TRUENO Y LA VERDAD IRREFUTABLE.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Lunes por la madrugada decían Los Abuelos de la Nada… bueno es lunes pero no es la madrugada para que voy a mentir. Arranca una semana movida, muchos discos están saliendo y esta cuarentena no le puso stop a esos trabajos, motivo para festejar ya que ¿A quién no le gusta escuchar discos nuevos constantemente?. Si bien hoy no voy a hablar de un disco en sí mismo, me parece más que interesante esta columna de opinión, porque trata de lo que la salida de un disco y la declaración de su protagonista generaron entre los amantes del rap y de la música en general.

La semana pasada, Mateo Palacios, conocido por todxs como Trueno, editó su primer trabajo discográfico titulado «Atrevido», dicho material consta de 10 canciones que varían desde el trap hasta el pop, pasando por el reggaeton. La salida de este laburo generó muchas expectativas y automáticamente se convirtió en lo más escuchado por estos días. En este contexto y con una claridad asombrosa pese a sus 18 años, Trueno dijo que «Te guste o no te guste, somos el nuevo Rock and Roll» y muchxs le saltaron al cuello. Ahora bien, pensemos fríamente, analicemos este titular que encontré por las redes. Si fue o no sacado de contexto ahora mismo no importa demasiado, tampoco importan las demás declaraciones. Me quiero centrar en este titular para que entiendan lo que en esta columna intento decir.

Automáticamente, el debate se generó y entre «haters» y «no haters», entre rockeros y raperos, entre amantes de la música en sí, se creo una especie de batalla virtual desnudando opiniones y razones. Para empezar y cortar de raíz uno de esos argumentos que he leído: Trueno no se comparó con un rockero, no dijo somos mejores que fulano de tal o estamos haciendo mejor las cosas que tales personas. Este artista oriundo de La Boca dejo en claro algo que muchos piensan, el rock está muerto hace tiempo. Cuando Trueno dice hoy somos el rock and roll se refiere a eso que el rock fue perdiendo y que el trap o este género urbano fue ganando. Para mi el disco de Trueno no es rap, para MI. Ahora bien ¿está meando fuera del tarro Trueno al decir esto?. Y la verdad no. Hoy quienes mueven a las masas, quienes exhiben esa rebeldía extrema son lxs pibes que hacen este tipo de música, que repito puede gustarte o no gustarte.

Aquellxs que son rockeros de antaño y que deliraban con Luca, con el Flaco, Charly, Cerati hoy tienen que saber que la antorcha del rock en Argentina la lleva La Berisso y con eso amigxs, les estoy diciendo todo. El rock era rebelde, era nadar contra la corriente envuelto en un estilo y siendo representado por monstruos a nivel musical. Hoy no son monstruos, son oficinistas sin alma que hacen música para aquellos que con la napia pegada a la ventana ven el recuerdo de la era dorada alejarse cada minuto un poco más. Hoy en día esa rebeldía, ese sentido de pertenencia lo generan artistas como Trueno, como Wos y todxs estxs pibxs que hacen la música que les gusta, con gente amiga y que (vuelvo a repetir) te guste o no, es la que manda en los famosos rankings.

Como saben, en mis columnas suelo decir que para mi el trap no es parte del hh y que personalmente no me gusta nada. Es cierto y eso no cambia, de hecho el disco de Trueno me parece impresionante a nivel producción pero no volvería a escucharlo, porque no es música de mi agrado. Pero aquellxs que lo hayan escuchado como yo, podrán afirmar que suena mucho mejor y es mucho mejor disco que varios  de rock que han salido últimamente. Una cosa no quita la otra.

¿La camada trapera de ahora puede compararse con la era dorada del rock?… y sí, claro que sí porque no. Hay millones y millones de personas en el mundo, música para todos los gustos. De echo también existen algunxs que dicen «la música me da lo mismo», hasta para esos extraterrestres debe haber algo por ahí. Les guste o no, estxs pibes están viviendo y marcando su era. Nadie les regalo nada, trabajan y saben moverse en su mundo que hoy es el virtual, ahí juegan de local y estés o no de acuerdo hoy las redes y los streamings son parte de la normalidad, si vos estás afuera no es problema de Trueno. Lo que el dijo se centra en esto, ellxs hoy generan lo que el rock generaba hace años. Todxs queríamos ser Luca o el Flaco, hoy lxs pibxs quieren ser Wos, Trueno, Cazzu y ese es el más fiel reflejo de las declaraciones de un artista que tiene 18 años y muchísimo camino aún para seguir conquistando el mundo.

Debatir es algo hermoso, siempre con respeto y un argumento lógico. Trueno dijo la verdad, dijo lo que está pasando y lo que muchxs pensamos. El rock está muerto y de ser rebelde paso a ser pasatista y disoluble. El rock hoy es La Berisso y si eso es rock, yo al menos, voy a cruzar de vereda.

EL ESCRIBA – BARRAS BRAVAS (2020)

Por Luana Iroz – @lxulitta

A mitad del mes de junio El Escriba a.k.a Quemero, rapero oriundo de Buenos Aires que reside actualmente en el sur de Argentina, presentó su último trabajo el cual se titula “Barras Bravas”. El mismo data de un EP y contiene cuatro temas.

Este material cuenta con la participación de Facking Shisus (Jesús Sarroco) en la realización de los gráficos y visuales, también los beats, mezcla y mastering en tres tracks: 10 Años, Fuera de Foco y No Tiene Precio, el segundo tema nombrado también cuenta con la colaboración de Dj Skrag quien realizó los scratchs, mientras que Vengo, el segundo tema en el orden que se subió cuenta con un beat de Ninio. El Escriba cuenta que estas obras fueron realizadas en el lapso de cuatro meses, entre febrero y junio de 2020, donde estuvimos viviendo en aislamiento social la mayor parte de este tiempo debido a la pandemia actual.

«10 años» es un tema donde habla de su historia, cómo llegó a trabajar para ser un MC de esta cultura, hablando de que cumple su promesa con el rap entregando su alma y voz. También habla de los players y quienes no saben meterse en el juego o lo hacen mal sin conocer la movida, haciendo una clara referencia al hip hop ya que es un término muy utilizado desde siempre, también habla de la traición. Luego llega «Vengo», un track que tiene un beat bastante profundo donde con su voz logra transmitir lo mismo, “uniendo desconocidos conociéndose en el micro”.

