NO HAY REVOLUCIÓN SIN INCLUSIÓN.

Por Lautaro «Lykao» Yanes – @yanes.lykao

Que la cultura Hip Hop forma parte de la agenda social, musical y cultural nacional es un hecho. Para comprender la importancia que fue tomando con él pasar del tiempo en nuestro país basta con ver la lista de las canciones más escuchadas en Spotify Argentina donde por semana al menos 2 temas de rap o trap entran en el top 10, o los distintos festivales que juntan miles de personas fecha tras fecha.

Según Kool Herc, el Dj a quién se le atribuye la creación de esta cultura a mediados de los años 70 en Nueva York, el HH “es un movimiento revolucionario en sí mismo”. El motivo del surgimiento de este radica en la lucha racial que atravesaban los afroamericanos en ese entonces ante una sociedad y un poder político excluyente. Sí traemos estos principios a nuestro espacio y tiempo probablemente la definición no cambiaría demasiado, pero sí los actores, o actrices. Si bien los afroargentinos conforman un colectivo que a lo largo de la historia sufrió la discriminación y la invisibilización, existe un grupo social mucho más numeroso que, a pesar del revuelo que su contienda por una mayor inclusión tomó en los últimos años, no logró (o no lo dejaron) tomar partido en este movimiento social ascendente; las mujeres y los y las artistas trans y no binarios.

Hoy por hoy son muy pocas las mujeres argentinas que triunfan haciendo rap, por lo menos mucho menos que los hombres. Esto, para quienes integran el movimiento y creen que hay aspectos que deberían cambiar, es un problema de base. “El lugar donde el machismo se ve más a flor de piel es en las plazas -primer lugar donde cualquier artista de un género urbano debe “ganarse el nombre” sí espera triunfar de alguna manera– ahí se celebran rimas homofóbicas, gordofobicas y se sexualiza a las mujeres”, asegura La Negra Buggiani, rapera marplatense que reside en La Plata. “Para nosotras es muy normal que en forma de halago nos digan “rapeas como hombre, muy bien” y eso es horrible” agrega Clipper, rapera y graffitera uruguaya instalada en Buenos Aires.

Siguiendo el hilo del planteo de que la exclusión de lo femenino y lo no binario es parte de un problema estructural en el Hip Hop nacional, Lx Kabronx, artista argentina de género no binario, asegura que existe cierta responsabilidad a asumir por parte del público. “Creo que es importante que nos empecemos a cuestionar como
espectadores, rol en el que sin darnos cuenta muchas veces terminamos reproduciendo o siendo cómplices de los mismos actos machistas que tanto cuestionamos”, explica. Clipper sostiene esta idea a partir de una experiencia personal nada agradable: “En una batalla de freestyle -disciplina en la que dos raperos se enfrentan en una pelea argumentativa a base de rimas- llegaron a decirme que iban a meterme un brazo adentro de mis genitales cuando me vieran en el colectivo y más de 200 personas festejaron la frase”, confiesa.

Debido al auge que atravesó en los últimos años, el movimiento feminista ha sabido irrumpir en los rincones más conservadores y retrógrados de nuestra sociedad y por ende también lo hizo en el Hip Hop. “Últimamente por suerte se habla bastante de la inclusión de la mujer en la cultura” asegura Clipper. Un ejemplo de esto es la declaración de Brasita rapera porteña que afirma que “cada vez son más los organizadores de eventos que se auto-exigen, ya sea por presión social o determinación propia, la presencia de artistas mujeres en sus shows”. Sin embargo, esta es una actitud que genera discrepancia en algunos sectores de la cultura “no soy partícipe de que te llamen a tocar o a hacer algo solo por ser mujer y llenar ese cupo”, declara la artista uruguaya mencionada anteriormente.

Existen iniciativas como La Liga Feminista de Freestyle y eventos con esta temática relacionados al rap, graffiti y breakdance, donde solo se aceptan artistas mujeres, que intentan impulsar al movimiento hacia una realidad más inclusiva. Sin embargo, hay quienes creen que muchas veces esto termina siendo una traba para las artistas. “Por un lado estas fechas sirven para visibilizar a la mujeres, pero llevarlos a cabo en forma masiva genera que se siga haciendo diferencia entre hombres y mujeres, por lo cual termina siendo contraproducente.” explica Kreiluz, rapera de Posadas, Misiones.

En definitiva, el Hip Hop, al igual que la marea verde, se sigue abriendo camino en la coyuntura social argentina y así se mantendrá por, probablemente, mucho tiempo más. De lo que va a depender el desarrollo del movimiento en territorio nacional va a ser de la aceptación que obtenga en la población, sobre todo en los jóvenes. Sin dudas la inclusión y la diversidad son un camino a este objetivo, el cual de a poco se está logrando, pero aún le queda un largo camino por recorrer.

«LA IDEA ES MANTENER VIVA Y UNIDA LA CULTURA».

Por Juan Ignacio Guzmán Dotto – @juanguzmandotto

Matias Tejeda tiene 22 años, nació en Tierra del Fuego y ahora vive en La Plata, donde estudia el profesorado de Educación Inicial. Pero es más conocido por su apodo Baskito. Un beatmaker el cual tiene una gran producción de beats, entre la cual hay 2 discos de hip hop instrumental. En enero lanzó su tercer beat tape Quiet Process; quien tuvo el logro de llegar al medio millón de reproducciones en Spotify. Desde Revista Flow tuvimos la oportunidad de charlar un poco sobre ese disco, su música y proyectos futuros que está craneando.

¿Cuándo empezaste a producir?

Empecé a producir hace 5 años mas o menos, al principio en Fl Studio y luego de dos años me pase a Ableton, porque me gustaba la interfaz, las herramientas de ese daw y además me parece muy completo e intuitivo.

¿Cuáles son tus influencias musicales?

Mis influencias vienen desde jazz, soul, rnb, funk, beatmusic, desde lo más antiguo hasta lo mas actual, soy de escuchar mucha música, y también me gusta lo nacional, e Internacional del rock, música melódica, flamenco, etc.

¿Qué usas para producir?

Para producir utilizo solo mi Akai Apc20 para la construcción del track, luego una vez terminado eso, solo con mouse, teclado y oído empiezo a pulir todos los detalles de cada sonido en el proyecto, pero estoy con ganas de sumar maquinas análogas a mi setup.

Noto una diferencia entre tus dos primeros tapes. En el primero, lo veo tirando mas para un lado electrónico y experimental. En el segundo ya es más lofi hip hop ¿Qué diferencias sentís de este con respecto a tu último tape “Quiet Process”?

Mis primeras producciones estaban muy arraigadas a mis influencias más electrónicas de ese momento, con respecto al footwork, modular music, etc. siempre siguiendo el camino del Hip Hop pero también manteniendo esa parte ambiental, armoniosa, y reflexiva que caracteriza a mis producciones. En el segundo tape ya mi sonido se encuentra más sólido, mis producciones también, el mensaje es claro, creo que mi último material fue la consecuencia de varios años de búsqueda, la ansiedad de querer decir algo, y sabiendo como hacer para lograr dar ese mensaje.

