TRUENO Y LA VERDAD IRREFUTABLE.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Lunes por la madrugada decían Los Abuelos de la Nada… bueno es lunes pero no es la madrugada para que voy a mentir. Arranca una semana movida, muchos discos están saliendo y esta cuarentena no le puso stop a esos trabajos, motivo para festejar ya que ¿A quién no le gusta escuchar discos nuevos constantemente?. Si bien hoy no voy a hablar de un disco en sí mismo, me parece más que interesante esta columna de opinión, porque trata de lo que la salida de un disco y la declaración de su protagonista generaron entre los amantes del rap y de la música en general.

La semana pasada, Mateo Palacios, conocido por todxs como Trueno, editó su primer trabajo discográfico titulado «Atrevido», dicho material consta de 10 canciones que varían desde el trap hasta el pop, pasando por el reggaeton. La salida de este laburo generó muchas expectativas y automáticamente se convirtió en lo más escuchado por estos días. En este contexto y con una claridad asombrosa pese a sus 18 años, Trueno dijo que «Te guste o no te guste, somos el nuevo Rock and Roll» y muchxs le saltaron al cuello. Ahora bien, pensemos fríamente, analicemos este titular que encontré por las redes. Si fue o no sacado de contexto ahora mismo no importa demasiado, tampoco importan las demás declaraciones. Me quiero centrar en este titular para que entiendan lo que en esta columna intento decir.

Automáticamente, el debate se generó y entre «haters» y «no haters», entre rockeros y raperos, entre amantes de la música en sí, se creo una especie de batalla virtual desnudando opiniones y razones. Para empezar y cortar de raíz uno de esos argumentos que he leído: Trueno no se comparó con un rockero, no dijo somos mejores que fulano de tal o estamos haciendo mejor las cosas que tales personas. Este artista oriundo de La Boca dejo en claro algo que muchos piensan, el rock está muerto hace tiempo. Cuando Trueno dice hoy somos el rock and roll se refiere a eso que el rock fue perdiendo y que el trap o este género urbano fue ganando. Para mi el disco de Trueno no es rap, para MI. Ahora bien ¿está meando fuera del tarro Trueno al decir esto?. Y la verdad no. Hoy quienes mueven a las masas, quienes exhiben esa rebeldía extrema son lxs pibes que hacen este tipo de música, que repito puede gustarte o no gustarte.

Aquellxs que son rockeros de antaño y que deliraban con Luca, con el Flaco, Charly, Cerati hoy tienen que saber que la antorcha del rock en Argentina la lleva La Berisso y con eso amigxs, les estoy diciendo todo. El rock era rebelde, era nadar contra la corriente envuelto en un estilo y siendo representado por monstruos a nivel musical. Hoy no son monstruos, son oficinistas sin alma que hacen música para aquellos que con la napia pegada a la ventana ven el recuerdo de la era dorada alejarse cada minuto un poco más. Hoy en día esa rebeldía, ese sentido de pertenencia lo generan artistas como Trueno, como Wos y todxs estxs pibxs que hacen la música que les gusta, con gente amiga y que (vuelvo a repetir) te guste o no, es la que manda en los famosos rankings.

Como saben, en mis columnas suelo decir que para mi el trap no es parte del hh y que personalmente no me gusta nada. Es cierto y eso no cambia, de hecho el disco de Trueno me parece impresionante a nivel producción pero no volvería a escucharlo, porque no es música de mi agrado. Pero aquellxs que lo hayan escuchado como yo, podrán afirmar que suena mucho mejor y es mucho mejor disco que varios  de rock que han salido últimamente. Una cosa no quita la otra.

¿La camada trapera de ahora puede compararse con la era dorada del rock?… y sí, claro que sí porque no. Hay millones y millones de personas en el mundo, música para todos los gustos. De echo también existen algunxs que dicen «la música me da lo mismo», hasta para esos extraterrestres debe haber algo por ahí. Les guste o no, estxs pibes están viviendo y marcando su era. Nadie les regalo nada, trabajan y saben moverse en su mundo que hoy es el virtual, ahí juegan de local y estés o no de acuerdo hoy las redes y los streamings son parte de la normalidad, si vos estás afuera no es problema de Trueno. Lo que el dijo se centra en esto, ellxs hoy generan lo que el rock generaba hace años. Todxs queríamos ser Luca o el Flaco, hoy lxs pibxs quieren ser Wos, Trueno, Cazzu y ese es el más fiel reflejo de las declaraciones de un artista que tiene 18 años y muchísimo camino aún para seguir conquistando el mundo.

Debatir es algo hermoso, siempre con respeto y un argumento lógico. Trueno dijo la verdad, dijo lo que está pasando y lo que muchxs pensamos. El rock está muerto y de ser rebelde paso a ser pasatista y disoluble. El rock hoy es La Berisso y si eso es rock, yo al menos, voy a cruzar de vereda.

EL ESCRIBA – BARRAS BRAVAS (2020)

Por Luana Iroz – @lxulitta

A mitad del mes de junio El Escriba a.k.a Quemero, rapero oriundo de Buenos Aires que reside actualmente en el sur de Argentina, presentó su último trabajo el cual se titula “Barras Bravas”. El mismo data de un EP y contiene cuatro temas.

Este material cuenta con la participación de Facking Shisus (Jesús Sarroco) en la realización de los gráficos y visuales, también los beats, mezcla y mastering en tres tracks: 10 Años, Fuera de Foco y No Tiene Precio, el segundo tema nombrado también cuenta con la colaboración de Dj Skrag quien realizó los scratchs, mientras que Vengo, el segundo tema en el orden que se subió cuenta con un beat de Ninio. El Escriba cuenta que estas obras fueron realizadas en el lapso de cuatro meses, entre febrero y junio de 2020, donde estuvimos viviendo en aislamiento social la mayor parte de este tiempo debido a la pandemia actual.

«10 años» es un tema donde habla de su historia, cómo llegó a trabajar para ser un MC de esta cultura, hablando de que cumple su promesa con el rap entregando su alma y voz. También habla de los players y quienes no saben meterse en el juego o lo hacen mal sin conocer la movida, haciendo una clara referencia al hip hop ya que es un término muy utilizado desde siempre, también habla de la traición. Luego llega «Vengo», un track que tiene un beat bastante profundo donde con su voz logra transmitir lo mismo, “uniendo desconocidos conociéndose en el micro”.

El tercer tema es «Fuera de foco», único tema que cuenta con scratches del chileno Dj Skragy que tiene una letra rozando lo romántico donde, El Escriba, habla y admite sus equivocaciones.