El tercer tema es «Fuera de foco», único tema que cuenta con scratches del chileno Dj Skragy que tiene una letra rozando lo romántico donde, El Escriba, habla y admite sus equivocaciones.

Cierra este EP, la canción «No Tiene Precio», que también es el tema más largo en comparación con el resto. Aquí nos habla de cómo la lapicera es su compañera, lo ayuda a conectar y proyectar sus sueños, pensamientos y vivencias. “Siendo fiel a mi barrio, vivo, escribo sobre todo lo ganado y lo perdido.”

Si tenemos que desglosar «Barras Bravas» puedo decir que «Fuera de Foco» es el tema más melódico que encontramos mientras que el resto se apegan muchísimo al sonido del rap más puro y clásico. Se nota un trabajo de gran calidad auditiva, donde El Escriba va fluyendo en los beats con barras bravas, que es algo que lo caracteriza. “Esto más que música me corre por las venas” dice el artista en Vengo y es algo que logra plasmar y transmitir a lo largo de las cuatro canciones que conforman el EP.

En sus 10 años dentro de esta cultura donde ya lanzó 3 álbumes y dos Eps en total, logró superarse a sí mismo cada vez más, logrando un gran recorrido llevando la verdadera esencia del Hip Hop en sus trabajos. Para El Escriba cada barra tiene sentido y coherencia, claramente es un rapero al que debemos prestarle mucha atención en las letras porque tiene muchísimo contenido y cosas para decir.

Recomiendo este Ep muchísimo, no toma más de 11 minutos en total oírlo y la primera vez que yo lo hice me quede automáticamente enganchada terminando por escucharlo más de una vez y cada vez encontrando nuevas frases para destacar. Los beats son buenísimos y el total de esta obra es genial.

Escuchá «Barras Bravas» acá:

¿Cambia la industria de la música con la pandemia?

Por Emiliano Garcia – @emilianojgarcia

El comienzo de la nueva década generó una gran expectativa para la industria musical, con un crecimiento constante los últimos años, debido al alcance de las redes sociales y plataformas para presentar contenidos, varias generaciones de artistas enriqueciendo la escena y una gran masa de público dispuesta a consumir y compartir entre sí el material. Los sellos discográficos, artistas, managers, productores de eventos y festivales, tenían planeado un año perfecto. Durante los primeros dos meses de este 2020 todo marchaba viento en popa para la industria, giras, shows, festivales. Al llegar los picos de contagios de Covid-19 a Europa. Italia y España fueron los primeros países fuertemente afectados donde se comenzaron a tomar medidas de prevención que se fueron replicando en todo el mundo, en un primer momento la cancelación de eventos, fiestas, boliches y todo tipo de actividad que reuniera gente en masa.

Cada gobierno se ha manejado de distinta forma en cuanto a las medidas, pero el denominador común en es el famoso “quédate en casa” y un encierro global. La economía sufre un receso y por lo tanto una caída histórica, en la que se ven afectados sectores de todo tipo. Sectores que no pueden volver a trabajar en el corto plazo, viven con la incertidumbre de quebrar o desaparecer, con todo lo que genera, como la pérdida del trabajo para muchas personas. 

La industria de la música entra un poco en ese dilema. Son miles de personas que dependen del funcionamiento de esta ella para trabajar: artistas, Dj´s, managers, productores de eventos, filmmakers, fotógrafos, sonidistas, solo por mencionar algunos. Dada la situación actual, la industria se ve obligada a cambiar. Para continuar trabajando, debe buscar nuevas formas de producir, de publicar y de generar ingresos. Es cuestión de adaptarse a las nuevas reglas del juego. 

Artistas que se las ingenian con las herramientas que tienen para producir contenido desde su hogar y aprovechar de alguna manera el encierro. Habrá quienes tengan un home-studio bien equipado, y habrá quienes con un solo micro graben voces, para enviarle a un productor y así poder sacar un nuevo tema. El producir desde casa es un desafío y a la vez una necesidad. Desafío justamente por que la situación amerita a crear material con escasos recursos, y una necesidad tanto de continuar haciendo arte, como la necesidad de ganar dinero para vivir. Las producciones autogestivas son cada vez más, debido a la falta de presupuesto, hay que reducir costos. Se puede apreciar en las canciones publicadas en estos últimos meses, muchas sin vídeo simplemente con una placa, videoclips caseros, muchos vídeos “one shot” (a una sola toma) o también algunas animaciones. 

La llegada de las transmisiones en vivo vía online fue hace tiempo, pero ahora parece ser el momento de sacarle el máximo provecho posible. Comienzan a ser diarias las transmisiones en vivo en redes sociales, ya sea una entrevista o haciendo música, cantando, rapeando, improvisando o simplemente hablando e interactuando con la gente, y así encuentran una forma de mantenerse en contacto con el público, a través de sus seguidores.

Muchas plataformas de streaming ofrecen la posibilidad de cobrar entradas para ver shows, lo que parece marcar la tendencia de lo que se viene, buscando una forma de generar ingresos ante la falta de shows con público. 

Las  nuevas tecnologías ofrecen distintas formas de llegar a la audiencia. Una alternativa a las plataformas “tradicionales” fue el evento “Astronomical” de Travis Scott en Fornite. Una experiencia completamente innovadora, mediante un videojuego, en una especie de realidad virtual en la que el artista aparece brindando shows durante tres días para millones de jugadores en todo el mundo. La presentación de una nueva canción, en este evento fue un éxito rotundo. Solo en el primer día, hubo 12 millones de jugadores en línea, y en total calculan cerca de 30 millones. 

Así como parece que la industria de la música ha encontrado el nuevo rumbo a través de las transmisiones en vivo, hay algunas cuestiones no menores a tener en cuenta: el pago de impuestos. Luego de tantos shows y transmisiones, SADAIC emitió un comunicado informando que deberán pagar, dependiendo de la cantidad de espectadores y el valor de la “entrada” o ticket virtual. Esto trae el interrogante si realmente conviene realizar shows, teniendo en cuenta las obligaciones impositivas y gastos de producción. 

Las respuestas de hacia dónde va la industria y como continúa, nadie las tiene, solo algunas señales que parecen marcar el camino, pero ninguna certeza. Entendiendo que los shows y eventos con público es lo último a regresar, o si se da el regreso será recién en 2021 y con capacidad limitada, la variedad de redes sociales y plataformas de stream son el recurso a explotar en este momento histórico, y con el tiempo se irán delimitando las bases y los límites de cómo evolucionará la escena en este contexto. Mientras haya gente dispuesta a consumir y a pagar, el mercado podrá continuar, aunque en menor magnitud a la que estábamos acostumbrados.