Me dijiste que te tomó un año y medio hacer este disco. En tu instagram decís que este disco es la “convivencia entre la tranquilidad y el caos” como algo que te define constantemente ¿Podes ahondar un poco en ello?

El disco tomó muchas formas, tuvo muchos nombres, un solo track sobrevivió de los primeros que estaban incluidos, ya que durante ese tiempo fui encontrando el camino correcto de lo que quería decir y de cómo hacerlo. Considero que cuando vas a hacer un álbum, tiene que tener un concepto muy sólido, y se debe trabajar arduamente en traducir eso a lo sonoro, y ya que no es nada fácil, mejor tomarse su tiempo. La convivencia entre la tranquilidad y el caos, tiene que ver con mis vivencias personales durante ese tiempo, y gran parte de mi vida, lo que logre ganar en medio de esa dualidad, que si bien algunos la vemos con mucha lejanía, es algo con lo que convivimos cotidianamente, es una aventura encontrar ese equilibrio con uno mismo cuando predominan esas dos cosas, y lo que logré fue traducir la necesidad que sentía de encontrar un momento para introspección, para reflexión, en este ultimo tape, donde tiene un mensaje profundo sobre esa búsqueda y creo que te invita a estar inmerso en ese mensaje durante esa media hora. También lo cree pensando en mis deseos de que sea un álbum para cualquier freestyler, un mismo álbum para todos los que les gustan las rimas, y obtuve muchas buenas críticas con respecto a eso. Así que estoy contento con todo mi trabajo. El arte de tapa le corresponde a SPENCER ©️ (@trill.spenz) a quien admiro mucho, es un diseñador y también productor con el trabajamos en conjunto en muchos proyectos que verán la luz muy pronto.

Estás trabajando en otro tape que va a ser para un sello de Europa y otro en paralelo ¿Qué podes adelantarnos sobre esto?

El próximo tape va a salir bajo un sello de Alemania llamado Dezi-Belle Records, se va a llamar “BIG MOOD” y estoy muy feliz porque no solo va a ser lanzado en formato digital sino también en Vinilo, la tapa también le pertenece a SPENCER ©️ (@trill.spenz) y no tiene una fecha de lanzamiento todavía pero ya esta todo en marcha, así que seguro muy pronto. En cuanto al otro tape que vengo trabajando, esta vez es en conjunto con otro productor muy bueno a quien admiro también como persona, y nada, estamos trabajando mucho en eso, así que estén atentos a mis redes que siempre comunico todos los releases que se vienen.

También organizas “bit tapes” un ciclo de hip hop con otros beatmakers en La Plata. ¿Cómo ves a la movida beatmaker ahí y cuales son tus planes a futuro para este ciclo?

Bit Tapes (@bit.tapes) es un ciclo de HipHop que funcionaba en California Bar (@californiabar.lp) pero durante la cuarentena lamentablemente como le a pasado a otros bares, este tambien cerro, así que estamos en busca de propuestas para llevar esto a cabo. Mi equipo de trabajo está conformado por Extreinsh (@extreinsh), Simon (si.monnnn), Spencer (@trill.spenz) y Nicolás Gianelli (@nicolasgianelli) e intentamos generar un espacio, un lugar de encuentro para beatmakers, artistas del rap, y bboys, donde se puedan participar en cada edición, y tanto el público como los artistas, nos conozcamos y disfrutemos de ese lugar. La movida beatmaker en La Plata es algo que le falta mas visibilidad pero estamos trabajando para que eso cambie, hay mucho talento no solamente en La Plata, Buenos Aires, si no también en toda la Argentina. Con nuestros amigos de Bit Master (@bit_master) pensábamos en hacer algo en conjunto antes de la pandemia, creemos que las conexiones hacen que todo sea más fluido y se llegue a buen puerto. Para un futuro con Bit Tapes esperamos que muchos lugares nos abran las puertas para poder llevar nuestro trabajo a más personas, que se acerquen nuevos artistas, beatmakers, bboys, y que esto se replique en muchos asi podemos volver con todo al ciclo. La idea es mantener viva y unida a la cultura.

Otro proyecto que me dijiste es que para el próximo disco es que te interesaría hacer un vídeo documental como Dano, pero no hablado, solo con imágenes. ¿Ya empezaste a trabajar en esto?

Mi próximo tape “BIG MOOD”, es un tanto callejero, bastante classic, se vuelve un tanto agresivo con respecto al sonido, pero siempre manteniendo las texturas lofi que me representan, también hay mucho groove, mucha armonía de jazz, flips de samples muy trabajados, y cosas que me inspiraron luego a querer hacer un vídeo documental del álbum, me gusto mucho la . Van a participar animadores digitales también, va a ser un trabajo visual muy grande y muy importante para mi. Para enterarse de todo esto, pueden seguirme en mi instagram (@baskitoprod) o pueden entrar a https://www.fanlink.to/baskitoprod donde pueden entrar a cualquier plataforma para escuchar y comprar mi música. También les dejo otros artistas con los que nos solo estamos trabajando en varios proyectos, si no que también me encanta su música: @extreinsh / @octavioaga / @con.fusion_ / @insanosuc / @kaizen.92 / @keth_prod / @monowario / @lasarte.ksp / @clima.shinen / @gvbitou / @gianydorazio / @ignaciolopez.lileme

SIAK – MANDALE (2020)

Por Juan Ignacio Guzman Dotto – @juanguzmandotto

“Te invito a prender fuego, a caminar mi suelo / a ver el pasado, lo bueno y lo malo y si no es demasiado vamos a cambiar el juego” así arranca Juan Amarita aka Siak su primer disco solista “Mandale”. Siak forma parte de Iluminate Crew, formada en el 2005, integrada por Manuel Delgado aka Manuu Thin (productor y MC), Gabriel Homsi (MC), Mariano Sora (músico), Robsteady (DJ)  y Pablo Marrone aka Dsg (VJ) quienes tienen el mérito de haber publicado 5 discos y trabajado con artistas conocidos de otros géneros como el Pity Alvarez, Andres Gimenez, Los Cafres, etc.

El grupo está ligado mucho a la escena de reggae nacional. Y ya esto se puede notar en la tapa de este disco (Hecha por Vj Dsg), con una estética similar a la de esos géneros jamaiquinos.

Este trabajo presenta 11 composiciones que cuentan con la participación de varios beatmakers, productores y raperos y fue grabado y mezclado durante 2018 y 2019 en Confesionario Rap Estudio por Manuu Thin.

Mandale es una mezcla de jazz y boom bap, en los cuales se le agregan otros géneros en canciones particulares. La mayoría de la música está hecha por miembros de la crew (Manuu Thin y Mariano Sora)

Lo que comparten la mayoría de los tracks es que suelen haber samples de pianos jazzeros, con algunos sintes y guitarras (en algunos es difícil distinguir si es un sampleo o un instrumento grabado posta). acompañadas por batas y fxs bien de los 90s.