Cierra este EP, la canción «No Tiene Precio», que también es el tema más largo en comparación con el resto. Aquí nos habla de cómo la lapicera es su compañera, lo ayuda a conectar y proyectar sus sueños, pensamientos y vivencias. “Siendo fiel a mi barrio, vivo, escribo sobre todo lo ganado y lo perdido.”

Si tenemos que desglosar «Barras Bravas» puedo decir que «Fuera de Foco» es el tema más melódico que encontramos mientras que el resto se apegan muchísimo al sonido del rap más puro y clásico. Se nota un trabajo de gran calidad auditiva, donde El Escriba va fluyendo en los beats con barras bravas, que es algo que lo caracteriza. “Esto más que música me corre por las venas” dice el artista en Vengo y es algo que logra plasmar y transmitir a lo largo de las cuatro canciones que conforman el EP.

En sus 10 años dentro de esta cultura donde ya lanzó 3 álbumes y dos Eps en total, logró superarse a sí mismo cada vez más, logrando un gran recorrido llevando la verdadera esencia del Hip Hop en sus trabajos. Para El Escriba cada barra tiene sentido y coherencia, claramente es un rapero al que debemos prestarle mucha atención en las letras porque tiene muchísimo contenido y cosas para decir.

Recomiendo este Ep muchísimo, no toma más de 11 minutos en total oírlo y la primera vez que yo lo hice me quede automáticamente enganchada terminando por escucharlo más de una vez y cada vez encontrando nuevas frases para destacar. Los beats son buenísimos y el total de esta obra es genial.

Escuchá «Barras Bravas» acá:

#OTROMAMBO: LOS SUCESORES DE LA BESTIA

Por Javier «Chavo» Ruiz – @chavo.ruiz

A mediados de los 2000 iba a ver muy seguido a una banda llamada Cielo Razzo, que con el tiempo gano mas reconocimiento en la escena rockera argenta. Tenían una particularidad, casi siempre en sus shows que realizaban en Buenos. Airess., los teloneaban bandas de Rosario, su ciudad natal. En uno de esos conciertos se abrió el telón y salió una banda distinta, que quizás en otros tiempos de menos tolerancia hubieran recibido chiflidos, ya que el público en otras décadas era bastante más cerrado a cosas innovadoras, y lo que no entendía lo rechazaba. Me llamó la atención porque el cantante, de vestimenta muy pop, tenía al lado del pie de su micrófono unos sintetizadores, usaba talkbox y desde el primer tema que tocaron se fueron ganando al público con actitud, funk y fundamentalmente buenas canciones…

Cuando termino el show fui al puestito tradicional de merchandising y me compre dos Cds…

Los Sucesores de la Bestia es una banda que nació en el año 1996 en la ciudad de Rosario. Tienen 6 discos editados a lo largo de su carrera. El primero se llama Exotiquë del 2000. Un disco muy experimental donde la banda camina por varios géneros, como el funk, el pop, rock y un poco de rap hardcore. Sin lugar a dudas la banda estaba en ese momento de una búsqueda musical y en el camino iban navegando por los géneros que los influenciaban. El próximo hit del verano (2003) y Fantástico Bailable (2005) tienen algunos temas en común y la banda empieza a encontrar su estilo de un funk futurista, con un cantante (Dani Pérez) muy versátil que le brindaba a la banda, transitar por varios climas en una canción. Editan su primer vídeo «Pump up the jam», un cover de Technotronic en clave nu metal, donde demuestran que son una banda que puede tocar en una fiesta funk en un boliche de moda y pasar a un recital de hardcore en Cemento, sin despeinarse. De ese disco editan dos vídeos clips: «Pump up the Jam» y «Mimosa» este ultimo, un vídeo muy divertido donde la banda demuestra su sentido del
humor que venía desarrollando y que los acompañara en sus trabajos posteriores.

Promesas, Mentiras y café editado en el año 2007 es un disco con versiones más tranquilas de varios temas de su repertorio como «Mimosa» y  «Conduciendo en una noche de verano», más temas nuevos y un cover de la banda Nacha Pop Lucha de Gigantes donde Dani demuestra que es uno de los mejores cantantes de Argentina.

En el 2010 editaron un disco doble llamado Esto no es Funk Esto es Head Rock. Un gran trabajo en todo sentido, tanto musical como en el arte del disco, desde las dos portadas hasta el arte interno. En este disco la banda demuestra una maduración en su estilo. Sin dudas es un trabajo más pulido, y mucho más cancionero sin perder ese sentido del humor fanky que venían demostrando en discos anteriores. Creo que también es su disco más fácil de escuchar, que puede llegar a gustar desde el principio. Hay canciones muy buenas, algunas que podría destacar son «Ex Esto es Headrock», «La Navidad es en otro lugar» y Hacele el funk, no la guerra»

Después de sacar varios singles, en el 2018 la banda edita 4:59AM, último disco hasta el momento. Un trabajo que deja en claro que la banda encontró su madurez, y su camino musical es claro. Lindas canciones, muy bien producidas, y algo que es característico de los Sucesores de la Bestia a lo largo de su carrera, la búsqueda del mejor sonido. De este disco el tema que mas destaco, y a mi parecer, es el más demostrativo del concepto musical del mismo, es «Chicas, Pop, etc».

Los discos son editados por el sello independiente Audio Buro, así también se llama el estudio de grabación. La banda actualmente está formada por: Dani Pérez en voz, sintetizador, guitarra, talkbox; Fabricio Silvestri en guitarra; Federico Puccio en guitarra, Natalio Rangone en sintetizadores, Lucio Cumini Londero en bajo, sintetizador y Pablo Brun en batería, sampler.

Rosario siempre tuvo buenas bandas y lo viene demostrando desde los comienzos del rock argentino. Los Sucesores de la Bestia, hacen honor a esto, una gran banda para descubrir y escuchar en esta cuarentena. Mi humilde consejo es empezar cronológicamente por sus discos, es más lindo el viaje musical así…

JAI 314 – EL ROCK ESTÁ MUERTO (2020)

Por Gian Franco Lisanti – @itnasilnaig

En mayo del corriente año vio la luz “El rock está muerto” de Jai 314. El disco transpira laburo, creatividad y compromiso. Las letras cargan con la desilusión, la oscuridad y los dolores de la vida moderna. Una tinta muy oscura corre desde el plug-in al oído y gracias al obituario y la tapa, sabemos que vamos a transitar durante casi cuarenta minutos, los recovecos menos iluminados de la vida de este rapero de zona oeste.