El arte siempre ha sido una forma de expresar todo, tanto sentimientos, situaciones de la vida o problemáticas sociales. Todo está sufriendo un cambio y llevará a que sea plasmado en obras de arte. 

   

BRODER, UNA FELIZ REALIDAD.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Sin lugar a dudas 2019 fue un año magnifico para la cultura hip hop. Con sus pros y sus contras el crecimiento de la cultura en el país es indudable, y hoy centrándonos en los pros, vamos a dar una claro ejemplo de que el hip hop en Argentina está listo para seguir dando pasos hacia adelante.

Para aquellxs que no saben todos los años en Estados Unidos, más precisamente en Harlem, Nueva York, se celebra el Hip Hop Film Festival que reúne todas las producciones audiovisuales relacionadas con la cultura Hip Hop a nivel global y Broder, la serie Argentina lanzada por la Tv Publica, el canal Encuentro y la plataforma Cont.ar, ha sido seleccionada para participar de la edición 2020 del mencionado evento. Un motivo más para celebrar el auge de la doble h, con un producto gestado, nacido y criado en nuestro país.

La serie producida por Plata Alta Tv y Canal Encuentro; y producida por Mauro Perez Quinteros no para de cosechar halagos, nominaciones y buenas críticas empujando a los realizadores a porque no, hacer la segunda temporada. La historia cuenta la llegada de dos hermanos que luchan contra los prejuicios de su abuela introduciéndose en las profundidades de la cultura Hip Hop de la mano de Nucleo Aka TintaSucia y todo el Triangulo.

Desde Revista Flow felicitamos a todo el equipo de Broder y te invitamos a ver esta serie si es que aún no lo hiciste. Broder es una realidad, una muestra, una imagen enorme de lo que está pasando en Argentina y desde acá apoyamos muchísimo iniciativas así. No solo es el primer producto televisivo que se estrena en Prime Time de la Tv Publica sino que es la primera serie latinoaméricana íntegramente dedicada a la cultura Hip Hop algo que no es poca cosa.

Podes ver todos los capítulos acá

JAI 314 – EL ROCK ESTÁ MUERTO (2020)

Por Gian Franco Lisanti – @itnasilnaig

En mayo del corriente año vio la luz “El rock está muerto” de Jai 314. El disco transpira laburo, creatividad y compromiso. Las letras cargan con la desilusión, la oscuridad y los dolores de la vida moderna. Una tinta muy oscura corre desde el plug-in al oído y gracias al obituario y la tapa, sabemos que vamos a transitar durante casi cuarenta minutos, los recovecos menos iluminados de la vida de este rapero de zona oeste.

El primer tema es “No puedo salvar a todxs” feat Nils. La voz resplandeciente de Spinetta nos ilumina hasta que la base comienza a sonar. Es realmente una base adictiva, de esas que resuenan hasta cuando no tenes nada en la cabeza, que si la buscas un segundo está… “Hace un año no me afeito, ni me par del sillón, esperando a que haga efecto la puta medicación, esto no era lo planeado, me cago en lo planeado, si miran para otro lado les prometo salvación”. Barras cortas y un flow que te eleva del suelo, te mantiene levitando durante las diez canciones. Nils en los coros profundiza la atmósfera turbia de la letra, la voz y la base, y en el estribillo nos quita de ahí para transportarnos con una voz angelical a ese lugar donde todo está bien, o al menos eso parecería.

Luego, “El rock está muerto” comienza con un sample de contenido bastante ilustrativo: Si das mierda, no esperes otra cosa que mierda en devolución. Y en eso, los primeros diez segundos de base con solo drums, cajas, sin melodía, que aparece con la voz de Jai, mínima pero sustancialmente. Los cambios en la instrumental, muy estructurados, con riffs que entran, salen, se superponen, me hacen acordar a “Seven Nation Army”. Una excelente referencia rockera en este disco de rap que nos anuncia la muerte del rock. La letra de corte pesimista, mezcla reflexiones sobre la sociedad con sus propias sensaciones sobre el contexto, una manera muy efectiva de decirnos lo que opina sin bajar línea.

El interludio, de vuelta, sin teoría, sin discursos, nos deja algo que pensar y llegamos a la cuarta canción. Base que comienza con drums, una voz dulce y un bajo. En cinco segundo se genera el groove que atraviesa toda esta canción, que tiene señales al funk, memorias de Illya Kuryaki y danza asegurada. “Aleluya” junto a Claudia Resnik es, para mi, el hit del disco. Es de esos temas que se tienen que pegar porque son excelentes, porque se lo pasas a todo el mundo, porque lo pones en juntadas y te preguntan quién es, y se goza. La base es adictiva pero esto ya no sorprende en este disco que destila producción musical.

En una línea muy similar, “Falcon verde” retoma todo ese sonido bien negro pero ahora en un ambiente más chill. Vetas de soul que suena y te rompe el corazón, junto a la letra, no solo por el mal de amores sino por todo el laburo instrumental que acompaña de manera excelente todo el ambiente que genera.

“Ya está” es el tema de NN aka Winz feat Jai 314. No, no me equivoqué. Este canción se la roba la rapera con flow, estructura y skills que te vuelan la cabeza. Argumentos de sobra muestra para encargarse de más de la mitad de la canción, y sin la matemática exacta, me arriesgaría a decir que 3/4 son de ella. La base incluye dubstep, hit hats de trap y sonidos souleros reminiscentes de la canción anterior. Es una locura leerlo y admito que no tiene sentido pero escuchandolo van a ver que lo hicieron no solo posible sino también magnifico.

Junto a Legar, “Aeroplane” es el séptimo tema del disco. Un comienzo muy noventoso y una base mínima que es lo necesario para hacer una canción equilibrada, entre lo que se dice, cómo se dice y junto a qué se dice. En el final vuelven a aparecer formas extrañas al rap más duro pero está tan bien hecho, tan bien insertado en el tema y en el disco como obra total, que hace a la genialidad de la producción.

Si, como les dije, el disco emana oscuridad, “Memento mori”, el anteúltimo tema, es la cúspide, el faro sin foco de todo este álbum. Recordá que vas a morir nos dice en latín Jai, con una base sombría, de mucha distorsión, pocos sonidos agudos y un flow permanente, como el constante movimiento de la aguja del reloj.