Todo eso hace que el disco tenga una sonoridad muy variada: Por ejemplo “Intro” y “Café” comparten un sonido más electrónico, donde priman los sintes creando atmosféricos. Después hay cosas que suenan como A Tribe Called Quest, con tracks como “Algo distinto” y “Sueña”. Y otros tirando a un boom bap más clásico con “Cash” y “Mandale”

Las letras de Siak nos dan para pensar. Por mencionar algunas: “Libre” es una reflexión sobre el tiempo, la libertad, las circunstancias y la sociedad capitalista. Cerrando con un audio de un discurso de Pepe Mujica. “Café” es un golpe de realidad: Habla sobre la autenticidad en la escena y de la vida del día a día, donde el rapero viene a despertarnos con esta canción, como si se tratara justamente de un café amargo. “Pie izquierdo” retrata la transformación de una persona que es llevada al cinismo por la realidad cotidiana. Siak es consciente de ello y utiliza ese pensamiento para contraatacar: actuar en consecuencia para mejorar.

“Quien sos?” es uno de los temas que más diferente suena del resto. Tal vez porque tiene un sample latino y una onda trapera, sumado a que se rapea a doble tiempo. Y habla de la reivindicación del yo.

“Cash” es otra canción que destaca por su sonoridad: Es un boom bap clásico, con un sample de cuerdas pero con un rap violento y vocalizaciones de reggae que manifiesta la sobre importancia del dinero y el consumismo.

Un gran disco de un gran artista que lanza su carrera solista con un trabajo más que solido. Poquito mas de media hora de buen sonido, buenas barras y una compañía musical más que destacable. Si estas con tiempo, dale play a Mandale y disfruta del buen rap de Siak.

 

Escucha Mandale acá:

 

CONOCEMOS A LA ASOCIACION BREAKING ARGENTINA

Por Mana Randazzo – @mana.randazzo

En el 2018 se celebró en Buenos Aires una nueva edición de los Juegos Olímpicos de la Juventud apareciendo uno de los elementos del Hip-Hop representado como categoría deportiva, el break dance o breaking. Dos años después, nace en nuestro país una asociación con la responsabilidad de trabajar en pos de la profesionalización de este elemento, danza, arte y deporte.

Se trata de la Asociación Breaking Argentina (ABA) una entidad dedicada a regular, fomentar, formar y profesionalizar el breaking en Argentina.

ABA está representada por: Micaela Ciordia (presidenta), Natalia Figueredo (vicepresidenta), Valeria Vieytes (secretaria), Cristian Perez (tesorero), Gastón Todini (primer vocal) y Saturnino Lencina (segundo vocal). Si bien, cada uno de ellos tiene una historia interesante que contar, hoy el centro de la nota será sus acciones y aportes como asociación para la cultura del país argentino.

Durante el verano del año en curso, ABA estuvo dictando talleres para chicos en lugares como el Parque Sarmiento, Polideportivo Colegiales, Martín Fierro y Parque Avellaneda. Más de 5.000 niños y niñas disfrutaron con estas actividades teniendo su primer acercamiento hacia la cultura Hip-Hop que tanto apasiona.

Para lo que resta de este año, la asociación tiene como meta generar un acercamiento con la comunidad y afianzar la unión de los actores mediante la confianza y el compromiso. El foco está en la concientización, sobre la importancia de que exista una organización que represente profesionalmente del breaking. Y para coronar, están proyectado la ejecución de implementar lo que llamarán la “Liga Femenina de Breaking y Fomación” institución que representará a las deportistas mujeres de esta categoría deportiva en todo el país.

El trabajo que viene llevando adelante ABA le ha permitido tener sólidos vínculos con organismos públicos tales como la Subsecretaría de Deporte, Ministerio de Educación, Ministerio de la Mujer, Género y Diversidad, ONU Mujeres, Unión de Federaciones y Entidades Deportivas Metropolitanas (UFEDEM).

Revista Flow accedió a hablar con Micaela Ciordia (Presidenta de la Asociación Breaking Argentina) y le preguntó con relación a que los motivo, a todos los integrantes de ABA, a trabajar en conjunto por la profesionalización del breaking.

“La Asociación Breaking Argentina es el resultado del notable crecimiento, en nuestro país, del Breaking y todos los elementos que lo acompañan. Es una realidad concreta que nos sentimos responsables de ayudar desde nuestro profundo respeto y admiración por esta Cultura Hip Hop. Decidimos unimos en pos del desarrollo, asegurando una representación que mantiene los valores y fundamentos de la cultura para las próximas generaciones, siendo un núcleo conector donde todos podamos contribuir desde nuestro rol, individual y colectivo”

Estos son los primeros pasos de una Asociación que dará que hablar en poco tiempo, han sido pioneros en lo que hacen y les queda un largo trecho que recorrer para que esta nueva disciplina deportiva, y antigua danza, ganen el terrero que se merecen en la cultura nacional y en todo el mundo.

Celebremos las decisiones de estos emprendedores amantes de la cultura de la doble HH y ayudemos a difundir sus actividades y acciones para que llegue la información a más personas. Sobre todo, no entremos en discusión de si el breaking es o no un deporte, claramente lo es desde la connotación del concepto de la palabra deporte, no perdamos tiempo en esto y centremos atención en lo que verdaderamente importa… el crecimiento profesional del break dance.

 

«ME CONSIDERO FRÍAMENTE UN NARRADOR»

Por Nazareno Quiroga – @nazareno.jpg

Allá por el año 2014 en Junín, Buenos Aires, se realizaba una competencia de Freestyle llamada “El coliseo de la rima”, la misma fue una semilla que permitió la expansión del Hip Hop en ciudades del interior. A este evento asistía gente de todas las ciudades de la zona para medirse en batallas, que luego poco a poco fueron evolucionando para crecer en el campo artístico musical. Entre muchas personas que concurrían a regar la semilla del Hip Hop o acercarse a ella tuve el gusto de conocer a Emiliano Minchilli un rapero de Chacabuco nacido el 17 de Enero de 1997. Hoy Emiliano es conocido bajo el seudónimo de IEMAI y su último trabajo es el disco titulado IEMAI.

¿Cómo llegaste al rap?

La primera canción que escuche fue «El juego de la vida» de un loco de México que se llamaba Dyablo, antes de eso escuchaba reggaetón y boricua, Héctor el Tito, venía de esa escuela y de ahí pasé a lo yankee, esos que no es necesario andar nombrando, Jay z, Dr Dre, Eminem.

¿Quién es Emiliano cómo rapero?