El primer tema es “No puedo salvar a todxs” feat Nils. La voz resplandeciente de Spinetta nos ilumina hasta que la base comienza a sonar. Es realmente una base adictiva, de esas que resuenan hasta cuando no tenes nada en la cabeza, que si la buscas un segundo está… “Hace un año no me afeito, ni me par del sillón, esperando a que haga efecto la puta medicación, esto no era lo planeado, me cago en lo planeado, si miran para otro lado les prometo salvación”. Barras cortas y un flow que te eleva del suelo, te mantiene levitando durante las diez canciones. Nils en los coros profundiza la atmósfera turbia de la letra, la voz y la base, y en el estribillo nos quita de ahí para transportarnos con una voz angelical a ese lugar donde todo está bien, o al menos eso parecería.

Luego, “El rock está muerto” comienza con un sample de contenido bastante ilustrativo: Si das mierda, no esperes otra cosa que mierda en devolución. Y en eso, los primeros diez segundos de base con solo drums, cajas, sin melodía, que aparece con la voz de Jai, mínima pero sustancialmente. Los cambios en la instrumental, muy estructurados, con riffs que entran, salen, se superponen, me hacen acordar a “Seven Nation Army”. Una excelente referencia rockera en este disco de rap que nos anuncia la muerte del rock. La letra de corte pesimista, mezcla reflexiones sobre la sociedad con sus propias sensaciones sobre el contexto, una manera muy efectiva de decirnos lo que opina sin bajar línea.

El interludio, de vuelta, sin teoría, sin discursos, nos deja algo que pensar y llegamos a la cuarta canción. Base que comienza con drums, una voz dulce y un bajo. En cinco segundo se genera el groove que atraviesa toda esta canción, que tiene señales al funk, memorias de Illya Kuryaki y danza asegurada. “Aleluya” junto a Claudia Resnik es, para mi, el hit del disco. Es de esos temas que se tienen que pegar porque son excelentes, porque se lo pasas a todo el mundo, porque lo pones en juntadas y te preguntan quién es, y se goza. La base es adictiva pero esto ya no sorprende en este disco que destila producción musical.

En una línea muy similar, “Falcon verde” retoma todo ese sonido bien negro pero ahora en un ambiente más chill. Vetas de soul que suena y te rompe el corazón, junto a la letra, no solo por el mal de amores sino por todo el laburo instrumental que acompaña de manera excelente todo el ambiente que genera.

“Ya está” es el tema de NN aka Winz feat Jai 314. No, no me equivoqué. Este canción se la roba la rapera con flow, estructura y skills que te vuelan la cabeza. Argumentos de sobra muestra para encargarse de más de la mitad de la canción, y sin la matemática exacta, me arriesgaría a decir que 3/4 son de ella. La base incluye dubstep, hit hats de trap y sonidos souleros reminiscentes de la canción anterior. Es una locura leerlo y admito que no tiene sentido pero escuchandolo van a ver que lo hicieron no solo posible sino también magnifico.

Junto a Legar, “Aeroplane” es el séptimo tema del disco. Un comienzo muy noventoso y una base mínima que es lo necesario para hacer una canción equilibrada, entre lo que se dice, cómo se dice y junto a qué se dice. En el final vuelven a aparecer formas extrañas al rap más duro pero está tan bien hecho, tan bien insertado en el tema y en el disco como obra total, que hace a la genialidad de la producción.

Si, como les dije, el disco emana oscuridad, “Memento mori”, el anteúltimo tema, es la cúspide, el faro sin foco de todo este álbum. Recordá que vas a morir nos dice en latín Jai, con una base sombría, de mucha distorsión, pocos sonidos agudos y un flow permanente, como el constante movimiento de la aguja del reloj.

El anteúltimo tema feat Nils, “Solo encenderlo”, no es ni la excepción a las fusiones en este disco, volviendo los géneros que visitaron en canciones anteriores, ni tampoco al nivel general.

Lopivezinzuerte” es el ultimo tema. Un sonido mucho más chill en contraposición al que predomina en los temas anteriores. Estribillo pegadizo, buen manejo de los skilles que demuestra en todo el disco, dándoles una nueva vuelta y cerrar todo el proyecto de una manera superlativa. Las letras, de todas formas, mantienen esa mirada cansada, triste y resignada hasta el final.

En síntesis, calidad tanto en lo musical como en lo poético. Barras y flow que le dan identidad propia a Jai 314, que dentro de su talento está también la capacidad de dejarle espacio a las numerosas colaboraciones, cada una con lo suyo pero todas con gran nivel. El plan de unir al rap a otros géneros es ejecutado a la perfección en cada base. Este laburo en contenido, forma y fondo hacen que sean temas tanto como para escuchar con atención y auriculares como para disfrutar las bases y el flow con el volumen a mil en los parlantes.

Este es un disco que tiene muchos hits porque cuando se termina la última canción, continúan sonando todas en tu cabeza, y no simplemente por el marketing.

UN VIAJE AL CENTRO DE LAS RAÍCES: CONEXIÓN ORIGINARIA.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Esta tan de moda mirar para el norte… copiar el acento del caribe, vestirse con «Supreme» y todas esas cosas, que lo importante parece pasar inadvertido. Al menos para esos que aún creen como dijo mi colega Gian en una nota de hace unos días (te la dejo acá) que Colon descubrió América. Bueno allá ellos, nosotrxs, lxs pillxs, los que sabemos de que va todo esto, sí miramos lo importante. Y en este caso, no solo lo miramos, sino que lo escuchamos y por ende lo vamos a compartir. 

De lo que hablo es nada más y nada menos que de un proyecto que vale la pena ser compartido. Conexión Originaria es el nombre de este trabajo audiovisual, totalmente autogestivo, que sirve como conector de diferentes raperos y raperas de diversos pueblos del Abya Yala. Para aquellxs que desconocen, al igual que yo antes de enterarme gracias a Conexión Originaria, Abya Yala es el nombre del continente en el cual vivimos. Así fue bautizado por el pueblo Guna. Volviendo a este proyecto que vio la luz el pasado 19 de abril, cuando finalmente se estreno por la plataforma de YouTube el «Conexión Originaria. La unión de los pueblos originarios de Abya Yala al ritmo del rap Cap. 1», podemos afirmar que se trata de un LA BU RA ZO de Emiliano Rios (Bandur) y de Nicolás Hernandez Mejía (Mente Negra).