El anteúltimo tema feat Nils, “Solo encenderlo”, no es ni la excepción a las fusiones en este disco, volviendo los géneros que visitaron en canciones anteriores, ni tampoco al nivel general.

Lopivezinzuerte” es el ultimo tema. Un sonido mucho más chill en contraposición al que predomina en los temas anteriores. Estribillo pegadizo, buen manejo de los skilles que demuestra en todo el disco, dándoles una nueva vuelta y cerrar todo el proyecto de una manera superlativa. Las letras, de todas formas, mantienen esa mirada cansada, triste y resignada hasta el final.

En síntesis, calidad tanto en lo musical como en lo poético. Barras y flow que le dan identidad propia a Jai 314, que dentro de su talento está también la capacidad de dejarle espacio a las numerosas colaboraciones, cada una con lo suyo pero todas con gran nivel. El plan de unir al rap a otros géneros es ejecutado a la perfección en cada base. Este laburo en contenido, forma y fondo hacen que sean temas tanto como para escuchar con atención y auriculares como para disfrutar las bases y el flow con el volumen a mil en los parlantes.

Este es un disco que tiene muchos hits porque cuando se termina la última canción, continúan sonando todas en tu cabeza, y no simplemente por el marketing.

NO HAY REVOLUCIÓN SIN INCLUSIÓN.

Por Lautaro «Lykao» Yanes – @yanes.lykao

Que la cultura Hip Hop forma parte de la agenda social, musical y cultural nacional es un hecho. Para comprender la importancia que fue tomando con él pasar del tiempo en nuestro país basta con ver la lista de las canciones más escuchadas en Spotify Argentina donde por semana al menos 2 temas de rap o trap entran en el top 10, o los distintos festivales que juntan miles de personas fecha tras fecha.

Según Kool Herc, el Dj a quién se le atribuye la creación de esta cultura a mediados de los años 70 en Nueva York, el HH “es un movimiento revolucionario en sí mismo”. El motivo del surgimiento de este radica en la lucha racial que atravesaban los afroamericanos en ese entonces ante una sociedad y un poder político excluyente. Sí traemos estos principios a nuestro espacio y tiempo probablemente la definición no cambiaría demasiado, pero sí los actores, o actrices. Si bien los afroargentinos conforman un colectivo que a lo largo de la historia sufrió la discriminación y la invisibilización, existe un grupo social mucho más numeroso que, a pesar del revuelo que su contienda por una mayor inclusión tomó en los últimos años, no logró (o no lo dejaron) tomar partido en este movimiento social ascendente; las mujeres y los y las artistas trans y no binarios.

Hoy por hoy son muy pocas las mujeres argentinas que triunfan haciendo rap, por lo menos mucho menos que los hombres. Esto, para quienes integran el movimiento y creen que hay aspectos que deberían cambiar, es un problema de base. “El lugar donde el machismo se ve más a flor de piel es en las plazas -primer lugar donde cualquier artista de un género urbano debe “ganarse el nombre” sí espera triunfar de alguna manera– ahí se celebran rimas homofóbicas, gordofobicas y se sexualiza a las mujeres”, asegura La Negra Buggiani, rapera marplatense que reside en La Plata. “Para nosotras es muy normal que en forma de halago nos digan “rapeas como hombre, muy bien” y eso es horrible” agrega Clipper, rapera y graffitera uruguaya instalada en Buenos Aires.

Siguiendo el hilo del planteo de que la exclusión de lo femenino y lo no binario es parte de un problema estructural en el Hip Hop nacional, Lx Kabronx, artista argentina de género no binario, asegura que existe cierta responsabilidad a asumir por parte del público. “Creo que es importante que nos empecemos a cuestionar como
espectadores, rol en el que sin darnos cuenta muchas veces terminamos reproduciendo o siendo cómplices de los mismos actos machistas que tanto cuestionamos”, explica. Clipper sostiene esta idea a partir de una experiencia personal nada agradable: “En una batalla de freestyle -disciplina en la que dos raperos se enfrentan en una pelea argumentativa a base de rimas- llegaron a decirme que iban a meterme un brazo adentro de mis genitales cuando me vieran en el colectivo y más de 200 personas festejaron la frase”, confiesa.

Debido al auge que atravesó en los últimos años, el movimiento feminista ha sabido irrumpir en los rincones más conservadores y retrógrados de nuestra sociedad y por ende también lo hizo en el Hip Hop. “Últimamente por suerte se habla bastante de la inclusión de la mujer en la cultura” asegura Clipper. Un ejemplo de esto es la declaración de Brasita rapera porteña que afirma que “cada vez son más los organizadores de eventos que se auto-exigen, ya sea por presión social o determinación propia, la presencia de artistas mujeres en sus shows”. Sin embargo, esta es una actitud que genera discrepancia en algunos sectores de la cultura “no soy partícipe de que te llamen a tocar o a hacer algo solo por ser mujer y llenar ese cupo”, declara la artista uruguaya mencionada anteriormente.

Existen iniciativas como La Liga Feminista de Freestyle y eventos con esta temática relacionados al rap, graffiti y breakdance, donde solo se aceptan artistas mujeres, que intentan impulsar al movimiento hacia una realidad más inclusiva. Sin embargo, hay quienes creen que muchas veces esto termina siendo una traba para las artistas. “Por un lado estas fechas sirven para visibilizar a la mujeres, pero llevarlos a cabo en forma masiva genera que se siga haciendo diferencia entre hombres y mujeres, por lo cual termina siendo contraproducente.” explica Kreiluz, rapera de Posadas, Misiones.

En definitiva, el Hip Hop, al igual que la marea verde, se sigue abriendo camino en la coyuntura social argentina y así se mantendrá por, probablemente, mucho tiempo más. De lo que va a depender el desarrollo del movimiento en territorio nacional va a ser de la aceptación que obtenga en la población, sobre todo en los jóvenes. Sin dudas la inclusión y la diversidad son un camino a este objetivo, el cual de a poco se está logrando, pero aún le queda un largo camino por recorrer.