Emi es una etapa como rapero. Yo me dedico al hip hop hace 8 años de manera profesional. Empecé en el ambiente del Hip Hop bajo el seudónimo de E.M.I que es un acrónimo de Evolución, Marca, Imaginación. Empecé haciendo mixtapes en la ciudad de Chacabuco. En ese momento en Chacabuco no había movida imagínate que empezaron a juntarse en las plazas en el 2014, yo arranque a fines del 2012 y era grabar mixtapes y nada más. En 2013 creo que grabe dos mixtapes, en 2014 grabe uno más y ese año nace GarageStudios donde grabo toda mi discografía hasta el año 2016 que me radico en La Plata donde saco mi disco Kefren.

¿Cómo fue la transición de Chacabuco a La Plata?

Bien, fue algo copado, más que estudiar me quise venir a buscar la vida, a empezar de cero. Logré adaptarme muy rápido y considero que venir a vivir a esta ciudad fue una de las mejores decisiones que tome en mi vida, ésta ciudad me cambió muchísimo y para bien.

Bien, es un cambio interesante mudarse desde el interior donde la movida es de menor magnitud y de ahí venir a una ciudad que está casi pegada a la capital del país. ¿Te chocaste con alguna diferencia con respecto a cómo se vive la escena del Hip Hop en La Ciudad de La Plata?

Si, cambian muchísimo las oportunidades, como la gente percibe el rap. Es una cosa muy del interior ¿No? Como ser muy de pueblo y al no haber tantas oportunidades la gente no se toma el Hip Hop en serio. Esta ciudad no llega a ser tan grande como Capital pero es grande y es un lugar donde la cultura y el arte siempre estuvieron de la mano, acá paseas y si ves diez graffitis en la calle es poco. Entonces en un punto está tan normalizada la cultura y el arte que se hacen mucho más apreciables los campos artísticos. Hay muchos centros culturales que promueven la cultura y el arte, promueven talleres y entonces se hace mucho más fácil emprender una carrera artística acá. Obviamente me refiero a emprender una carrera artística en los términos de salir a mostrarte porque en términos formales hacer carrera artística es más difícil en Argentina.

Ya estando acá en La Plata cambiaste tu nombre artístico de E.M.I a IEMAI ¿A qué se debe?

Tiene muchísimo fondo. Primero y principal quería evolucionar como artista, y por otro lado sentía que estaba viendo las cosas de otro modo como persona y lo artístico está muy conectado con mi persona, lo que me pasa en la vida se ve reflejado en lo que hago musicalmente. Por otra parte es una manera de tener más llegada y de mostrarme debido a que como E.M.I nunca pude tener una página de Facebook para difundir mi material, porque si queres hacer carrera artística hoy en día la mejor forma de mostrarte es Instagram que de hecho me parece la única red social decente para mostrar lo de uno, segundo porque E.M.I siempre tuvo que ponerse con los puntos sino no tenía sentido y eso me limitaba porque no me encontraban o ponían mal el nombre. Entonces IEMAI me pareció un nombre más original y mejor para llegarle a la gente. En el 2018 me metí muy de lleno en la fotografía social. Empecé a cubrir eventos y a trabajar mucho, y me puse ese nombre en Instagram y la gente ya me conocía así porque sacaba fotos por todos lados y las exponía o las vendía y dije “ya está, queda así” De acá nace el disco “IEMAI” que yo lo considero el disco debut y que salió junto al de “ChakaPlayers”. Ahora estamos puestos para salir a presentar el disco, negociando algunas audiovisuales y listos para salir a tocarlo.

¿Entonces IEMAI por un lado significa un cambio de ciclo y por otro por que tus trabajos fotográficos los conocían con ese nombre y te ayudo a posicionarte en las redes? ¿Encontraste una relación entre la fotografía y el movimiento del Hip Hop?

Si, hoy en día se apuesta muchísimo a cómo te mostras. Hace 5 años era poner una foto cualquiera y subirla, hoy los pibes están más enfocados en el contenido audiovisual, en fotos, en mostrarse bien a nivel industria y eso me parece que está buenísimo. Es algo que ya tendría que haberse hecho pero bueno, es importante que la gente se esté dando cuenta ahora.

¿Cómo definirías la estética de IEMAI?

Como complejo. Mi música promueve la versatilidad en los géneros, pero yo no soy fastfood, a mí me tenes que digerir sentado y pensando para buscarle la vuelta. Me gusta esa vaina de esconder conceptos y códigos, para que se pongan a pensar que estoy diciendo. Ese es el efecto que busco causar en la gente. Se debe a que me he influenciado mucho con Ziontifik, en un punto me gusta contar historias con mi música y los recursos audiovisuales del cine me ayudan mucho. Es la forma de estética en la que quiero mostrarme, para romper con el estereotipo del rapeo a cámara, que eso al menos tenga un sentido. Entonces me sirve tomar la escuela de estudiante de cine para poder plasmar eso en mi material.

¿Qué buscas transmitir con tu música?

Yo me di cuenta que soy un narrador en el Hip Hop, tengo la habilidad de contar historias y es lo que siempre me gusto hacer en cualquier rama artística en la que me desempeñe. Mi objetivo ahora es contar cosas, historias personales, que viví o de otros. Me considero fríamente un narrador.

Bien, por último y para cerrar ¿Qué opinas de la escena del Hip Hop Nacional?

Se está formando una industria de a poco, todavía es muy virgen, pero está impulsando muchísimo. Los movimientos del Quinto Escalón y el Halabalusa impulsaron mucho todo. Hoy en día está volviendo la cultura de que haya bandas, se respeta a la gente que hace material musical para que se disfrute y quiere participar de la escena de esa forma, en los eventos se les da más lugar. Yo apuesto por eso, creo que la verdadera industria es esa, el año 2020 va a ser un año muy importante para eso.

¡Gracias IEMAI!

 

Podes escuchar su disco completo acá

KLAN – I´M BACK (2020)

Por Emiliano García – @emilianojgarcia

En noviembre de 2019, Klan publicó su último disco, titulado “I´m Back”. El mismo está compuesto por 16 canciones, con una duración de 54 minutos, en los que llena los patrones con frases como esta: “El under no viste Versace”. 

Barras crudas, una característica del MC oriundo de Glew. El arte de tapa es una foto del artista cuando era bebé, lo que da a entender lo que escucharemos en sus letras, un viaje a lo largo de su vida. Atravesando los difíciles momentos que ha atravesado y una confesión de ideas y opiniones en torno a la escena nacional. En época de singles y EP, Klan insiste en “mantener lo puro, no se tienen que perder los discos en el rap y el hip-hop”, como él mismo lo dijo en una entrevista con el diario online La Union.

El disco está cuenta con la colaboración de artistas internacionales: de Atlanta, México, Europa, y artistas locales. En la producción musical, participa Federico Romano, Niño Maldito, Bigla y Gaspar Banegas (guitarrista de la banda del Indio Solari, Los fundamentalistas del Aire Acondicionado). Lucas Matias Santo, popularmente conocido por su nombre artístico “Klan”, es reconocido y respetado por toda la escena nacional e internacional, principalmente por ser de aquellos que mantiene vivas las ideas y la esencia del rap y la doble H, y también por todo lo que ha logrado a lo largo de su carrera como artista y como freestyler.