Emiliano recorrió durante tres meses el área andina desde Wallmapu (territorio mapuche) hasta tierras embera en la actual Colombia y de allí se trajo además de experiencias, mucho rap. Durante su periplo por el epicentro de nuestras raíces documentó 23 proyectos de rap mapuche, embera, bari, nasa, kichwa, quechua y aymara. Así su travesía por los actuales países de Chile, Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia y Argentina le dieron forma a los cuatro primeros capítulos del proyecto. ¿Primeros cuatro capítulos?. Sí, leíste bien, Conexión Originaria constará de 6 capítulos. Al día de la publicación de esta nota, ya se encuentran disponibles 2 de esos 6 capítulos.

La otra pata de este proyecto es Nicolás Hernandez Mejia, mexicano y antropólogo que aportó su labor en la coordinación, producción y elaboración de las instrumentales de todo el trabajo. Trabajo que resulto fundamental para integrar el rap mazateco, tutunaku, cuicateco, nahuatl y mazahua. Todo este material será producido por Mente Negra desde el corazón de la antigua Tenochtitlán, actual Ciudad de México y  se tratará de la quinta entrega.

Para el final, el episodio 6, Bandur recopilará material de otros viajes a diversas partes del continente y de esa manera, Conexión Originaria cerrará con raperos kuna, guaraní (kaiowa y mbya), mixteco, maya y otras expresiones de distintos lugares del continente.

Un proyecto magnífico, el cual te recomendamos. No solo por el contenido del mismo, algo invaluable, sino por el fin. Es importante darle lugar a nuestras raíces, hacer visible lo que quieren hacer invisible. Mostrar y compartir eso que no se comparte. El Hip Hop está ahí también, el rap está acá y Conexión Originaria es la respuesta. Por obvias razones, seguiremos hablando de este rapcumental en otras notas. Una oportunidad para escuchar, conocer y valorar las voces de jóvenes indígenas de nuestro continente, que recurren al rap como herramienta para recuperar sus lenguas y su identidad, re-significar su cultura con elementos actuales, denunciar los históricos atropellos que han sufrido sus poblaciones y reivindicar la tierra y la naturaleza como elementos centrales para el buen vivir.

Mira los dos primeros capítulos acá:

 

EMCIKRE – PANGEA (2020)

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter

Hace un par de meses largos ya, mi teléfono vibró con una notificación de Instagram. El mensaje provenía de una de las bandas que mas me mueve el piso cuando suena, El Mundo de Cien Kilometros a la Redonda, Emcikre, quienes me comunicaban la inminente llegada de «Pangea» su próximo álbum, el segundo de su historia. Todavía recuerdo el impacto que tuve al escuchar su primer disco, «El Mundo de Cien Kilómetros a la Redonda». Desde ese instante percibí esa frescura entre rap jovial y sonidos clásicos. Una perfecta combineta que llamo mi atención desde el segundo uno.

Hoy me despierto con la noticia de que Pangea, el disco del que vamos a hablar en esta reseña, ya vio la luz en formato de «lista de reproducción para YouTube». Si su primer disco es muy bueno, este es excelente. Es un todo, un concepto que te va llevando a lo largo de 12 tracks. Pangea fue el supercontinente de la era Paleozoica que agrupaba la mayor cantidad de tierras emergidas del planeta. Y en este caso Pangea es un enorme trabajo de la banda oriunda de San Martín, Provincia de Buenos Aires.

La primera recomendación que debo hacerte es que para escuchar Emcikre tenes que abrir los oídos y la cabeza. No basta con solo escuchar, porque no son tan solo buenas barras acompañadas por unas instrumentales de la hostia. Demak y Markus tienen las ideas claras, las exponen, las plasman en esas líricas que decoran de una manera sutil y voraz, las pistas bien laburadas de Darchuan y Dj Cosecha.

Si entramos de lleno en Pangea, es para aplaudir la gráfica del disco. La misma esta realizada por Darchuan y contó con la participación de varios artistas que dejaron sus bocetos para formar parte de la portada. En tonos blancos y negros y resaltando «Emcikre» en todos los tipos de tags posibles, Pangea es una bomba de rap. Desde la cajita, la tapa, la gráfica y los colores, ver la tapa es viajar al Nueva York de los 70/80`.

Si pasamos al disco, es de por si destacable el orden de los temas. No están puestos porque sí, sino que tiene un fin, un concepto, como todo gran trabajo discográfico. Emcikre se destaca por el laburo, por la garra y el corazón para seguir adelante ante cualquier dificultad que se presenta. El primer tema, ese que rompe el hielo se llama «Cien» y contiene un sample de Vox Dei que le da una presencia imponente. «Cien» es un relato a la banda, un autoregalo para dejar en claro que es Emcikre y cual es su razón de ser.

Luego de esta apertura con personalidad, llega «Donde vaya», sonido clásico, unos scratchs y un paseo por San Martín. El típico tema para que suene en tu auricular donde sea que vayas. Pegadito a «Donde Vaya» llega «Haciendo Esto» uno de los mejores temas de Pangea y que tiene esa base que te hace mover aunque no quieras. «No existen ataduras si hay ganas de escribir, lo importante es fluir, acapella o en el beat» dice Markus. Lo que destaca a estos pibes de San Martín es el sacrificio con esa cuota de amor por el buen rap, por la cultura.

Y el sacrificio ve la luz en el siguiente tema que es «Constancia» un manifiesto de poco menos de 2 minutos, con un sonido claro consistente, «Hay que sentirse alegre, déjalo que celebre, logre sentirse libre para que el flow despegue…» certifican Markus y Demak. El disco no para, es una metralleta de barras, de mensajes y de rap. Ese rap underground que emerge desde el conurbano y que hace que el Hip Hop argentino se llene de esencia. Al toque de terminar «Constancia» arranca «Allá Volando» que sigue con la temática del bombo y la caja predominante. Un sonido clásico de los más noventas del disco. «… que siempre te compara quien mejor, quien peor, quien ganador, quien perdedor, quien se queda afuera, pero esa no es la manera, de convivir no es la manera…» dice el Demak y la pucha si tiene razón. «Allá volando no bajo nunca…». A mi entender, el tema que le sigue parte el disco a la mitad. «El Don» es un manifiesto de apenitas más de un minuto, una especie de freestyle de Markus, hablando «ni campeón, ni copión, solo por pasión, es acción, envión fuerza y corazón, estilo que le pega en la pera al caretón», dice para terminar con un «… larga vida a la amistad y que viva el bombo clap». Perfecto.