EMCIKRE – PANGEA (2020)

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Hace un par de meses largos ya, mi teléfono vibró con una notificación de Instagram. El mensaje provenía de una de las bandas que mas me mueve el piso cuando suena, El Mundo de Cien Kilometros a la Redonda, Emcikre, quienes me comunicaban la inminente llegada de «Pangea» su próximo álbum, el segundo de su historia. Todavía recuerdo el impacto que tuve al escuchar su primer disco, «El Mundo de Cien Kilómetros a la Redonda». Desde ese instante percibí esa frescura entre rap jovial y sonidos clásicos. Una perfecta combineta que llamo mi atención desde el segundo uno.

Hoy me despierto con la noticia de que Pangea, el disco del que vamos a hablar en esta reseña, ya vio la luz en formato de «lista de reproducción para YouTube». Si su primer disco es muy bueno, este es excelente. Es un todo, un concepto que te va llevando a lo largo de 12 tracks. Pangea fue el supercontinente de la era Paleozoica que agrupaba la mayor cantidad de tierras emergidas del planeta. Y en este caso Pangea es un enorme trabajo de la banda oriunda de San Martín, Provincia de Buenos Aires.

La primera recomendación que debo hacerte es que para escuchar Emcikre tenes que abrir los oídos y la cabeza. No basta con solo escuchar, porque no son tan solo buenas barras acompañadas por unas instrumentales de la hostia. Demak y Markus tienen las ideas claras, las exponen, las plasman en esas líricas que decoran de una manera sutil y voraz, las pistas bien laburadas de Darchuan y Dj Cosecha.

Si entramos de lleno en Pangea, es para aplaudir la gráfica del disco. La misma esta realizada por Darchuan y contó con la participación de varios artistas que dejaron sus bocetos para formar parte de la portada. En tonos blancos y negros y resaltando «Emcikre» en todos los tipos de tags posibles, Pangea es una bomba de rap. Desde la cajita, la tapa, la gráfica y los colores, ver la tapa es viajar al Nueva York de los 70/80`.

Si pasamos al disco, es de por si destacable el orden de los temas. No están puestos porque sí, sino que tiene un fin, un concepto, como todo gran trabajo discográfico. Emcikre se destaca por el laburo, por la garra y el corazón para seguir adelante ante cualquier dificultad que se presenta. El primer tema, ese que rompe el hielo se llama «Cien» y contiene un sample de Vox Dei que le da una presencia imponente. «Cien» es un relato a la banda, un autoregalo para dejar en claro que es Emcikre y cual es su razón de ser.

Luego de esta apertura con personalidad, llega «Donde vaya», sonido clásico, unos scratchs y un paseo por San Martín. El típico tema para que suene en tu auricular donde sea que vayas. Pegadito a «Donde Vaya» llega «Haciendo Esto» uno de los mejores temas de Pangea y que tiene esa base que te hace mover aunque no quieras. «No existen ataduras si hay ganas de escribir, lo importante es fluir, acapella o en el beat» dice Markus. Lo que destaca a estos pibes de San Martín es el sacrificio con esa cuota de amor por el buen rap, por la cultura.

Y el sacrificio ve la luz en el siguiente tema que es «Constancia» un manifiesto de poco menos de 2 minutos, con un sonido claro consistente, «Hay que sentirse alegre, déjalo que celebre, logre sentirse libre para que el flow despegue…» certifican Markus y Demak. El disco no para, es una metralleta de barras, de mensajes y de rap. Ese rap underground que emerge desde el conurbano y que hace que el Hip Hop argentino se llene de esencia. Al toque de terminar «Constancia» arranca «Allá Volando» que sigue con la temática del bombo y la caja predominante. Un sonido clásico de los más noventas del disco. «… que siempre te compara quien mejor, quien peor, quien ganador, quien perdedor, quien se queda afuera, pero esa no es la manera, de convivir no es la manera…» dice el Demak y la pucha si tiene razón. «Allá volando no bajo nunca…». A mi entender, el tema que le sigue parte el disco a la mitad. «El Don» es un manifiesto de apenitas más de un minuto, una especie de freestyle de Markus, hablando «ni campeón, ni copión, solo por pasión, es acción, envión fuerza y corazón, estilo que le pega en la pera al caretón», dice para terminar con un «… larga vida a la amistad y que viva el bombo clap». Perfecto.

Como dije para mi «El Don» es el track que parte a la mitad del disco y que nos introduce en un estupendo viaje como lo es «Solo Quiero», uno de los puntos más altos del disco. Un teclado que te invita a volar y un Demak que te bombardea de rimas, transforman este tema en un himno de lucha y amor por el rap. En la segunda parte, las barras de Markus, te terminan de trasladar a un mundo donde el bombo y la caja mandan y el Hip Hop es la panacea. Pangea tiene eso, a lo largo de los 12 tracks paseas sin rumbo ni horario por San Martín y te das una vuelta por los senderos más musicales de estos 4 guerreros del Hip Hop que no paran de transpirar la camiseta por el proyecto.

Si «Solo Quiero» es un gran tema, «Todo eso fue así», el que le sigue, es un Hit. Una base impresionante, narcótica. Y esas barras que podríamos compartir todo el día. Si hay algo que tiene Emcikre es buena lírica. Un sonido fresco y no a la vez que combinan a la perfección con el estilo de los dos Mc´s. «Ahora me vienen con ideas locas, quieren convencerme que la onda es otra (skere), esperan que cambie, por dios se equivocan, solo buen Hip Hop saldrá de mi boca… no busco joder, por favor no me jodan…» Y hay muchos que piensan que los punchlines se dan solo en esas famosas batallitas de gallos. Si eso es cierto Emcikre ganó por Knock Out antes de empezar la pelea. «Todo eso fue así» es brillante y casi por decantación te transporta hasta «Si me voy por ahí» una belleza de canción que no da ganas de que el disco termine jamás. Ojo, así como digo una cosa digo la otra y en mi opinión, Pangea es un disco para escuchar más de una vez, un disco para analizar y compartir sin ninguna duda. Una instrumental distinta, lenta, con un punteo de guitarra decorando un ritmo de reggae que te invita a bailar agitando a pleno.