Hablar de Klan, es hablar de underground, por todo lo que ha vivido en sus 25 años. En sus canciones no se olvida de su pasado humilde en Glew y Longchamps y este disco no es la excepción. «I´m Back» está lleno de barras crudas cargadas con verdad, combinando el mensaje con técnicas, estructuras y una variedad de melodías y flows que le dan el toque musical que necesita un disco para ser completo. “El under no viste versace”, como dice la letra de la canción homónima del disco “I´m Back”, refleja de dónde viene el artista, y da a entender lo que opina de una parte de la escena nacional, esa que se basa en aparentar. En este tema también nos deja frases como estas: “no me tarde en destacarme, pero si tuve que esperar para ganarme la carne, para mi y mis compadres, para mi hijo y su madre, me duchaba con un balde, vendí hasta el cobre de los cables”. Aquí refleja momentos de su vida en los que vivía en la calle y no tenía ni para comer.

En “Boobaloo”, muestra como sufrió para llegar a donde llegó: “lo quería ahora lo tengo, ya se bien quien soy y de donde vengo, tambien cuanto valgo y hace cuanto me mantengo”. Klan vuelve a hablar de la calle, “me las ingenio por que la calle me enseñó, estoy hablando en serio que de mí se rió”, y aclara que realmente disfruta la posibilidad de vivir de lo que hace “rapeo feliz pero frunciendo el ceño porque estoy cumpliendo un sueño”. En cuanto a “Babalawo Ft Mal” y “Tus Eyes”, quisiera destacar la instrumental y el flow en cada uno de estos temas que terminan de completar el disco en el aspecto musical. Los instrumentos y la melodía hacen disfrutar y apreciar de otra forma el rapeo y el estribillo se vuelve pegadizo.

Tango” es la canción que cierra el disco y lo hace de una manera extraordinaria, debido a que combina todo lo antes mencionado. Una buena la instrumental se complementa con el mensaje de la letra utilizando estructuras y técnicas.

El underground tiene voz en Klan y en muchos otros artistas que no olvidan su pasado, la esencia del Hip-Hop, y agradecen la oportunidad de vivir de lo que aman. En “I´m Back” se aprecia todo esto y es justamente esa esencia la que nos motiva a decir que es un verdadero “discazo”. Te recomendamos darle play si aun no lo hiciste y disfrutar de casi una hora de mucha música.

Escucha I´m Back acá

CUANDO LO BIZARRO TIENE LÍMITES.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Lo bizarro vende, es divertido, entretiene pero hasta ahí. Estoy convencido que dentro de mis ideales, lo bizarro tiene límites…Hay cosas que ni por asomo son divertidas y mucho menos son meritorias de una reproducción o un like. Todo eso es lo que pensé ni bien vi el video de un «artista» nefasto. Artista por llamarlo de una manera. La música es libre y eso está genial, pero esta es una nota de opinión y vos estas a tiempo de seguir o de dejarla acá si te sentis ofendidx.

El (ponganle) artista al que hago referencia se llama o se hace llamar, «Faraón Love Shady». De faraón no tiene nada, de amor menos y de turbio casi todo. Lamentablemente llegue a este mamotreto como llegan muchxs, casi todos… un meme, una burla, algo divertido sobre este payaso con todas las letras del abecedario y en mayúsculas. Oriundo del Perú y con nada de contenido se ha transformado en todo un personaje. Me tomé el atrevimiento de entender las razones de su «popularidad» y, fijar la vista en los comentarios de sus publicaciones tuvo el efecto adverso que creí. Lo dije un poco al principio, en mis ideales lo bizarro tiene límites y Faraón Love Shady los cruza todos.

Sus temas, todos, denigran a la mujer de una manera asquerosa y atentan contra todo ese proceso de cambio que nos encontramos viviendo por la lucha y el esfuerzo de muchas mujeres. En nuestro país, durante diciembre de 2019, se cometió un femicidio cada 24 hs. En Argentina mueren miles de mujeres en manos de hombres y millones viven el día a día con temor y el acoso constante de aquellos «machitos pito corto» que siguen creyéndose vivos. Asco me genera ver comentarios como «Faraón sos mi idolo», «Cuando sea grande quiero ser como vos», entre otros. Pavor me causa la cantidad de seguidores y de reproducciones que tiene. ¡En que mundo vivimos cuando el Faraón tiene más views que Ali aka Mind, por la simple razón de ser bizzarro!. Espanto es el que me generan sus «letras». Escribo en caliente. Soy padre, tengo dos hijas y si bien escuche un millón de canciones machistas y denigrantes hacia la mujer, creo que el Faraón gana el premio al ser más asqueroso que escuche. Su música es mala, malísima y eso no se discute, pero su mensaje (¿qué mensaje?) es escuchado, procesado y (ojalá el universo lo niegue) copiado por millones de pibes y pibas que lo idolatran.

La cancion que derivo esta nota se llama «Panocha» y cuenta con más de ¡2 millones de reproducciones! en YouTube. ¿Es una casualidad? NO! y eso es lo preocupante. Sus últimos tres temas en total contabilizan 4 millones de vistas. Por gracia, burla o lo que fuere, este imbecil transmite un contenido nefasto y vaya a saber cuantas de esas 4 millones de reproducciones no son en burla. El tipo este hace trap pero se declara rapero y si bien es cierto que los «dislikes» superan aunque sea mínimamente a sus likes, este energúmeno sigue suelto por ahí tirando frases como: «Distinguida dama, mama, chupalo en la casa de tu hermana, manchando todas las sábanas…» «… me vuelves loco de placer me vengo en tu oreja»… sin palabras.

Repito, escribo esto con asco y un enojo importante. Algunxs me dirán que ignore estas cosas, que estoy dando prensa o lo que sea. Pero ese no es el fin. No me molesta el Faraón, bah sí me molesta pero no es el punto. Me molesta que sea «famoso» que tenga repercusión, pero me enerva aún más la cantidad de personas que lo siguen, le comentan, lo «idolatran». Me molestan los comentarios que puse arriba porque son la clara muestra de que no estamos listos para nada de todo lo que se viene luchando. MUERE UNA MUJER CONSTANTEMENTE EN NUESTRO PAÍS y mientras un femicidio acontece, millones de mujeres sufren abusos, acosos y montones de cosas más en este mundo para nada justo. El Hip Hop es conciencia colectiva y aunque estoy convencido que dentro de la escena nacional este Piñón Fijo no tendría lugar, Internet es libre y lamentablemente nadie puede quitarle al imbecil este la posibilidad de ingresar a una plataforma. Aún así creo que tenemos una responsabilidad social y darle un like, una vista o cualquier otra interacción es permitir que sigan saliendo idiotas así. Al problema hay que cortarlo de raíz.

El rap lejos está de ser esta mierda. Al Hip Hop ni entra pero ahí esta, siendo escuchado por más personas que artistas como Ali que con sus barras te inserta dosis de conciencia, respeto y mensajes claros. Vivimos en un mundo distinto o por lo menos hacia allí vamos, hacia el lugar correcto siendo abanderados por millones de guerreras que lo que menos se merecen son personajes como el Faraón.