Como dije para mi «El Don» es el track que parte a la mitad del disco y que nos introduce en un estupendo viaje como lo es «Solo Quiero», uno de los puntos más altos del disco. Un teclado que te invita a volar y un Demak que te bombardea de rimas, transforman este tema en un himno de lucha y amor por el rap. En la segunda parte, las barras de Markus, te terminan de trasladar a un mundo donde el bombo y la caja mandan y el Hip Hop es la panacea. Pangea tiene eso, a lo largo de los 12 tracks paseas sin rumbo ni horario por San Martín y te das una vuelta por los senderos más musicales de estos 4 guerreros del Hip Hop que no paran de transpirar la camiseta por el proyecto.

Si «Solo Quiero» es un gran tema, «Todo eso fue así», el que le sigue, es un Hit. Una base impresionante, narcótica. Y esas barras que podríamos compartir todo el día. Si hay algo que tiene Emcikre es buena lírica. Un sonido fresco y no a la vez que combinan a la perfección con el estilo de los dos Mc´s. «Ahora me vienen con ideas locas, quieren convencerme que la onda es otra (skere), esperan que cambie, por dios se equivocan, solo buen Hip Hop saldrá de mi boca… no busco joder, por favor no me jodan…» Y hay muchos que piensan que los punchlines se dan solo en esas famosas batallitas de gallos. Si eso es cierto Emcikre ganó por Knock Out antes de empezar la pelea. «Todo eso fue así» es brillante y casi por decantación te transporta hasta «Si me voy por ahí» una belleza de canción que no da ganas de que el disco termine jamás. Ojo, así como digo una cosa digo la otra y en mi opinión, Pangea es un disco para escuchar más de una vez, un disco para analizar y compartir sin ninguna duda. Una instrumental distinta, lenta, con un punteo de guitarra decorando un ritmo de reggae que te invita a bailar agitando a pleno.

Así como «El Don» separa el disco, «Comensal» es la puerta de entrada al desenlace del mismo. Demak parte una base moderna con tintes de trap y un sonido amplificado. Tranquilamente podría ser el sonido de un vídeo juego, «…pensamiento es la fuente de vitalidad, no me agache la frente ante la autoridad… no sigo la miga del pan chico, pre predico libertad» reza Demak y cierra con un brutal «… buscando el sueño no material» algo que describe la esencia de este cuarteto de San Martín. «Comensal» nos deposita de lleno y al momento de escribir esto, me pongo de pie, en el mejor tema del disco para quien les escribe. «Máximo Respeto», una bomba molotov de dos minutos y pico, con unos scratchs de Dj Cosecha y Dj Darcho que elevan el beat de Elbeats. «Máximo Respeto» es EL tema de Pangea, es un manifiesto, una clara muestra de valores, de ideas y conceptos. Los ideales de Markus, Demak y todo Emcikre están puestos acá. Es un track de los más raperos que escuche en la historia y a modo personal recomiendo prestarle mucha, muchísima atención. En tiempos de música de plástico Emcikre se pone la camiseta de la lucha por no perder la esencia.

Creo que no había mejor manera de finalizar un disco que con un tema como «Trenes». Un homenaje al graffiti con una base tremendamente noventera, que te transporta. «Trenes» es un viaje, una dedicación a los graffiteros, un tema que hace culto a este elemento tan fundamental de la cultura Hip Hop. El beat es de Cosecha y es una joya del segundo 1 al final. Demak y Markus se desenvuelven de manera perfecta tirando barras que lxs graffiterxs van a amar. «Trenes» te deja con ganas de más y eso está bien, termina tan arriba este disco que no entendes como ese es el final y te quedas esperando la siguiente bomba. Bueno para eso abra que esperar, porque hasta acá llega Pangea, este discazo Made In San Martín.

Fue un proyecto largo y adaptado a estas épocas. Los temas vienen sonando y los podes disfrutar desde enero del 2019 cuando se estreno «El Don». Todos los tracks fueron saliendo de a poco, algunos con vídeos, otros solos, pero Emcikre trajo la modernidad para presentar un material imperdible. Pangea es un todo, un rejunte de ese arduo trabajo que arranco hace más de un año y medio y que culmina con el armado final de esta lista para disfrutar de un buen rap por casi 30 minutos. Un material que sin lugar a dudas sigue poniendo en alza el rap argentino y que demuestra que el rap del bueno se encuentra en el underground, ahí, lejos de los flashes, los vips y más cerca del barrio, de los amigos, más próximo al Hip Hop.

Pangea es un hermoso periplo por el rap, por San Martín, por la cultura y el respeto por la música. Lo dije, pero lo quiero afirmar: Este disco debe escucharse, si es posible más de una vez y al que se le debe prestar atención . Un gran laburo que afirma el presente de una de las bandas más raperas del país.

Escuchalo acá:

«LA IDEA ES MANTENER VIVA Y UNIDA LA CULTURA».

Por Juan Ignacio Guzmán Dotto – @juanguzmandotto

Matias Tejeda tiene 22 años, nació en Tierra del Fuego y ahora vive en La Plata, donde estudia el profesorado de Educación Inicial. Pero es más conocido por su apodo Baskito. Un beatmaker el cual tiene una gran producción de beats, entre la cual hay 2 discos de hip hop instrumental. En enero lanzó su tercer beat tape Quiet Process; quien tuvo el logro de llegar al medio millón de reproducciones en Spotify. Desde Revista Flow tuvimos la oportunidad de charlar un poco sobre ese disco, su música y proyectos futuros que está craneando.

¿Cuándo empezaste a producir?

Empecé a producir hace 5 años mas o menos, al principio en Fl Studio y luego de dos años me pase a Ableton, porque me gustaba la interfaz, las herramientas de ese daw y además me parece muy completo e intuitivo.

¿Cuáles son tus influencias musicales?

Mis influencias vienen desde jazz, soul, rnb, funk, beatmusic, desde lo más antiguo hasta lo mas actual, soy de escuchar mucha música, y también me gusta lo nacional, e Internacional del rock, música melódica, flamenco, etc.

¿Qué usas para producir?

Para producir utilizo solo mi Akai Apc20 para la construcción del track, luego una vez terminado eso, solo con mouse, teclado y oído empiezo a pulir todos los detalles de cada sonido en el proyecto, pero estoy con ganas de sumar maquinas análogas a mi setup.

Noto una diferencia entre tus dos primeros tapes. En el primero, lo veo tirando mas para un lado electrónico y experimental. En el segundo ya es más lofi hip hop ¿Qué diferencias sentís de este con respecto a tu último tape “Quiet Process”?