Así como «El Don» separa el disco, «Comensal» es la puerta de entrada al desenlace del mismo. Demak parte una base moderna con tintes de trap y un sonido amplificado. Tranquilamente podría ser el sonido de un vídeo juego, «…pensamiento es la fuente de vitalidad, no me agache la frente ante la autoridad… no sigo la miga del pan chico, pre predico libertad» reza Demak y cierra con un brutal «… buscando el sueño no material» algo que describe la esencia de este cuarteto de San Martín. «Comensal» nos deposita de lleno y al momento de escribir esto, me pongo de pie, en el mejor tema del disco para quien les escribe. «Máximo Respeto», una bomba molotov de dos minutos y pico, con unos scratchs de Dj Cosecha y Dj Darcho que elevan el beat de Elbeats. «Máximo Respeto» es EL tema de Pangea, es un manifiesto, una clara muestra de valores, de ideas y conceptos. Los ideales de Markus, Demak y todo Emcikre están puestos acá. Es un track de los más raperos que escuche en la historia y a modo personal recomiendo prestarle mucha, muchísima atención. En tiempos de música de plástico Emcikre se pone la camiseta de la lucha por no perder la esencia.

Creo que no había mejor manera de finalizar un disco que con un tema como «Trenes». Un homenaje al graffiti con una base tremendamente noventera, que te transporta. «Trenes» es un viaje, una dedicación a los graffiteros, un tema que hace culto a este elemento tan fundamental de la cultura Hip Hop. El beat es de Cosecha y es una joya del segundo 1 al final. Demak y Markus se desenvuelven de manera perfecta tirando barras que lxs graffiterxs van a amar. «Trenes» te deja con ganas de más y eso está bien, termina tan arriba este disco que no entendes como ese es el final y te quedas esperando la siguiente bomba. Bueno para eso abra que esperar, porque hasta acá llega Pangea, este discazo Made In San Martín.

Fue un proyecto largo y adaptado a estas épocas. Los temas vienen sonando y los podes disfrutar desde enero del 2019 cuando se estreno «El Don». Todos los tracks fueron saliendo de a poco, algunos con vídeos, otros solos, pero Emcikre trajo la modernidad para presentar un material imperdible. Pangea es un todo, un rejunte de ese arduo trabajo que arranco hace más de un año y medio y que culmina con el armado final de esta lista para disfrutar de un buen rap por casi 30 minutos. Un material que sin lugar a dudas sigue poniendo en alza el rap argentino y que demuestra que el rap del bueno se encuentra en el underground, ahí, lejos de los flashes, los vips y más cerca del barrio, de los amigos, más próximo al Hip Hop.

Pangea es un hermoso periplo por el rap, por San Martín, por la cultura y el respeto por la música. Lo dije, pero lo quiero afirmar: Este disco debe escucharse, si es posible más de una vez y al que se le debe prestar atención . Un gran laburo que afirma el presente de una de las bandas más raperas del país.

Escuchalo acá:

«LA IDEA ES MANTENER VIVA Y UNIDA LA CULTURA».

Por Juan Ignacio Guzmán Dotto – @juanguzmandotto

Matias Tejeda tiene 22 años, nació en Tierra del Fuego y ahora vive en La Plata, donde estudia el profesorado de Educación Inicial. Pero es más conocido por su apodo Baskito. Un beatmaker el cual tiene una gran producción de beats, entre la cual hay 2 discos de hip hop instrumental. En enero lanzó su tercer beat tape Quiet Process; quien tuvo el logro de llegar al medio millón de reproducciones en Spotify. Desde Revista Flow tuvimos la oportunidad de charlar un poco sobre ese disco, su música y proyectos futuros que está craneando.

¿Cuándo empezaste a producir?

Empecé a producir hace 5 años mas o menos, al principio en Fl Studio y luego de dos años me pase a Ableton, porque me gustaba la interfaz, las herramientas de ese daw y además me parece muy completo e intuitivo.

¿Cuáles son tus influencias musicales?

Mis influencias vienen desde jazz, soul, rnb, funk, beatmusic, desde lo más antiguo hasta lo mas actual, soy de escuchar mucha música, y también me gusta lo nacional, e Internacional del rock, música melódica, flamenco, etc.

¿Qué usas para producir?

Para producir utilizo solo mi Akai Apc20 para la construcción del track, luego una vez terminado eso, solo con mouse, teclado y oído empiezo a pulir todos los detalles de cada sonido en el proyecto, pero estoy con ganas de sumar maquinas análogas a mi setup.

Noto una diferencia entre tus dos primeros tapes. En el primero, lo veo tirando mas para un lado electrónico y experimental. En el segundo ya es más lofi hip hop ¿Qué diferencias sentís de este con respecto a tu último tape “Quiet Process”?

Mis primeras producciones estaban muy arraigadas a mis influencias más electrónicas de ese momento, con respecto al footwork, modular music, etc. siempre siguiendo el camino del Hip Hop pero también manteniendo esa parte ambiental, armoniosa, y reflexiva que caracteriza a mis producciones. En el segundo tape ya mi sonido se encuentra más sólido, mis producciones también, el mensaje es claro, creo que mi último material fue la consecuencia de varios años de búsqueda, la ansiedad de querer decir algo, y sabiendo como hacer para lograr dar ese mensaje.

Me dijiste que te tomó un año y medio hacer este disco. En tu instagram decís que este disco es la “convivencia entre la tranquilidad y el caos” como algo que te define constantemente ¿Podes ahondar un poco en ello?

El disco tomó muchas formas, tuvo muchos nombres, un solo track sobrevivió de los primeros que estaban incluidos, ya que durante ese tiempo fui encontrando el camino correcto de lo que quería decir y de cómo hacerlo. Considero que cuando vas a hacer un álbum, tiene que tener un concepto muy sólido, y se debe trabajar arduamente en traducir eso a lo sonoro, y ya que no es nada fácil, mejor tomarse su tiempo. La convivencia entre la tranquilidad y el caos, tiene que ver con mis vivencias personales durante ese tiempo, y gran parte de mi vida, lo que logre ganar en medio de esa dualidad, que si bien algunos la vemos con mucha lejanía, es algo con lo que convivimos cotidianamente, es una aventura encontrar ese equilibrio con uno mismo cuando predominan esas dos cosas, y lo que logré fue traducir la necesidad que sentía de encontrar un momento para introspección, para reflexión, en este ultimo tape, donde tiene un mensaje profundo sobre esa búsqueda y creo que te invita a estar inmerso en ese mensaje durante esa media hora. También lo cree pensando en mis deseos de que sea un álbum para cualquier freestyler, un mismo álbum para todos los que les gustan las rimas, y obtuve muchas buenas críticas con respecto a eso. Así que estoy contento con todo mi trabajo. El arte de tapa le corresponde a SPENCER ©️ (@trill.spenz) a quien admiro mucho, es un diseñador y también productor con el trabajamos en conjunto en muchos proyectos que verán la luz muy pronto.

