente de una de las bandas más raperas del país.

Escuchalo acá:

«LA IDEA ES MANTENER VIVA Y UNIDA LA CULTURA».

Por Juan Ignacio Guzmán Dotto – @juanguzmandotto

Matias Tejeda tiene 22 años, nació en Tierra del Fuego y ahora vive en La Plata, donde estudia el profesorado de Educación Inicial. Pero es más conocido por su apodo Baskito. Un beatmaker el cual tiene una gran producción de beats, entre la cual hay 2 discos de hip hop instrumental. En enero lanzó su tercer beat tape Quiet Process; quien tuvo el logro de llegar al medio millón de reproducciones en Spotify. Desde Revista Flow tuvimos la oportunidad de charlar un poco sobre ese disco, su música y proyectos futuros que está craneando.

¿Cuándo empezaste a producir?

Empecé a producir hace 5 años mas o menos, al principio en Fl Studio y luego de dos años me pase a Ableton, porque me gustaba la interfaz, las herramientas de ese daw y además me parece muy completo e intuitivo.

¿Cuáles son tus influencias musicales?

Mis influencias vienen desde jazz, soul, rnb, funk, beatmusic, desde lo más antiguo hasta lo mas actual, soy de escuchar mucha música, y también me gusta lo nacional, e Internacional del rock, música melódica, flamenco, etc.

¿Qué usas para producir?

Para producir utilizo solo mi Akai Apc20 para la construcción del track, luego una vez terminado eso, solo con mouse, teclado y oído empiezo a pulir todos los detalles de cada sonido en el proyecto, pero estoy con ganas de sumar maquinas análogas a mi setup.

Noto una diferencia entre tus dos primeros tapes. En el primero, lo veo tirando mas para un lado electrónico y experimental. En el segundo ya es más lofi hip hop ¿Qué diferencias sentís de este con respecto a tu último tape “Quiet Process”?

Mis primeras producciones estaban muy arraigadas a mis influencias más electrónicas de ese momento, con respecto al footwork, modular music, etc. siempre siguiendo el camino del Hip Hop pero también manteniendo esa parte ambiental, armoniosa, y reflexiva que caracteriza a mis producciones. En el segundo tape ya mi sonido se encuentra más sólido, mis producciones también, el mensaje es claro, creo que mi último material fue la consecuencia de varios años de búsqueda, la ansiedad de querer decir algo, y sabiendo como hacer para lograr dar ese mensaje.

Me dijiste que te tomó un año y medio hacer este disco. En tu instagram decís que este disco es la “convivencia entre la tranquilidad y el caos” como algo que te define constantemente ¿Podes ahondar un poco en ello?

El disco tomó muchas formas, tuvo muchos nombres, un solo track sobrevivió de los primeros que estaban incluidos, ya que durante ese tiempo fui encontrando el camino correcto de lo que quería decir y de cómo hacerlo. Considero que cuando vas a hacer un álbum, tiene que tener un concepto muy sólido, y se debe trabajar arduamente en traducir eso a lo sonoro, y ya que no es nada fácil, mejor tomarse su tiempo. La convivencia entre la tranquilidad y el caos, tiene que ver con mis vivencias personales durante ese tiempo, y gran parte de mi vida, lo que logre ganar en medio de esa dualidad, que si bien algunos la vemos con mucha lejanía, es algo con lo que convivimos cotidianamente, es una aventura encontrar ese equilibrio con uno mismo cuando predominan esas dos cosas, y lo que logré fue traducir la necesidad que sentía de encontrar un momento para introspección, para reflexión, en este ultimo tape, donde tiene un mensaje profundo sobre esa búsqueda y creo que te invita a estar inmerso en ese mensaje durante esa media hora. También lo cree pensando en mis deseos de que sea un álbum para cualquier freestyler, un mismo álbum para todos los que les gustan las rimas, y obtuve muchas buenas críticas con respecto a eso. Así que estoy contento con todo mi trabajo. El arte de tapa le corresponde a SPENCER ©️ (@trill.spenz) a quien admiro mucho, es un diseñador y también productor con el trabajamos en conjunto en muchos proyectos que verán la luz muy pronto.