Mis primeras producciones estaban muy arraigadas a mis influencias más electrónicas de ese momento, con respecto al footwork, modular music, etc. siempre siguiendo el camino del Hip Hop pero también manteniendo esa parte ambiental, armoniosa, y reflexiva que caracteriza a mis producciones. En el segundo tape ya mi sonido se encuentra más sólido, mis producciones también, el mensaje es claro, creo que mi último material fue la consecuencia de varios años de búsqueda, la ansiedad de querer decir algo, y sabiendo como hacer para lograr dar ese mensaje.

Me dijiste que te tomó un año y medio hacer este disco. En tu instagram decís que este disco es la “convivencia entre la tranquilidad y el caos” como algo que te define constantemente ¿Podes ahondar un poco en ello?

El disco tomó muchas formas, tuvo muchos nombres, un solo track sobrevivió de los primeros que estaban incluidos, ya que durante ese tiempo fui encontrando el camino correcto de lo que quería decir y de cómo hacerlo. Considero que cuando vas a hacer un álbum, tiene que tener un concepto muy sólido, y se debe trabajar arduamente en traducir eso a lo sonoro, y ya que no es nada fácil, mejor tomarse su tiempo. La convivencia entre la tranquilidad y el caos, tiene que ver con mis vivencias personales durante ese tiempo, y gran parte de mi vida, lo que logre ganar en medio de esa dualidad, que si bien algunos la vemos con mucha lejanía, es algo con lo que convivimos cotidianamente, es una aventura encontrar ese equilibrio con uno mismo cuando predominan esas dos cosas, y lo que logré fue traducir la necesidad que sentía de encontrar un momento para introspección, para reflexión, en este ultimo tape, donde tiene un mensaje profundo sobre esa búsqueda y creo que te invita a estar inmerso en ese mensaje durante esa media hora. También lo cree pensando en mis deseos de que sea un álbum para cualquier freestyler, un mismo álbum para todos los que les gustan las rimas, y obtuve muchas buenas críticas con respecto a eso. Así que estoy contento con todo mi trabajo. El arte de tapa le corresponde a SPENCER ©️ (@trill.spenz) a quien admiro mucho, es un diseñador y también productor con el trabajamos en conjunto en muchos proyectos que verán la luz muy pronto.

Estás trabajando en otro tape que va a ser para un sello de Europa y otro en paralelo ¿Qué podes adelantarnos sobre esto?

El próximo tape va a salir bajo un sello de Alemania llamado Dezi-Belle Records, se va a llamar “BIG MOOD” y estoy muy feliz porque no solo va a ser lanzado en formato digital sino también en Vinilo, la tapa también le pertenece a SPENCER ©️ (@trill.spenz) y no tiene una fecha de lanzamiento todavía pero ya esta todo en marcha, así que seguro muy pronto. En cuanto al otro tape que vengo trabajando, esta vez es en conjunto con otro productor muy bueno a quien admiro también como persona, y nada, estamos trabajando mucho en eso, así que estén atentos a mis redes que siempre comunico todos los releases que se vienen.

También organizas “bit tapes” un ciclo de hip hop con otros beatmakers en La Plata. ¿Cómo ves a la movida beatmaker ahí y cuales son tus planes a futuro para este ciclo?

Bit Tapes (@bit.tapes) es un ciclo de HipHop que funcionaba en California Bar (@californiabar.lp) pero durante la cuarentena lamentablemente como le a pasado a otros bares, este tambien cerro, así que estamos en busca de propuestas para llevar esto a cabo. Mi equipo de trabajo está conformado por Extreinsh (@extreinsh), Simon (si.monnnn), Spencer (@trill.spenz) y Nicolás Gianelli (@nicolasgianelli) e intentamos generar un espacio, un lugar de encuentro para beatmakers, artistas del rap, y bboys, donde se puedan participar en cada edición, y tanto el público como los artistas, nos conozcamos y disfrutemos de ese lugar. La movida beatmaker en La Plata es algo que le falta mas visibilidad pero estamos trabajando para que eso cambie, hay mucho talento no solamente en La Plata, Buenos Aires, si no también en toda la Argentina. Con nuestros amigos de Bit Master (@bit_master) pensábamos en hacer algo en conjunto antes de la pandemia, creemos que las conexiones hacen que todo sea más fluido y se llegue a buen puerto. Para un futuro con Bit Tapes esperamos que muchos lugares nos abran las puertas para poder llevar nuestro trabajo a más personas, que se acerquen nuevos artistas, beatmakers, bboys, y que esto se replique en muchos asi podemos volver con todo al ciclo. La idea es mantener viva y unida a la cultura.

Otro proyecto que me dijiste es que para el próximo disco es que te interesaría hacer un vídeo documental como Dano, pero no hablado, solo con imágenes. ¿Ya empezaste a trabajar en esto?

Mi próximo tape “BIG MOOD”, es un tanto callejero, bastante classic, se vuelve un tanto agresivo con respecto al sonido, pero siempre manteniendo las texturas lofi que me representan, también hay mucho groove, mucha armonía de jazz, flips de samples muy trabajados, y cosas que me inspiraron luego a querer hacer un vídeo documental del álbum, me gusto mucho la . Van a participar animadores digitales también, va a ser un trabajo visual muy grande y muy importante para mi. Para enterarse de todo esto, pueden seguirme en mi instagram (@baskitoprod) o pueden entrar a https://www.fanlink.to/baskitoprod donde pueden entrar a cualquier plataforma para escuchar y comprar mi música. También les dejo otros artistas con los que nos solo estamos trabajando en varios proyectos, si no que también me encanta su música: @extreinsh / @octavioaga / @con.fusion_ / @insanosuc / @kaizen.92 / @keth_prod / @monowario / @lasarte.ksp / @clima.shinen / @gvbitou / @gianydorazio / @ignaciolopez.lileme

SIAK – MANDALE (2020)

Por Juan Ignacio Guzman Dotto – @juanguzmandotto

“Te invito a prender fuego, a caminar mi suelo / a ver el pasado, lo bueno y lo malo y si no es demasiado vamos a cambiar el juego” así arranca Juan Amarita aka Siak su primer disco solista “Mandale”. Siak forma parte de Iluminate Crew, formada en el 2005, integrada por Manuel Delgado aka Manuu Thin (productor y MC), Gabriel Homsi (MC), Mariano Sora (músico), Robsteady (DJ)  y Pablo Marrone aka Dsg (VJ) quienes tienen el mérito de haber publicado 5 discos y trabajado con artistas conocidos de otros géneros como el Pity Alvarez, Andres Gimenez, Los Cafres, etc.