Estás trabajando en otro tape que va a ser para un sello de Europa y otro en paralelo ¿Qué podes adelantarnos sobre esto?

El próximo tape va a salir bajo un sello de Alemania llamado Dezi-Belle Records, se va a llamar “BIG MOOD” y estoy muy feliz porque no solo va a ser lanzado en formato digital sino también en Vinilo, la tapa también le pertenece a SPENCER ©️ (@trill.spenz) y no tiene una fecha de lanzamiento todavía pero ya esta todo en marcha, así que seguro muy pronto. En cuanto al otro tape que vengo trabajando, esta vez es en conjunto con otro productor muy bueno a quien admiro también como persona, y nada, estamos trabajando mucho en eso, así que estén atentos a mis redes que siempre comunico todos los releases que se vienen.

También organizas “bit tapes” un ciclo de hip hop con otros beatmakers en La Plata. ¿Cómo ves a la movida beatmaker ahí y cuales son tus planes a futuro para este ciclo?

Bit Tapes (@bit.tapes) es un ciclo de HipHop que funcionaba en California Bar (@californiabar.lp) pero durante la cuarentena lamentablemente como le a pasado a otros bares, este tambien cerro, así que estamos en busca de propuestas para llevar esto a cabo. Mi equipo de trabajo está conformado por Extreinsh (@extreinsh), Simon (si.monnnn), Spencer (@trill.spenz) y Nicolás Gianelli (@nicolasgianelli) e intentamos generar un espacio, un lugar de encuentro para beatmakers, artistas del rap, y bboys, donde se puedan participar en cada edición, y tanto el público como los artistas, nos conozcamos y disfrutemos de ese lugar. La movida beatmaker en La Plata es algo que le falta mas visibilidad pero estamos trabajando para que eso cambie, hay mucho talento no solamente en La Plata, Buenos Aires, si no también en toda la Argentina. Con nuestros amigos de Bit Master (@bit_master) pensábamos en hacer algo en conjunto antes de la pandemia, creemos que las conexiones hacen que todo sea más fluido y se llegue a buen puerto. Para un futuro con Bit Tapes esperamos que muchos lugares nos abran las puertas para poder llevar nuestro trabajo a más personas, que se acerquen nuevos artistas, beatmakers, bboys, y que esto se replique en muchos asi podemos volver con todo al ciclo. La idea es mantener viva y unida a la cultura.

Otro proyecto que me dijiste es que para el próximo disco es que te interesaría hacer un vídeo documental como Dano, pero no hablado, solo con imágenes. ¿Ya empezaste a trabajar en esto?

Mi próximo tape “BIG MOOD”, es un tanto callejero, bastante classic, se vuelve un tanto agresivo con respecto al sonido, pero siempre manteniendo las texturas lofi que me representan, también hay mucho groove, mucha armonía de jazz, flips de samples muy trabajados, y cosas que me inspiraron luego a querer hacer un vídeo documental del álbum, me gusto mucho la . Van a participar animadores digitales también, va a ser un trabajo visual muy grande y muy importante para mi. Para enterarse de todo esto, pueden seguirme en mi instagram (@baskitoprod) o pueden entrar a https://www.fanlink.to/baskitoprod donde pueden entrar a cualquier plataforma para escuchar y comprar mi música. También les dejo otros artistas con los que nos solo estamos trabajando en varios proyectos, si no que también me encanta su música: @extreinsh / @octavioaga / @con.fusion_ / @insanosuc / @kaizen.92 / @keth_prod / @monowario / @lasarte.ksp / @clima.shinen / @gvbitou / @gianydorazio / @ignaciolopez.lileme

SIAK – MANDALE (2020)

Por Juan Ignacio Guzman Dotto – @juanguzmandotto

“Te invito a prender fuego, a caminar mi suelo / a ver el pasado, lo bueno y lo malo y si no es demasiado vamos a cambiar el juego” así arranca Juan Amarita aka Siak su primer disco solista “Mandale”. Siak forma parte de Iluminate Crew, formada en el 2005, integrada por Manuel Delgado aka Manuu Thin (productor y MC), Gabriel Homsi (MC), Mariano Sora (músico), Robsteady (DJ)  y Pablo Marrone aka Dsg (VJ) quienes tienen el mérito de haber publicado 5 discos y trabajado con artistas conocidos de otros géneros como el Pity Alvarez, Andres Gimenez, Los Cafres, etc.

El grupo está ligado mucho a la escena de reggae nacional. Y ya esto se puede notar en la tapa de este disco (Hecha por Vj Dsg), con una estética similar a la de esos géneros jamaiquinos.

Este trabajo presenta 11 composiciones que cuentan con la participación de varios beatmakers, productores y raperos y fue grabado y mezclado durante 2018 y 2019 en Confesionario Rap Estudio por Manuu Thin.

Mandale es una mezcla de jazz y boom bap, en los cuales se le agregan otros géneros en canciones particulares. La mayoría de la música está hecha por miembros de la crew (Manuu Thin y Mariano Sora)

Lo que comparten la mayoría de los tracks es que suelen haber samples de pianos jazzeros, con algunos sintes y guitarras (en algunos es difícil distinguir si es un sampleo o un instrumento grabado posta). acompañadas por batas y fxs bien de los 90s.

Todo eso hace que el disco tenga una sonoridad muy variada: Por ejemplo “Intro” y “Café” comparten un sonido más electrónico, donde priman los sintes creando atmosféricos. Después hay cosas que suenan como A Tribe Called Quest, con tracks como “Algo distinto” y “Sueña”. Y otros tirando a un boom bap más clásico con “Cash” y “Mandale”

Las letras de Siak nos dan para pensar. Por mencionar algunas: “Libre” es una reflexión sobre el tiempo, la libertad, las circunstancias y la sociedad capitalista. Cerrando con un audio de un discurso de Pepe Mujica. “Café” es un golpe de realidad: Habla sobre la autenticidad en la escena y de la vida del día a día, donde el rapero viene a despertarnos con esta canción, como si se tratara justamente de un café amargo. “Pie izquierdo” retrata la transformación de una persona que es llevada al cinismo por la realidad cotidiana. Siak es consciente de ello y utiliza ese pensamiento para contraatacar: actuar en consecuencia para mejorar.

“Quien sos?” es uno de los temas que más diferente suena del resto. Tal vez porque tiene un sample latino y una onda trapera, sumado a que se rapea a doble tiempo. Y habla de la reivindicación del yo.