Estás trabajando en otro tape que va a ser para un sello de Europa y otro en paralelo ¿Qué podes adelantarnos sobre esto?

El próximo tape va a salir bajo un sello de Alemania llamado Dezi-Belle Records, se va a llamar “BIG MOOD” y estoy muy feliz porque no solo va a ser lanzado en formato digital sino también en Vinilo, la tapa también le pertenece a SPENCER ©️ (@trill.spenz) y no tiene una fecha de lanzamiento todavía pero ya esta todo en marcha, así que seguro muy pronto. En cuanto al otro tape que vengo trabajando, esta vez es en conjunto con otro productor muy bueno a quien admiro también como persona, y nada, estamos trabajando mucho en eso, así que estén atentos a mis redes que siempre comunico todos los releases que se vienen.

También organizas “bit tapes” un ciclo de hip hop con otros beatmakers en La Plata. ¿Cómo ves a la movida beatmaker ahí y cuales son tus planes a futuro para este ciclo?

Bit Tapes (@bit.tapes) es un ciclo de HipHop que funcionaba en California Bar (@californiabar.lp) pero durante la cuarentena lamentablemente como le a pasado a otros bares, este tambien cerro, así que estamos en busca de propuestas para llevar esto a cabo. Mi equipo de trabajo está conformado por Extreinsh (@extreinsh), Simon (si.monnnn), Spencer (@trill.spenz) y Nicolás Gianelli (@nicolasgianelli) e intentamos generar un espacio, un lugar de encuentro para beatmakers, artistas del rap, y bboys, donde se puedan participar en cada edición, y tanto el público como los artistas, nos conozcamos y disfrutemos de ese lugar. La movida beatmaker en La Plata es algo que le falta mas visibilidad pero estamos trabajando para que eso cambie, hay mucho talento no solamente en La Plata, Buenos Aires, si no también en toda la Argentina. Con nuestros amigos de Bit Master (@bit_master) pensábamos en hacer algo en conjunto antes de la pandemia, creemos que las conexiones hacen que todo sea más fluido y se llegue a buen puerto. Para un futuro con Bit Tapes esperamos que muchos lugares nos abran las puertas para poder llevar nuestro trabajo a más personas, que se acerquen nuevos artistas, beatmakers, bboys, y que esto se replique en muchos asi podemos volver con todo al ciclo. La idea es mantener viva y unida a la cultura.

Otro proyecto que me dijiste es que para el próximo disco es que te interesaría hacer un vídeo documental como Dano, pero no hablado, solo con imágenes. ¿Ya empezaste a trabajar en esto?

Mi próximo tape “BIG MOOD”, es un tanto callejero, bastante classic, se vuelve un tanto agresivo con respecto al sonido, pero siempre manteniendo las texturas lofi que me representan, también hay mucho groove, mucha armonía de jazz, flips de samples muy trabajados, y cosas que me inspiraron luego a querer hacer un vídeo documental del álbum, me gusto mucho la . Van a participar animadores digitales también, va a ser un trabajo visual muy grande y muy importante para mi. Para enterarse de todo esto, pueden seguirme en mi instagram (@baskitoprod) o pueden entrar a https://www.fanlink.to/baskitoprod donde pueden entrar a cualquier plataforma para escuchar y comprar mi música. También les dejo otros artistas con los que nos solo estamos trabajando en varios proyectos, si no que también me encanta su música: @extreinsh / @octavioaga / @con.fusion_ / @insanosuc / @kaizen.92 / @keth_prod / @monowario / @lasarte.ksp / @clima.shinen / @gvbitou / @gianydorazio / @ignaciolopez.lileme