El grupo está ligado mucho a la escena de reggae nacional. Y ya esto se puede notar en la tapa de este disco (Hecha por Vj Dsg), con una estética similar a la de esos géneros jamaiquinos.

Este trabajo presenta 11 composiciones que cuentan con la participación de varios beatmakers, productores y raperos y fue grabado y mezclado durante 2018 y 2019 en Confesionario Rap Estudio por Manuu Thin.

Mandale es una mezcla de jazz y boom bap, en los cuales se le agregan otros géneros en canciones particulares. La mayoría de la música está hecha por miembros de la crew (Manuu Thin y Mariano Sora)

Lo que comparten la mayoría de los tracks es que suelen haber samples de pianos jazzeros, con algunos sintes y guitarras (en algunos es difícil distinguir si es un sampleo o un instrumento grabado posta). acompañadas por batas y fxs bien de los 90s.

Todo eso hace que el disco tenga una sonoridad muy variada: Por ejemplo “Intro” y “Café” comparten un sonido más electrónico, donde priman los sintes creando atmosféricos. Después hay cosas que suenan como A Tribe Called Quest, con tracks como “Algo distinto” y “Sueña”. Y otros tirando a un boom bap más clásico con “Cash” y “Mandale”

Las letras de Siak nos dan para pensar. Por mencionar algunas: “Libre” es una reflexión sobre el tiempo, la libertad, las circunstancias y la sociedad capitalista. Cerrando con un audio de un discurso de Pepe Mujica. “Café” es un golpe de realidad: Habla sobre la autenticidad en la escena y de la vida del día a día, donde el rapero viene a despertarnos con esta canción, como si se tratara justamente de un café amargo. “Pie izquierdo” retrata la transformación de una persona que es llevada al cinismo por la realidad cotidiana. Siak es consciente de ello y utiliza ese pensamiento para contraatacar: actuar en consecuencia para mejorar.

“Quien sos?” es uno de los temas que más diferente suena del resto. Tal vez porque tiene un sample latino y una onda trapera, sumado a que se rapea a doble tiempo. Y habla de la reivindicación del yo.

“Cash” es otra canción que destaca por su sonoridad: Es un boom bap clásico, con un sample de cuerdas pero con un rap violento y vocalizaciones de reggae que manifiesta la sobre importancia del dinero y el consumismo.

Un gran disco de un gran artista que lanza su carrera solista con un trabajo más que solido. Poquito mas de media hora de buen sonido, buenas barras y una compañía musical más que destacable. Si estas con tiempo, dale play a Mandale y disfruta del buen rap de Siak.

 

Escucha Mandale acá:

 

#OTROMAMBO: REGGAE ROCKERS.

Por Javier «Chavo» Ruiz – @chav079

A mediados de la década del 2000 el Reggae Argentino tuvo una especie de furor, muchas bandas editando discos y participando en los festivales más importantes. Hasta alguno se animó a hacer una fecha solamente con bandas del género. Luego, se fue apagando de a poco ese momento y la industria musical empezó a buscar otros ritmos para sacarle jugo.

En esa época surgió una banda llamada Reggae Rockers, que tomo al reggae como base, para fusionarlo con diferentes ritmos como el rock, el ska y el soul. El liderazgo y la voz cantante la lleva Yael Rodriguez, una de las mejores cantantes de nuestro país, voz que le da a la banda un estilo único y la convierte en una banda para
descubrir y no parar de escucharla.

Tienen 3 discos de estudio editados de manera independiente: “Reggae Rockers” 2007, “Music is Music” 2010 y “Mundo Rockers” 2012. En su primer disco versionaron clásicos como “Perfidia”, “Uptown top ranking”, “Santeria” y el clásico rastafario de The Abyssinians, “Satta Massagana”. Este ultimo, sin lugar a dudas, en una versión tan conmovedora como la original. En su segundo disco, siguieron con las versiones, pero ya con algunos temas propios como “Regresa” y “Tell Me”, que ya son clásicos de la banda. En este segundo trabajo también versionaron clásicos como “I shot the sheriff”, “El Sol no Brilla” versión en español del clásico “I not sunshine” de Bill Whitters y otro cover del disco es el tema de Stevie Wonder “Master Blaster (Jamming)” una de las mejores versiones de este hit inoxidable, donde Yael demuestra porque es una de las mejores voces de estos lados del mundo.

En el 2012 editaron “Mundo Rockers”, un disco ya con mayoría de temas propios, pero que sigue por el mismo camino de los anteriores, donde se destacan “Si me quieres”, “Te Busque”, “Voy a estar bien” y “Días de Duelo”.

Sin duda alguna, Reggae Rockers es un banda para escuchar y descubrir dentro de un género, que a mí entender, perdió la frescura de años atrás. Una banda que se nutre de muchos géneros para crear su propia identidad. Porque muchos de sus integrantes vienen de diversos géneros como el soul, el blues y hasta el heavy metal, ya que el baterista Patito Dramer fue discípulo y trabajo con Gustavo Rowek (histórico baterista del heavy argentino). Y es una banda que tiene una búsqueda musical muy profunda para lograr un sonido fresco, con fuerza pero sin perder la finura, con arreglos de vientos muy delicados y certeros.

Han sido reconocidos y compartido escenario con grandes artistas como The Skatalites, Israel Vibration, Gondwana, Los Cafres, Fidel Nadal, Alika, Dancing Mood, entre otros. La formación actual de la banda tiene a Yael Rodríguez en voz, Patito Dramer en batería, Martin Lofi Nievas en bajo, Felipe de Vedia en guitarra y Mariano Chino González en piano.

En 2017 lanzaron el single «Sin tu Amor» y en breve lanzarán «Ilusión», un adelanto de su cuarta producción discográfica, que grabaron en Guadalupe Estudio, su propio estudio de grabación y productora recientemente inaugurados. El cuarto disco se titulará «El salto» y planean darlo a conocer en septiembre de este año, que además es el mes aniversario número 15 de la banda. Pueden buscar su música en Spotify y seguirlos en instagram (@reggaerockers_ar) les garantizo que no se van a arrepentir.

DESCHAVANDO A LOS QUE DICEN DEVELAR SECRETOS DEL RAP ARGENTO.