“Cash” es otra canción que destaca por su sonoridad: Es un boom bap clásico, con un sample de cuerdas pero con un rap violento y vocalizaciones de reggae que manifiesta la sobre importancia del dinero y el consumismo.

Un gran disco de un gran artista que lanza su carrera solista con un trabajo más que solido. Poquito mas de media hora de buen sonido, buenas barras y una compañía musical más que destacable. Si estas con tiempo, dale play a Mandale y disfruta del buen rap de Siak.

 

Escucha Mandale acá:

 

FARIAZ & DOMABEATS: «BOOMBAPERZ» (2020)

Por Gian Franco Lisanti – @itnasilnaig

El álbum homónimo al dúo Boombaperz, Fariaz y Domabeats apareció en YouTube el 9 de abril de este año. Mientras escribo, suenan,  y veo que ya cuentan 215 vistas, casi en un mes. Si tengo que ser sincero, son pocas reproducciones. En la época en la que se valoran los likes, las reproducciones, tiene sentido este número bajo cuando vemos que juntos no suman mil followers entre sus dos usuarios de instagram y en @boombaperz, hay sólo 131 personas atentas al contenido. Casi que me siento caer en esa tendencia del Hip Hop, que predomina la imagen en redes sociales antes que la música en sí, si no fuese por el tono de lamento que tiene toda esta reflexión. Boombaperz es un tremendo álbum, con laburos en consola, en las letras y en los arreglos que no te dejan de cebar ni a la décima reproducción.

Su mismo nombre lo indica, las bases ya sabemos por dónde van a ir. Al apretar play por prim era vez uno piensa que no puede haber mucho que me sorprenda .“Eh loco, estos chicos quieren saber como se rima, vamos a enseñarle lo que es un buen beat y unas buenas rimas”, nos dice Fariaz y entra a la cancha como Riquelme entraba a La Bombonera, como Gallardo entra al Monumental. Nos tira historia, nos tira jerga y nos tira, como el nombre de la canción bien lo indica, skill a lo loco. Resuena en “Skillin” también una crítica a toda la generación reciente del rap/trap, acotando con la clase que sólo pueden tener unxs pocxs. En esta canción podemos escuchar unos cortes de Dj Tedos  y unos samples de My Name Is que hacen que volvamos a los ´90 en un segundo.

En continuidad con la base anterior, la de “Los nuevos 90’s” no es menos excelente. Entra Phoenix Flame  rapeando en inglés, y la realidad es que no entiendo nada, pero ceba. Dj Tedos vuelve con scratches y le da el pie a Fariaz, que de vuelta llega y rompe todo. Sí hay algo para destacar del disco en su totalidad, es la capacidad para meter skill en cada línea y esto sin disminuir la calidad de lo dicho. Forma y contenido son armonizadas a la perfección, y permanece aún después de la tercer parte de la canción, a cargo del Ortega Dogo, cuyo flow sobresale y deja el final de la canción bien arriba

“Boombaperz”, la tercer canción del álbum, no rompe ni con los altos niveles de letras ni con las bases que te mantienen ahí moviéndote, puro boombap clásico. Cambia la temática, dedicándoles un tema a sus mayores influencias, pasando por todo aspecto que se puede tener en cuenta a la hora de construir el propio estilo, sin caer en la ingenuidad de genios que salen en la nada, o puros innovadores. Como nadie nace sabiendo, todxs tenemos gente de la que constantemente intentamos aprender, y Fariaz lo deja en claro, y les aseguro que si alguna de las personas que menciona en esta canción la escuchara, se cebaría. Por eso, si estás buscando qué escuchar, “Boombaperz” es una de esas canciones que te tiran uno tras de otro hitos ineludibles en la historia, no sólo del rap, sino del hip hop. Los scratches que suenan son, por tercera y última vez en este álbum, de Dj Tedos.

Así como a las influencias artísticas, en la canción siguiente le habla a todas aquellas personas que lo ayudaron en su recorrido de vida y en el hip hop. “Va dedicado” tiene un laburo lírico que no le cabe ninguna palabra menor a hermoso y por eso me gustaría rescatar unas barras del estribillo para que lo vean: «this is dedicated… al que respeto sí respeta y es con quien comparto metas». Doma no baja el nivel en ningún track pero a mi gusto, en este tema es donde más desapercibido pasa, con bajos leves y predominancia de lo melódico.

En quinto lugar, algunos dirán -y pobres de ellos- que es apología a la droga. Mi humilde opinión es que “Perra” es una oda a la marihuana. Fariaz escribe como si estuviera hablándole a una novia, de esas que ves y no podés creer, que lo físico te fascina y se mezcla con todas las emociones que además tenés, generando un cóctel indescriptible. Debo decirles que toda la letra te propone un juego como de adivinanza, sin decirte hasta la última línea quién es esa figura femenina a la que le habla, y yo ya se los dije, pero les aseguro que la gracia de la canción no desaparece.

Los últimos dos tracks son ex-ce-len-tes. “Paciencia y saliva”, la ante última canción, tiene skill, tiene flow, tiene barras que son lingotes de oro, un estribillo que se te pega y nos deja un mensaje que permanece a lo largo de todo el disco, mas esta vez no les voy a adelantar. El disco cierra con “Ruleta rusa”, un feat con Libarom, en donde los aprendizajes que Fari nos viene tirando a lo largo del disco se condensan con acotes y lo que, opino, es el mejor beat del disco, el les recomiendo que lo escuchen con auriculares porque los bajos son de otro planeta. La intervención de Libarom no pasa desapercibida y eleva el nivel de la canción.

En síntesis, el disco es sobresaliente. A mi gusto, algunos tracks se destacan más que otros pero es completamente normal que suceda en un full álbum. Siempre que vemos que unx artista decide sacar un álbum y no un EP o singles, vemos personas que laburaron meses con muchísimo constancia, porque, si hace falta recordarlo, la industria musical actual es cortoplacista, vive de éxitos, modas, mientras que gente, aquellas personas de verdad interesadas en la cultura, permanece y mantiene al Hip Hop a lo largo del tiempo. Ir a escucharlos, darles follow y demostrarles que tienen un público que queremos seguir escuchándolos no es caer en la dinámica de los virales, es darles respeto a esxs que perduran a pesar de no tener lo que verdaderamente merecen, porque son ellxs lxs que trascienden más allá de firmas y contratos.