Al compartir a este personaje en modo de chiste no hacemos más que aumentar su llegada. Yo lo hice, lo compartí con un mensaje parecido al que da comienzo a este #yodigo y desde acá te digo que no lo hagas, porque al fin o al cabo es apañar conductas horrendas, mensajes asquerosos y es «cagarse» en muchas mujeres que perdieron la vida peleando por un mundo mejor. Repito, esta nota es una opinión, es un descargo. No intento debatir, simplemente descargar la bronca que sentí como padre de dos niñas al escuchar a este estúpido.

PALACIO – ANTISOCIAL (2019).

Por Javier «Chavo» Ruiz – @chav079

Una de las definiciones de la palabra antisocial dice que, este término se utiliza, desde el punto de vista de la defensa del orden social, para etiquetar peyorativamente o criminalizar la conducta deliberada que se considera perjudicial o peligrosa para la sociedad (peligrosidad social).

Muchas veces las sociedades modernas buscan la paz “social”, escondiendo en los barrios pobres de las periferias, esos factores que pueden alterar ese orden. Y en esos barrios emerge un actor social que reclama entre otras cosas, canales de expresión para que esas sociedades se enteren que esa paz social se logra atendiendo los problemas de todos los que forman parte de la sociedad. Pero sabemos que la gente sigue viviendo un mundo perfecto sin importarles los problemas de la gente que vive del otro lado de La General Paz.

Facundo Palacio es un Mc del barrio de Villegas, uno de los tantos barrios de La Matanza. Actualmente reside en Moreno, pero gran parte de este disco se cráneo por esos barrios donde se viven realidades diferentes a las de las grandes luces de la ciudad. “Antisocial” se llama el tercer disco de Facundo Palacio. Sus dos discos anteriores no están subidos a su canal de Youtube, y se llaman “Los pies en la tierra” y “Cuento Corto”.

La primera vez que escuche este disco estaba recorriendo las calles donde Palacio se inspiró para hacer las líricas. Muchos viajes entre Villegas y Lafererre, donde se grabó (La Pieza Records). Y cuando uno ve ese paisaje escuchando “Antisocial” entiende muchas cosas que se escuchan en el disco. Y también se da cuenta porque para la sociedad es mejor criminalizar a la gente que habita en esos barrios en vez de solucionarles los problemas, entonces le clavan el mote de antisocial y transforman a la víctima en victimario.

Yo lo escribí en base a lo que viví toda la vida, nada es fantasía” dice Palacio y con 34 años tiene mucho que decir de esa realidad que se vive en los barrios. El disco tiene 12 tracks, contando la “Intro” y el “Outro”. El tema que da nombre al disco ya nos da una muestra de lo que escucharemos al recorrer “Antisocial”. Le pregunté a Palacio, si creía que el disco tenía algún concepto: “Si, la rusticidad, un poco de bronca. Todo lo que pasa por dentro mío está ahí cuando escribo

El segundo tema se llama “Por estos lados” una polaroid, una recorrida por las realidades que se viven en un barrio del conurbano, donde el diablo siempre va buscando por dónde meter el rabo. “Si más me Odian” es un tema donde el Mc, deja en claro en qué lugar de la escena rapera quiere estar. Y le tira a esos que no se comprometen ni con el rap, ni con la realidad.

Molotov”, es uno de los temas que más me gustaron del disco y encaja muy bien con una frase que me dijo Palacio: “Yo veo al disco como música para ir a la guerra”. Porque a veces la guerra está cuando salís de tu casa. «Molotov«, tiene la mejor frase del disco: “Entre el cielo y el inframundo el purgatorio son los barrios…

Llegamos a la mitad del disco con “Fuego” donde se relata una historia que a veces está fuera de nuestro foco, y que, cada vez son más los raperos que las cuentan.  “Incomprendido”, cuenta con la participación de Kriss MC, la única colaboración del disco. “Patrón” vuelve a dejar en claro, que no quiere tener nada que ver con el rap superficial que está de moda.

Tick Tack” es otro de los temas que más me gusta de “Antisocial”, tiene un sonido bien under, con un Mc tirando barras que nos hace recordar porque nos gusta el rap. Sin duda ya tenemos en claro que es un disco con beats que le cuajan a la perfección a Palacio. “Grieta” y “Me vuelvo a levantar” son los dos últimos tracks y no defraudan, nos dejan bien llenos de rap under (nacido y creado en los barrios de La Matanza…).

 

Cuando escucho este disco, pienso que funciona como una especie de catarsis para alguien que vive en un barrio de La Matanza, quizás me llega porque recorrí los mismos barrios también y cierro citando a Palacio que resume todo lo que escribí: “Es la terapia del MC, para mí eso es rapear” No dejen de escuchar “Antisocial”, ojalá lo disfruten tanto como yo…

Escucha el disco completo acá

 

«LUCAS ES UNA COSA PERO EL PERRO VIEJO ESTÁ RE RABIOSO»

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Una historia. Un recorrido. Mucha agua bajo el puente y por ende miles de kilos de rap. Eso trae el Perro Viejo en sus espaldas. Rabioso y sin caretas, afronta esta entrevista como afronta la vida misma: a todo o nada. Y si es todo será recibido de la mejor manera y siendo nada será una nueva experiencia para contar y aprender. Lucas Pinel es el Pincha, el Pincha Lucas, el Old Dogg, el Perro Viejo. Hincha de Estudiantes enfermo y «fanático del sample y de la bruja», este rapero de 36 años vuelve luego de un parate obligado para poner las cosas en orden, para dejar… las cosas claras.

«Antes no era como es ahora, antes había poco y nada. Hoy en día levantas una baldosa y sale un raperito con un disco abajo del brazo» arranca picante, «imagínate que antes había una fiesta por fin de semana con suerte y tenías que ir porque ahí repartían el flyer para la del próximo fin de semana y así» continúa enfocado en este cambio de era. «Hoy es normal escuchar rap, yo era el raro, el perseguido por la cana por usar pantalones anchos, eso cambio aunque ahora no usan más pantalones anchos» dice mientras una sonrisa irónica se pinta sobre su rostro. Lucas es amigo desde hace algunos años y lo conozco, se sus salidas y conozco sus sarcasmos, por eso esta entrevista es diferente y con una complejidad bastante particular.