Por Kevin Dirienso Poter – @kevindpoter 

Sin lugar a dudas hoy podríamos afirmar que el momento que se está viviendo invita a mucha gente a la cultura Hip Hop. Sin importar y casi asegurando que la puerta de entrada para muchxs es el freestyle o el trap, algo con lo que personalmente, no estoy de acuerdo, seria de ciego y «come vidrio» decir que esto no es así. A las nuevas generaciones tal vez no les importa o no les llega la «data» de lo que sucedió o de donde viene la cultura Hip Hop. Lxs que amamos esta cultura y nos apasiona la simple razón de conocer, hemos leído libros, recortes, escuchamos a los que saben y sin dudas, intentamos por todos los medios seguir averiguando más y más de esta locura juvenil que nació en un barrio prendido fuego de Nueva York allá por los años 70.

Argentina está lejos del movimiento de la ciudad que nunca duerme, imaginense como serían las cosas hace 45 años y como llegaba la información de una cultura mainstream en el país del norte, pero totalmente virgen por estas tierras. Hoy a más de 4 décadas de aquella revolución artística, en Argentina, el Hip Hop está de moda. Le guste a quien le guste es así y gracias a las redes, la tecnología, hoy podemos disfrutar de una publicidad de juguitos en polvo que tiene tintes de la cultura Hip Hop. O al menos esos creen los que la hicieron y todxs los que se comen ese verso. Dios mio. Para quienes usan su tiempo para informarse sabrán que el Hip Hop lejos está de eso y menos que menos de lanzar billetes al aire en un país donde mucha gente no logra comer 4 veces al día. En fin esa es otra historia.

Volviendo a la que impulsó esta nota, el mainstream tiene sus dos caras, como casi todo en la vida. Hoy que ser rapero es cool y que el Hip Hop es un mercado para muchxs, parece ser que todxs son sabiondos y que ese incipiente mercado es una oportunidad. Dentro de esos sabiondos y de esas actitudes de rapiña aparece el periodismo. El rap como género y el Hip Hop como cultura, siempre fueron ninguneados por el excelso periodismo argentino. Para los programas de tevé, muchas radios y numerosos medios gráficos, todo lo relacionado a esta hermosa cultura era marginal, circense y hasta burlesco, pero hoy, vaya uno a saber por que (guiño guiño), el rap ocupa un lugar de tendencia e importancia en los medios masivos, esos que le daban la espalda hace unos años y cual bugs bunny dibujaron el signo $ en sus ojos. «Bien, Kevin, porque mierda decis esto, que finalidad tiene». Escribo esto porque estoy harto de los falsos amantes de la cultura, de los aprovechadores y de los que contaminan con su necesidad de plata.

Hace muy poquito, en una de las revistas de mayor renombre en materia música, editada en nuestro país por el diario más conservador y asqueroso de Argentina salio una nota hablando de, lean esto, «LA HISTORIA SECRETA DEL RAP EN ARGENTINA»… Eh!, ¿Quién vino James Bond a desclasificar archivos secretos?. Bueno un titulo gancho no se le niega a nadie y es un recurso periodístico, el problema está en que a mi criterio profesional, cuanto más llegada tenes, mayor responsabilidad. ¿Alguien le puede avisar esto al diario de Mitre? Porque al parecer aun no se dieron cuenta. La intención es buenisima y me alegra que la cultura llegue lejos, pero «si la vas a hacer hacela bien» dice la canción y es así. La nota, extensa y con una escritura bárbara, está cargada, repleta de horrores. Errores no, horrores. Imperdonables, porque estamos en el 2020 y chequear la info es cuestión de segundos gracias al mágico Internet.

La historia del rap en Argentina es rica, es digna de ser contada, pero bien, con responsabilidad. Tan acostumbrados estan los grandes medios al consumo y a querer «vender» noticias, notas y contenido, que se olvidan del ABC del periodismo: Chequear la info. Durante el escrito, aparecen muchxos protagonistas de aquella época, lo que marca que hubo trabajo de campo, se nota que el periodista le dedico tiempo e intento detallar cosas durante el relato. Como dije, la historia del rap argento es amplia y a modo de defensa, es muy dificil plasmar en una nota para una revista a «la historia del rap». Ya lo contará Martín Biaggini en su libro Rap de Acá y su primer volumen. Ya lo hizo Juan Data durante años poniéndose el periodismo que si sabe de Hip Hop al hombro durante los primeros años y más también con su magnífico Fanzine «Moshpit Posse», llegando a ser un ejemplo para todxs los que vinimos después. El Hip Hop es pasión y el periodismo para algunxs locxs como yo, también, por eso enojan los grandes medios cuando entrometen sus narices con ese poderío económico y esa llegada que «marca agenda».

Pero volviendo a la nota y sus deficiencias, algunas de ellas muy groseras a mi criterio. Si hablamos de un relato cronológico o con saltos temporales, no podemos errar en los años y en la información. En la nota se dice que Nación Hip Hop Vol 1, Slim Shady y el asesinato de Biggie suceden en 1998 y ¡NO!. Nación Hip Hop Vol 1 es de 1997, al igual que el asesinato del Rey de Brooklyn. Mientras que Slim Shady fue editado en 1999. Por otro lado, el tema la que se hace mención en la nota perteneciente al Sindicato ¡no se llama «Agite en el Oeste»!, se llama «Agite» y forma parte del primer álbum del Sindicato Argentino del Hip Hop llamado «Un paso a la eternidad» y no «A un paso de la eternidad» como lo mencionan en la nota. Errores, para algunxs tontos y sin importancia, para otrxs groseros y totalmente chequeables. Para culminar con esto, Jazzy Mel se bautizó de esa forma por Jazzy Jaz y Melle Mel, y no por Grandmaster Melle Mel.

No intento con esto ponerme en el rol de hater, capaz lo toman así, pero creanme como diria Martin Garabal «no es por ahí». Quiero demostrar que hay un periodismo independiente que vale la pena, que demuestra que el poderio económico y el buen periodismo no van de la mano. Así como hay musicos underground que son más profesionales que muchos «mainstream». La cultura Hip Hop siempre fue underground, siempre estuvo en el barrio, haciendo y diciendo las cosas que los de arriba no hacen o no quieren hacer y/o decir. Es irresponsable el periodismo que ahora ve en el Hip Hop la movida juvenil y consumista, es irresponsable porque, lamentablemente, tiene más llegada y repercusión que cualquier medio independiente y a modo repetitivo «a mayor llegada, mayor responsabilidad».

Hay una historia rica, digna de ser contada, explorada y puesta en conocimiento. El rap en Argentina esta en pleno crecimiento y hay un periodismo que se hace desde el epicentro mismo que vale la pena… vale la pena de verdad.