La plaza y los mates son la excusa; el rap es la razón de esta charla. Con lxs chicxs jugando de fondo, disfrutando los últimos días de vacaciones, el Perro Viejo se despacha con declaraciones fieles a su estilo. Hablamos de todo un poco pero su vuelta a los estudios es, quizás, el principal motivo de esta entrevista. «Esté 2020 se viene con todo, prometo mucha música» cuenta y sigue «tengo algunos proyectos casi listos, algo en colaboración con artistas colombianos y otro proyecto con La Bruja. La verdad que hay muchos temas por grabar , muchos desahogos del Perro Viejo» cierra sonriente. La charla fluye como él durante casi 20 años en la escena. Hablar con Lucas es entender cuando es el pincha y cuando es el Perro Viejo, y es ese artista en donde pone todos sus sentimientos en un papel «no evolucione mucho en las temáticas, yo escribo lo que vivo y la vida siempre me ha dado golpes y sin esos golpes no hay nada para contar» dice en tono reflexivo. Su vida lo marcó y tanto sus errores como sus aciertos son ese motor lírico que despliega en cada una de sus canciones, «una vida feliz» piensa «no le veo mucho sentido al rap desde ahí, haría otra cosa si así fuese, pero seguramente no sería rap, un tema con Maluma que se yo» cierra y va desde lo reflexivo a lo irónico en un abrir y cerrar de ojos.

Mientras los mates se lavaban, el Perro Viejo muestra los dientes y la charla viró el rumbo hacia la actualidad de la cultura en nuestro país y esa especie de boom que se vive por estos días, «Mira, yo siempre trato de no opinar, pero no me gusta tampoco esquivar preguntas, ese boom que decís es medio ficticio, hay un falso crecimiento en el Hip Hop porque lo que realmente se masifico fue el Freestyle y eso trajo la masividad a la cultura y con el trap explotó, pero los que hacemos rap y venimos hace años seguimos igual que siempre, salvo contadas excepciones, todo sigue igual» afirma. El trap y esa polémica es moneda corriente en todas las conversaciones entre los amantes del rap y aquellos que se alegran con la masividad de este género porque consideran que aporta a la cultura y en este caso el Perro Viejo no esquiva la bala y cuenta «yo jamás haría un trap, ojo, me lo han propuesto pero no lo haría, no me sale. Tenía una letra que se llamaba «Trapito» era un trap pero criticando a los «rappers crudos» que empezaron con esto por pegarla pero rompí la hoja y ese tema es historia, no me sale, no es lo mio» cierra enfático.

Si hablamos de su historia, Ksg Click es un tema inesquivable para el Perro Viejo. En la banda oriunda de Quilmes participó activamente durante más de 7 años y fue allí donde dejo barras inmortalizadas en canciones. Hablamos de su paso, su distanciamiento y las razones por las cuales hoy lo podemos catalogar como «Ex Ksg Click», «Yo estoy muy agradecido con la banda, con todo lo que me dió porque fue la primer agrupación que me brindó la confianza y la posibilidad de darle para adelante con el rap» cuenta. Pero no todo es color de rosas y como pasa en muchas bandas, las relaciones se desgastan «pasaron cosas, no importa qué, pero ese dicho «disfruta del artista, la persona decepciona» podría describir un poco todo» explaya, «creo que fue eso, me decepcionaron actitudes que tuvieron mis ahora ex compañeros en un momento que tal vez los necesitaba y por eso elegí hacerme a un lado, no sé qué pasará con la banda pero yo ya deje las cosas claras» cierra y nuevamente esa sonrisa vuelve a aparecer.

La charla está en su punto álgido y Lucas no para de dejar un título tras otro. De manera reflexiva me cuenta que ahora tiene la posibilidad de dedicarse de lleno a su carrera y que no piensa desaprovechar la oportunidad, «voy a meterle con todo a mi parte solista que la tenia muy olvidada. Dedicarle más tiempo y más recursos que posponía por Ksg Click. Disfrute y disfrutaba mucho más tocar con la banda que solista y eso hizo que posponga muchos proyectos como El Perro Viejo, por eso ahora voy a invertir todo en mi y ver los frutos de ese laburo de manera solitaria». El pincha es un tipo real, no se guarda nada y no le importa mucho lo que el grabador deje para posteridad. Él cuenta lo que siente y eso hace que el ser humano siempre le gane al artista. ¿Pueden convivir dos personas en una? No. no lo creo, pero en este caso si pueden combinarse de la mejor manera para hacer de Lucas Pinel un combo explosivo que nunca pierde el control. «Es más hace un par de años saque un disco que toque como mucho tres veces porque la banda siempre predominaba». Sacar un disco parece un objetivo utópico para los artistas de hoy. Los cd´s no son lo que eran y ese cambio drástico los toca a todos, vieja y nueva escuela, sobre esto, el Perro viejo nos dice: «Como artista esta buenisimo sacar un disco pero la verdad hoy garpa el videoclip con el single para que la gente te vea, te conozca. El disco es en forma digital una foto con música y así como casi nadie lee los libritos de los cd físicos, casi nadie se queda mirando tu foto mientras el disco se reproduce, por ende termina siendo algo obsoleto y que no tiene muchos beneficios. Prefiero sacar varios temas con videos y luego agruparlos y hacer el disco cuando los temas ya los escucharon y mal o bien los conocen» cierra.

Casi dos décadas de rap, de movida nacional y mucha experiencia en el lomo. El pincha se hace cargo y nos cuenta que el alejamiento de Ksg Click lo hizo crecer, «todo es una experiencia y definitivamente separarme del grupo me hizo mejorar y por supuesto que uno saca conclusiones o hace balances y hoy te puedo afirmar que hay personas con las que no volvería a trabajar y que si es posible tampoco volvería a tener un dialogo» afirma. «Cambie, obvio que cambie» se sincera, «pero cambie por lo que me demostraron con actitudes los demás. El estar alejado y tener ese espacio de introspección me hicieron replantear muchas cosas y creo que me hizo bien. Hasta mi forma de rapear cambie, ahora soy yo, estoy o me siento más suelto». Y sin tapujos suelta «Lucas es una cosa, pero el Perro Viejo está re rabioso».  Cambios, evolución, crecimiento son tres palabras que se repitieron mucho durante esta extensa charla en un plaza de Avellaneda. «Creo que un artista mas que cambiar debe autosuperarse y mejorar desde ahí».

Era imposible terminar la entrevista sin entrar en sus comienzos y eso nos llevo también a comparar épocas y buscar hipótesis acerca de este público infanto juvenil que se acercó al Hip Hop de la mano de los gallos/traperos, «es fácil» cuenta, «antes, cuando yo era pibe y no me pasa solo a mi, les paso a casi todos, en mi casa se escuchaba cumbia, el rap no existia y eso cambio, te puedo asegurar que si le preguntas a todos los chicos que hay en este plaza» dice señalando el panorama, «o a cualquier otro chico o chica de 10 años para arriba, todos van a conocer a Trueno, a Wos, a Duki y a todos esos pibes que escuchan hoy en día, es lo que consumen, lo que el medio les ofrece» afirma. «Yo dentro de todo tuve suerte» dice, «compartí colegio con dos pibes que curtían el Hip Hop y así fue que aprendí mucho, compartiendo data entre otras cosas. Antes era re jodido de verdad o al menos mucho más de lo que es ahora». El Perro Viejo deja bien claro que cada era tiene sus cosas buenas y sus cosas malas pero el rap subsiste a cualquier era y/o artista y eso es lo que importa.

El sol ya había caído y la tarde era, prácticamente historia. Era hora de apagar el grabador y de agradecerle a Lucas por la charla y el tiempo. Había tiempo aún para conocer sus sueños y él lejos de alardear dijo «mi mayor sueño es ver a mis hijos felices, con esto estoy». Así terminaba una conversación interesantísima y llena de titulares para poner en la primera plana de cualquier medio. El Perro Viejo está de vuelta y esa es la noticia, vuelve y vuelve con el rap a cuestas para destapar su esencia y volver, una vez más, a dejar las cosas claras.

 

Fotos: @Alvaradoaxx / Melani Garcia Tapia

 

EL HIP HOP LLEGÓ AL TEATRO DE LA MANO DE «EL ARREBATO».

Por Gian Franco Lisanti – @itnasilnaig

Dentro del género teatro, nos encontramos con los musicales. Lógicamente, en los musicales, puede predominar cualquier género musical, valga la redundancia. En mi mínimo conocimiento del teatro, los musicales en donde el rap predomine, al menos en Argentina, son pocos. Poquísimos diría. Bueno,“El arrebato”, es uno de ellos y por eso hablaremos de eso en esta nota.

Durante el mes de febrero, en el marco del Festival Internacional de Buenos Aires, en el teatro independiente El Método Kairos, se presentó este musical. El equipo creativo de la obra está compuesto por Emiliano Dionisi (director teatral), Martín Rodríguez (música), Juan Martín Delgado y Maia Delgado (dirección y coreografía). De estas personas, ninguno es propiamente dicho de «la movida del hip hop», entonces: ¿Cómo hacer un musical de hip hop sin estar ahí? ¿De dónde salen las ideas sobre el contexto y valores sin estar en la movida?.

Vale aclarar que los actores y las actrices, a excepción de uno de ellos, son bboys y bgirls, algunxs con estudios en danza más generales, otrxs con más trayectoria en el hip hop. Dentro de ese grupo encontramos raperos, referentes de la movida del break, y una beatboxer y productora. De todas formas, aunque intérpretes de la idea, no son los generadores de la misma, y ahí está la magia. Otro punto que no me parece irrelevante es que, excepto uno de los actores, lxs demás fueron escogidxs en castings organizados a través del programa “Arte en Barrios” del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, en donde el equipo creativo de la obra evaluó a quienes se presentaban en base a sus capacidades para la actuación y el break dance.

Volviendo a las preguntas. La idea original de la obra es de Angélica Villagomez, B-Girl del Barrio 20, Villa Lugano. El elenco está compuesto por 2 pibas y 6 pibes. Una de ellas abre la obra. “No elegis donde nacés”. El discurso de la protagonista nos sitúa en la realidad de este grupo en donde lo único que eligen -que tienen la posibilidad de elegir pero no siempre la libertad de hacerlo- es lo que sienten. Lo que hacen se ve condicionado por la salida de la villa, por conseguir cosas mejores. Y la villa no colabora con los sueños materialistas. Y en este camino, ella tiene un hijo. Una joven con un embarazo no deseado y un padre que no aparece, ¡qué noticia!. Los lazos comunitarios que crían al pibe mientras ella trabaja gran parte del día y vuelve recién cuando Mateo duerme. El pibe que comienza a salir a la calle. Trabaja en trenes con un amigo de la madre, conoce a Ezequiel, el pibe de la libretita y la “poesía cantada”, y también conoce a los fisuras, a los pibes zombies. Mateo elige: el dinero fácil, ese que le ofrece el cabeza del grupo de “pirañas”, en donde encuentra a los pibitos fisuras, a los zombies. Y así se va la obra, entre la preocupación de la madre, el barrio detrás de él, preocupada ella, y el que le ofrece los trabajos. En una continua batalla en la que Mateo, un personaje que no está actuado pero personifica la obra, va y viene entre los “laburitos” y Ezequiel.

Es de esperar que la obra avance por números musicales. Es un musical a fin de cuentas. Lo que me pareció novedoso es que en no todos la música salía de los parlantes del teatro. En varios, domina el silencio de la sala un beat de lxs pibxs y un rap o una batalla 4×4. E igual, la historia sería fácilmente narrable sin el hip hop. Pienso que son dos razones las que pueden explicar el enfoque desde el hip hop: uno, el rap está de moda y la obra se da en el marco de un festival internacional de teatro organizado por el estado de la ciudad, que promueve en su discurso pluricultural las manifestaciones «alternativas»; dos, los valores del hip hop, al arraigarse desde la raíz en la historia, intensifica las emociones que de por sí genera y logra la interpelación directa. Ya sabemos que en la villa no sólo hay drogas y violencia. Me arriesgaría a decir que es lo menos, pero aún así domina. Por debajo de este régimen, lxs vecinxs encargadxs de hacer crecer a lxs pibxs en un ambiente en donde la desigualdad no lxs violente sino que lxs potencie. Lazos de solidaridad que hacen «habitable» un lugar donde nadie merecería vivir. Lo material en este contexto se vuelve secundario, donde los vínculos y la atención permiten reconocerse como persona más allá de lo que digan y usen las gentes de afuera de la villa. El arte, en realidad, la conciencia del potencial transformador del arte, y no simplemente pintar paredes con bonitos colores, habilita la humanidad de sujetxs que minuto a minuto son excluidxs, desde el mínimo hecho espacial.

El hip hop, como la puesta en acción, sea con palabras rimadas, bailes no convencionales o música hechas de otras músicas, de la vida cotidiana que nadie muestra, apropiándose del arte convencional. Porque, pongámonos de acuerdo, el hip hop nace de manera ,contrahegemónica. Que hoy sea un producto es otro tema. Pero las raíces del hip hop son contestarías a un sistema de exclusión, racista y clasista. En “El arrebato”, el hip hop se actúa considerando eso, a pesar de haber sido embalado por la industria teatral del estado que reproduce el mismo sistema (de maneras más invisibles que en los ´70).

En pocas palabras, estar ahí, dentro de la sala, con esos personajes, esas actrices y actores y esa historia, es un momento de inmersión completa en una realidad que, la mayoría de quienes estuvimos ese día ahí, nunca viviremos. Es una obra que nos permite vivir otra realidad, con momento en los que rapean mirándote a los ojos, rompiendo la cuarta pared, recordándote que vos, todos los días, ignoras, activamente,parte de la vida. Vos sabes que son actores, que son actrices y que eso es todo un juego pero que te recuerden que tu vida está plagada de ventajas que muchísima gente todavía no tiene, te incomoda, y ahí está lo fuerte de la obra. No salís siendo la misma persona. Capaz sólo reafirmas lo que pensabas, o capaz te cayó de verdad la ficha, pero después de “El Arrebato” te acordas que dentro de esos lugares que te parecen tan ajenos, como son las villas, viven personas con tus mismos problemas, con tus mismos deseos.

Para más informacion sobre esta obra hace click @elarrebato_ok